Ashitaka Male, 44. Milano, Italy

Toei Animation, i primi passi del cinema animato giapponese
di Mario A. Rumor, casa ed. Cartoon Club, pagine 195, costo 20 €, anno 2012, formato 15 cm X 20 cm

Il nuovo libro di Rumor tocca un periodo dell'animazione giapponese che i nati alla fine degli anni sessanta e negli anni 70 dovrebbero ricordare bene, infatti quei film furono trasmessi dalle tv private locali e, in qualche raro caso, proiettati al cinema.
I film del gatto Pero (con gli stivali), Le 13 fatica di Ercolino, Gli allegri pirati dell'isola del tesoro, 20000 leghe sotto i mari, Alì babà e i 40 ladroni, le vari fiabe animate di Andersen ed altri film ancora, fanno parte della nostra memoria animata, al pari di Goldrake e Lady Oscar.
Il libro risulta scorrevole ed interessante, in particolare se si è affezionati ai film commentati, ma anche se si è dei semplici appassionati di animazione nipponica, infatti in copertina c'è un'immagine del primo film animato d'autore, “La spada del sole – La grande avventura di Hols” (che io vidi una prima volta da bambino in tv e non mi piacque molto, anzi, mi inquietò assai, mentre la successiva visione da adulto la apprezzai di più).
Il saggio è diviso in 14 brevi capitoli.
Capitolo 1:
E' raccontato il clima, più che la mera storia cronologica, in cui nacque la Toei Doga ad opera del suo primo presidente Hiroshi Okawa.
Rumor cerca di spiegare cosa spinse Okawa a creare la Disney d'oriente, e quale valore ebbe questa casa di produzione per l'animazione nipponica delle generazioni successive.
Inoltre sono introdotti i dissidi tra Okawa, che voleva continuare nei film d'animazione per bambini (favole con dolci animaletti), e le nuove leve (Takahata, Miyazaki etc), che volevano storie più adulte.

Capitolo2:
Questo capitolo, rispetto al primo, è l'esposizione della storia del cinema d'animazione prima della nascita della Toei. Dall'introduzione in Giappone del cinematographe Lumiere nel 1897 ad opera di Katsutaro Inabate, che proiettò i primi filmini a pagamento, fino ai primi film d'animazione importati dall'estero nel 1910.
Nel 1916 viene prodotto il primo corto d'animazione nipponico, che fu chiamato “senga eiga”, “film disegnato”.
Il capitolo continua con la cronistoria degli esordi pionieristici, più professionali poi, del cinema d'animazione giapponese, date, nomi di autori, titoli dei film, brevi racconti dei fatti susseguitesi negli ani 20/30/40.
E' toccato brevemente l'argomento dello sfruttamento da parte della propaganda patriottica e militare imperiale dell'animazione del periodo.

Capitolo 3:
Il periodo preso in esame è quello del cinema animato appena dopo la fine della guerra fino al periodo pre Toei Doga. In quegli anni i mezzi e i finanziamenti erano scarsi, ma la fine della censura e della propaganda militare avevano liberato l'inventiva dei non numerosi animatori rimasti.
Nel 1952 viene fondata la Nichido Eigasha, nel 1956 Hiroshi Okawa annusa il buon affare e l'acquista, rinominandola “Toei Doga”.

Capitolo 4:
Il capitolo è riservato ai 2 anni di lavorazione per il primo lungometraggio a colori della Toei Doga (e del Giappone): Hakujaden (la leggenda del bianco serpente), 1958.

Capitolo 5: Rumor rievoca la storia del secondo film (1959) “Shonen Sarutobi Sasuke”, e del quarto (1961) “Robin e i 2 moschettieri e mezzo” (Anjuto Zushiomaru) della Toei Doga.

Capitolo 6:
Qui si fa un passo indietro per raccontare la creazione del terzo film della Toei, “Son Goku” (1960), “Le 13 fatiche di Ercolino”. Prodotto arruolando Osamu Tezuka, che collaborerà in altri 2 film: “Le meravigliose avventure di Sinbad” (1962); “Wan Wan Chushingura” (La marcia dei cani, 1963).

Capitolo 7:
Rumor si sofferma sulla “Golden Age” della Toei Doga, e su ciò che spingeva i suoi animatori (Yasuo Otsuka, Taiji Yabushita, Akira Daikuhara, Yasuji Mori, Hayao Miyazaki, Isao Takahata, Reiko Okuyama) a dare il meglio nei loro film anche se spesso non ne condividevano la filosofia imposta da Okawa.

Capitolo 8:
Nel 1963 (fino al 1965 per 86 episodi totali) la Toei Doga produce il suo primo anime televisivo: “Okami Shonen Ken”.
La Toei per questa prima serie impose una qualità maggiore rispetto ad Astro Boy di Tezuka, 4 o 5 mila disegni a puntata contro i 1000 del robottino tezukiano.
Sono elencate e commentate anche le successive serie televisive della Toei, come “Hustle Punch”.

Capitolo 9:
Il capitolo affronta il filone filmico basato sui romanzi occidentali. Sono analizzati i film: “Le meravigliose avventure di Sinbad” (1962); “I viaggi spaziali di Gulliver” (1965); “La storia di Alice...fanciulla infelice” (1967); “Senza famiglia” (1970).

Capitolo 10:
Sono riproposti e commentati i film realizzati per la Toei Doga da Shotaro Ishinomori: “Rainbow Sentai Robin” (1969); “Cyborg 009” (1966); “Cyborg 009 Kaiju Senso” (1966); “20000 leghe sotto i mari” (1969); “Sora Tobu Yureisen” (1969).
Ora entrerò in modalità nerd/otaku. Nella sinossi di “20000 leghe sotto i mari” ci sono un paio di errori.
A pagina 130 c'è scritto “Nel caos, Isamu afferra la ragazzina e si dirige verso la spiaggia assieme a Cita”.
A parte che non è Isamu ad afferrare Angela, ma è il leopardo Cita, però i 3 non si possono dirigere “verso la spiaggia”, in quanto sono sulla cima di un vulcano! Si limitano a ripararsi dentro una grotta, anche perché Angela è svenuta e sono inseguiti dal Mostro di Fuoco.
A pagina 132 c'è l'immagine di una scena con questa didascalia: “Isamu e l'amico leopardo Cita si trovano ad affrontare uno dei mostri marini del film”.
In realtà quel mostro non verrà affrontato dai 2 (anche se in realtà sono in 5, visto che tutti sono a bordo della Chiocciola Magica di Angela, assieme anche ai 2 piloti), perché questo enorme serpente marino dagli occhi diamantati è venuto solo a rendere un saluto alla principessa Angela.
Fine della modalità Nerd/otaku.
Nel 1966 la Toei Doga decise di dividere i film prodotti in due classi: la classe A (80 minuti, 12 disegni al secondo) e la classe B (60 minuti, 8 disegni al secondo).
Quindi Shotaro Ishinomori diresse questi film di serie B, tra i quali ci sono i film a cui sono più affezionato (vedi gli appunti fatti sopra).

Capitolo 11:
Il capitolo racconta la genesi, la lavorazione e gli esiti del film considerato lo spartiacque tra l'animazione per bambini (target imposto da Okawa) e il cinema d'animazione d'autore: “Tayo no oji – Hols no daiboken” (1968) “La spada del sole – La grande avventura di Hols”.
Con questo film Takahata fece capire agli animatori contemporanei e futuri che l'animazione poteva anche veicolare contenuti di denuncia sociale.
Il capitolo è un breve riassunto dei fatti, per un maggior approfondimento consiglio la lettura dell'altro libro di Rumor su Isao Takahata, “The art of emotion, il cinema d’animazione di Isao Takahata “.

Capitolo 12:
Irrompe sulla scena il gatto Pero, protagonista di 3 film e divenuto la mascotte della Toei.

Capitolo 13:
Yoichi Kotabe, Yasuo Otsuka, Isao Takahata e Hayao Miyazaki stano per lasciare la Toei per le ormai insanabili diversità di vedute sui contenuti dei film. Prima di andarsene partecipano (non tutti) ad altri 2 film: “Gli allegri pirati dell'isola del tesoro”; “Alì babà e i 40 ladroni”.

Capitolo 14:
Sono elencati e commentati i film “fiaba” della Toei da “Le meravigliose fiabe di Andersen” (1968) ad “Aladino e la lampada meravigliosa” (1983). Passando per “La sirenetta” (1975), Heidi diventa principessa” (1977), “Il lago dei cingi” (1981), “I dodici mesi” (1980), “Tatsu no ko Taro” (1979).

Vita da cartoni, una microguida al cinema d'animazione (con DVD allegato)
di Elettra Dafne Infante e Fabio Bartoli, casa ed. Tunuè, pagine 111, costo 14,50 €, anno 2012, formato 18 cm X 17 cm

Come recita il sottotitolo questa vuole essere una “microguida”, ergo non può essere molto approfondita, è una visione a volo d'uccello dell'animazione mondiale ed italiana. Quindi ha il vantaggio di essere leggera e riportare alla memoria i bei ricordi legati ai cartoni animati, ma non può entrare in una analisi dei fatti narrati e neppure essere esaustiva nel citare i titoli e gli artisti dell'animazione.
Al libro è allegato un DVD che contiene un documentario sui cartoni animati. Il DVD è fatto bene, ma entrerò nel dettaglio dopo la recensione del libro.
Il libro fa parte di quel filone nostalgico sull'animazione, anche se poi arriva a trattare film e serie d'animazione contemporanei. Comunque, nonostante la sua brevità, ho trovato alcune informazioni che non conoscevo.
Ho trovato molto bella l'introduzione scritta da Elettra Infante, una serie di ricordi legati ai cartoni animati, ricordi che sono anche miei, visto che siamo quasi coetanei.
Il libro è diviso in sei capitoli.

1 Scuole di animazione a confronto
Nel capitolo si ripercorre per sommi capi la storia delle tre scuole dell'animazione mondiale: la statunitense, l'europea (tranne l'Italia), la giapponese.

2 Lo sviluppo dell'animazione in Italia dal secondo dopoguerra all'arrivo degli anime
Una breve storia dell'animazione in Italia (carosello, Supergulp, Heidi, etc) dai suoi esordi fino all'era delle tv private, quindi fino a Goldrake.

3 L'animazione italiana da Bim Bum Bam ai giorni nostri
Questo capitolo parte dal 1982 fino ad arrivare ai giorni nostri. Ho notato una piccola inesattezza che da adito ad una piccola critica. Riguardo Bim Bum Bam c'è scritto che trasmise Candy Candy. Non escludo che ciò sia capitato, comunque non fu la prima trasmissione, che avvenne sulle tv private locali (qui a Milano si Telereporter). La critica che nasce è che alle piccole tv private sono riservate solo 3 o 4 righe. Nonostante ci abbiamo fatto vedere decine e decine (e ancora decine) di “cartoni animati giapponesi”.

4 Adattamento e voci dell'animazione
I temi trattati sono i seguenti:
Traduzione e adattamento; Il doppiaggio; Il doppiaggio dell'animazione in Italia.

5 Il sonoro nell'animazione
Facendo la storia del sonoro nell'animazione mondiale si arriva fino alle sigle italiane e a quelle giapponesi, non dimenticando le BGM, argomento che raramente è trattato.

6 Gli autori intervistati in “Vita da cartoni”
Sono riportate le biografie e parte dei dialoghi presenti nel documentario degli autori intervistati.

Passiamo ora alla valutazione del documentario. Dura un'ora, e mi sarebbe piaciuto durasse di più, visto che è fatto bene.
E' la storia, esposta cronologicamente, dell'animazione mondiale e italiana, dal 40entismo inuto in poi si parla di sigle italiane.
Gli interventi dei numerosi (20, se non ho contato male) intervistati sono abbastanza brevi, alcuni intervengono più volte. Ci sono numerose informazioni interessanti e aneddoti raccontati dai protagonisti.
La storia dell'animazione è narrata da Cosetta Turco (la speaker), che ha una bella voce, un bel portamento è una bella scollatura.
Mi permetto di fare una sola, ma pesante, critica al documentario. Capisco che è un argomento pluri trattato ed osannato, direi quasi inflazionato, però non è citato Goldrake!
Comunque c'è un po' di Goldrake, anche se solo sonoro. Quando interviene Cosetta Turco o ci sono i cambi di scena il suono che la accompagna è uno dei suoni di Goldrake.
Fare un documentario che narra anche la storia dell'animazione in Italia senza citare il 4 aprile 1978 è come parlare della storia dell'America senza citare Colombo.

Ecco, in rispettoso ordine di apparizione, gli intervistati:
Mario Cantini (dirigente RCA);
Franco Migliacci (autore), che racconta che la voce che dice “Maaaazinga” nella sigla del il “Grande Mazinga” è la sua;
Maurizio De Angelis (musicista e produttore);
Marco Pagot (animatore);
Paolo di Girolamo (animazione);
Vincenzo Nisco (art director);
Francesca Guadagno (doppiatrice);
Fabrizio Mazzotta (doppiatore);
Sergio Faiella;
Bruno Bozzetto (regista);
Enrico Sordi (grafico);
Massimo Coorizza (doppiatore);
Perla Liberarori (doppiatrice);
Gian Claudio Galatoli (produttore e distributore), nella sua intervista dice, per ben 2 volte, Ramna invece di Ranma...
Douglas Meakin (Rocking Horse/ Superobots);
Francesco Fasano (compositore);
Carlo Nostri (regista);
Pietro Ubaldi (doppiatore);
Veronica Aliprandi (produttrice esecutiva).

Manga Academica vol. 4, rivista di studi sul fumetto e sul cinema di animazione giapponese
casa ed. Società Editrice La Torre, pagine 122, costo 10,50€, anno 2011, formato 20 cm X 15 cm

Siamo giunti al quarto numero di Manga Academica, questa rivista, in forma di saggio, che esce con cadenza annuale. Quest'anno il numero è particolarmente corto, 122 pagine, ma che comprendono un trentina di pagine di un manga inedito tradotto in italiano, quindi la parte scritta è formata da soli 3 contributi per un totale di 70 pagine. Il prezzo resta invariato rispetto agli altri anni, ma diminuiscono le pagine.
Detto ciò, i 3 interventi di tre autori differenti restano interessanti. Il primo è più generalista, li altri 2 sono incentrati su una serie animata e una mangaka.
Cristiano Martorella apre il quarto numero di Manga Academica con “Perverso e controverso: il sesso nella cultura giapponese”.
Riporto i 3 capitoli che lo compongono: Etchi: perversione e gioventù giapponese; Letteratura oscena disegni perversi; Cultura hentai, relativismo e politica sessuale.
Questo scritto spiega come in Giappone la trasgressione erotica, o “perversione” (hentai), è un simbolo di ribellione dalle coscrizioni della società. Partendo da una panoramica sulle stampe erotiche del 17esimo secolo e sulla letteratura erotica giapponese moderna. Argomentando come l'hentai sia la prosecuzione di una tradizione di cultura erotica antecedente.

Fabio Bartoli (autore di “Mangascienza” e “Vado, Tokyo e torno”) cerca di fare un po' di luce sulle tematiche di Neon Genesis Evangelion, con l'intervento dal titolo “ Neon Genesis Evangelion e la Kabbalah: dal Tempo di Dolore al Tempo Benedetto”.
Eccone i capitoli: Un vangelo per un nuovo secolo; Prologo: un codice esoterico reso tale dal suo successo; Il Second Impact e la cicatrice di Misato Katsuragi; Shinji Ikari e l'Albero della Vita; Rei Ayanami e Kaworu Nagisa: gli angeli, l'anima, il peccato e il ritorno; Epilogo: la frantumazione del cristallo e la maturità.
Per l'autore è nella sigla d'apertura che si celano le chiavi di lettura della serie, l'Albero della Vita e la dottrina cabalistica. La sua attenzione è focalizzata sull'Albero della Vita, e su come Shinji, durante l'anime, ne completa tutte le sue 10 sephirah, riuscendo così a “perfezionarsi” come essere umano.
La lettura di questa interessante spiegazione sarà facilitata sia dal ricordarsi bene la serie (visto che i rimandi a puntate o singoli eventi sono continui), che dalla conoscenza minima dell'Albero della Vita e della cabala.
Il terzo ed ultimo intervento, ad opera di Sara Romiti, riguarda la mangaka Moto Hagio, che in Italia è stata pubblicata poco, nonostante sia una delle autrici shojo più importanti: “Moto Hagio, tra fantascienza e shojo manga”.
Capitoli: La vita e l'originalità; Opere giovanili e tematiche; Le opere fantascientifiche; U wa uchusen no U, note alla traduzione, confronti e manga tradotto.
Alla fine di questo capitolo c'è il manga inedito di Moto Hagio “ U wa uchusen no U” (A sta per astronave”), con le tavole in giapponese e la traduzione dei dialoghi in calce.
Sara Romiti ripercorre la carriera della mangaka, riportando il suo racconto di quanto i genitori la avversarono, tanto che, nonostante sia divenuta famosa e ricca, questi preferiscano considerarla come un'insegnante di arte piuttosto che una mangaka. Moto Hagio (assieme a Keiko Takemiya) è considerata la pioniera dello shojo fantascientifico e dello shonen ai. Vengono illustrate ed analizzate le opere (riportando nome e trama dei manga) della mangaka e le tematiche da essa affrontate (il rapporto madre/figlia, il diverso, l'ambiguità sessuale, la fantascienza, etc).
L'ultima parte serve come introduzione e spiegazione del manga “ U wa uchusen no U” (A sta per astronave”) tradotto dalla stessa Sara Romiti, che interesserà particolarmente alle fan della mangaka.

Universo Manga, indagine sui lettori di fumetto giapponese in Italia
di Francesco Calderone, casa ed. Società Editrice La Torre, pagine 177, costo 14,50€, anno 2011, formato 20 cm X 15 cm

Il libro si può dividere in quattro parti. Nel primo capitolo si spiega la metodologia della ricerca, il campione scelto. Il secondo capitolo illustra brevemente il manga, generi e target, raccontando come arrivò in Italia. I capitoli dal terzo al settimo entrano nel dettaglio dell'analisi. Il capitolo otto più le “Conclusioni” tirano le somme dello studio.
L'unica pecca del libro è la sua brevità, mi chiedo se dovuta all'esigua quantità di dati che l'autore ha analizzato o proprio perchè c'è poco da dire sul tema manga e i suoi lettori.
1 La ricerca: 1.1 Tema della ricerca e ipotesi di partenza; 1.2 Storia e disegno della ricerca; 1.3 Il campione: caratteristiche sociali.
L'indagine si è svolta sia tramite questionari sui forum, che tramite interviste dal vivo, le ultime in misura molto minore rispetto ai primi. Le domande vertevano (che riporto in fondo alla recensione), ovviamente, sui manga, ma anche su questioni correlate. La platea dell'indagine è quella dei lettori di manga dai 17 anni ai 35 anni. Una prima parte dello studio è avvenuta nel 2006 (150 interviste/questionari), la seconda parte nel 2010 (80 interviste/questionari). A pagina 25 l'autore riporta l'elenco dei forum su cui venne postato il questionario.
2 I manga:
2.1 Cenni storici; 2.2 I generi; 2.3 I manga in Italia; 2.4 I fumetti in Italia.
Da questo punto iniziano i capitoli (dal terzo al settimo) che entrano nel dettaglio dello studio di Francesco Calderone. Non è possibile riportare molte interessanti considerazioni dell'autore, in quanto, essendo uno studio basato su dati, molte di queste valutazioni sono collegate sia alle tabelle che riepilogano i dati/risposte che ai testi delle risposte degli intervistati. Non potendo riportare tutto è difficile contestualizzare le singole valutazioni.
3 Il consumo di manga
3.1 Il primo approccio ai manga: come e quando
Il capitolo inizia con quella che ritengo una inesattezza o refuso, che non stravolge il senso dello studio, però penso sia da far notare.
A pagina 51 una lettrice di manga 26enne afferma di essere cresciuta a “pane e Mazinga Z”. Ora, anche ipotizzando che faccia parte del campione del 2006 (perché se fosse di quello del 2010 la cosa sarebbe ancora più anomala), questo vorrebbe dire che era nata nel 1980, Mazinga Z fu trasmesso per la prima ed unica (per quello che so io) su Rai 1 proprio nel 1980, senza essere neppure concluso. Ciò implica che la ragazza non può essere nata a “pane e Mazinga Z”, perché non lo ha mai visto. Forse avrà usato il termine “Mazinga Z” nel senso più generale di “pane e cartoni animati giapponesi”, oppure avrà avuto ben più di 26 anni. Forse l'autore doveva notare questa piccola incongruenza.
Tornando al capitolo si evince che ci si avvicina ai manga dopo aver visto gli anime, anche in risposta alle serie tv non concluse o censurate.
3.2 Consumo quantitativo di manga
La quantità di manga acquistati non dipende né dall'età né dal livello d'istruzione o dai gusti personali, ma dalla disponibilità economica. Si affronta anche la questione dei manga “in prestito”.
3.3 Consumo qualitativo di manga
La scelta ricade su manga di qualità indipendentemente dal genere/tematica. Poi ci sono i lettori più fissi sul proprio mangaka preferito.
4 Significato del consumo di manga e interesse per il Giappone
Il quarto capitolo analizza l'aspetto “Cosa ti piace nei manga che leggi?”.
4.1 Cosa piace nei manga
Le risposte sono divisibili in tre categorie. C'è chi predilige il disegno, la storia e la trama. Chi preferisce le emozioni e le riflessioni suscitate dal manga e la triade intrattenimento-evasione-identificazione. Infine il gruppo minoritario che si appassiona alla struttura del manga (storie che non sono eterne).
4.2 L'interesse per il Giappone e la sua cultura.
Qui le risposte esposte in tabella sono molto numerose, difficile riportarle per sommi capi.
5 Consumi integrativi, consumi concorrenti e ruolo della lettura
Nel quinto capitolo si affrontano i “consumi” di altri “prodotti” inerenti il mondo giapponese e/o di altro genere.
5.1 Anime, musiche e gadget
Semplificando di molto gli anime vanno di pari passo con la lettura dei manga, le OST sono ascoltate da un numero inferiore di fan, i gadget sono acquistati da una ulteriore minoranza. Ma le tabelle sono più chiare di quanto ho scritto io.
5.2 Altri fumetti
Una buona parte di lettori di manga non va oltre, per motivazioni diverse (spiegate nel libro), al fumetto giapponese, ma c'è una fetta cospicua che legge fumetti europei o americani.
5.3 La lettura
Mediamente il lettore di manga è anche un buon lettore di libri. Il capitolo analizza, comunque, tutte le varianti di lettori di libri, dai non lettori ai lettori assidui o forti.
6 Tempo libero, internet e amici
Nel sesto capitolo si cerca di capire quanto la passione per i manga sia coinvolgente, analizzando gli interessi nel tempo libero, ma anche il rapporto con gli amici in relazione alla lettura di manga, la partecipazione a fiere del fumetto o al cosplay, la vita virtuale sul web.
6.1 Attività svolte nel tempo libero
Sempre semplificando di molto il tempo libro è impegnato con il web, la lettura di libri, il disegno, i videogiochi, poca tv e poco sport attivo.
6.2 Gli amici e i manga
Si analizzano le risposte alla domanda “In che misura, se lo è, questo interesse è un collante per le tue amicizia?”.
6.3 La partecipazione a manifestazioni sul fumetto e il cosplay
La partecipazione alle fiere del fumetto è massiccia, e dove non è effettuata è solo per problemi di lontananza con le fiere. Mentre il cosplay è praticato da una minoranza, anche se ben visto da tutti i lettori di manga.
6.4 Ruolo di internet e comunità virtuali
Determinante il ruolo del web, sia per trovare informazioni, che per creare nuove amicizie, che da virtuali divengono reali.
7 La considerazione dei manga nella propria rete sociale e in Italia
Nel settimo capitolo si valuta l'interesse nei manga in relazione al rapporto con amici e parenti, cioè se la propria passione crea o meno frizioni con questi.
7.1 La considerazione dei manga da parte degli amici
Difficile riportare le considerazioni, che sono legate alle tabelle
7.2 La considerazione dei manga da parte dei genitori
Difficile riportare le considerazioni, che sono legate alle tabelle
7.3 La considerazione dei manga in Italia secondo gli appassionati
In questa parte sono gli stessi intervistati che si esprimono su come sono considerati i manga in Italia, ed è una considerazione negativa. Il manga è visto come una cosa per bambini o per pervertiti sessuali. Come sempre il tutto va letto integrando le valutazioni dell'autore alle tabelle e ai testi delle interviste. Il pregiudizio verso i manga (e gli anime) è ancora forte, e l'ignoranza regna spesso sovrana, specialmente in chi dovrebbe informare.
E a questo punto mi lancio in una considerazione personale su quanto sarebbe importante che gli appassionati comprassero (e quindi leggessero) saggistica su manga e anime (ma anche sul Giappone in generale). Perché, per emanciparci dall'etichetta “leggono ancora i fumetti” e “guardano ancora i cartoni animati”, bisogna che si sviluppi una critica basata sulla saggistica e sull'analisi di manga ed anime. Generando un'attenzione verso la nostra passione da parte dei non appassionati, che alla fine ci giudicano e magari decidono cosa farci vedere e cosa censurare. Oltre a meglio informarci noi stessi, in modo da avere degli strumenti (come questo libro e tanti altri) per argomentare la nostra opposizione agli stereotipi su manga ed anime.
8 Una tipologia di lettori manga:
Nell'ottavo capitolo, sulla base delle considerazioni svolte fino ad ora, l'autore stila tre tipologie di lettori di manga, spiegando le loro caratteristiche e le differenze esistenti tra di loro.
8.1 I moderati
8.2 Gli appassionati
8.3 I coinvolti
Conclusioni
Una conclusione finale sullo studio eseguito.
Domande del questionario:
Ringrazio la casa editrice per avermi inviato, su mia richiesta, le domande poste ai lettori di manga, evitandomi, così, di doverle trascrivere.
Anno di nascita
Genere/Sesso
Titolo di studio
Occupazione
Titolo di studio genitori
Occupazione genitori
Tab. 1.1 Prima versione dell’intervista sul web (2006)

1)Quanti manga acquisti mediamente in un mese? Quanti albi completi possiedi?
2)Hai un genere preferito? E un genere che non ami? Cita dei titoli che rispondono a questa distinzione.
3)C’è un manga al quale sei particolarmente affezionato? Se sì, perché?
4)Acquisti solo manga o anche altri fumetti?
5)Cosa pensi del fumetto non giapponese?
6)Oltre ai fumetti, ti capita di leggere altro? Che cosa? Con che frequenza?
7)Quando e come è nato il tuo interesse per i manga?
8)Cosa ti piace nei manga che leggi?
9)Nella tua esperienza quanto la passione dei manga si alimenta e si integra con la visione di anime, l’ascolto di ost (Original Soundtrack) e l’acquisto di gadget?
10)Tra i tuoi interessi, quale posto occupa il manga?
11)Ti è mai capitato di partecipare a eventi come fiere del fumetto o raduni di cosplay?
12)Cosa pensi del cosplay? L’hai mai praticato?
13)Che ruolo ha avuto Internet nel coltivare la tua passione? Frequenti comunità virtuali e/o reali di appassionati di manga?
14)La tua passione per i manga ha stimolato l’interesse per il Giappone e la sua cultura?
15)Come viene percepita dai tuoi genitori questa passione? E dai tuoi amici e partner?
16)Quale ritieni sia la considerazione del manga e dei suoi appassionati all’interno della nostra cultura?

Tab. 1.2: Seconda versione dell’intervista sul web (2006-2010)

Anno di nascita
Genere/Sesso
Titolo di studio
Occupazione
Titolo di studio genitori
Occupazione genitori

1)Quando e come è nato il tuo interesse per i manga? Quanti manga acquisti mediamente in un mese? Quanti albi completi possiedi? Hai un genere preferito? E un genere che non ami? Puoi citare alcuni titoli che rispondono a questa distinzione? C’è un manga al quale sei particolarmente affezionato? Se sì, perché?
2)Cosa ti piace nei manga che leggi? La tua passione per i manga ha stimolato l’interesse per il Giappone e la sua cultura?
3)Che cosa fai nel tempo libero oltre a leggere i manga? Quali sono gli interessi che ti coinvolgono maggiormente e ai quali ti dedichi con più assiduità?
4)Acquisti solo manga o anche altri fumetti?
5)Cosa pensi del fumetto non giapponese?
6)Oltre ai fumetti, ti capita di leggere altro? Che cosa? Con che frequenza?
7)Nella tua esperienza quanto la passione dei manga si alimenta e si integra con la visione di anime, l’ascolto di ost (Original Soundtrack) e l’acquisto di gadget? (non deve trattarsi necessariamente di acquisti, ma anche di una fruizione tramite Internet e/o prestiti di amici)
8)Che ruolo ha avuto Internet nel coltivare la tua passione? Frequenti comunità virtuali e/o comunità reali di appassionati di manga?

9)Ti è mai capitato di partecipare a eventi come fiere del fumetto o raduni di cosplay? Cosa pensi del cosplay? L’hai mai praticato?
10)Come viene percepita dai tuoi genitori questa passione? E dai tuoi amici e partner?
11)In che misura, se lo è, questo interesse è un collante per le tue amicizie?
12)Quale ritieni sia la considerazione del manga e dei suoi appassionati all’interno della nostra cultura?

Nuove ere e nuove genesi, storia della fantascienza giapponese
di Francesco Rossi, casa ed. Edizioni Il Foglio, pagine 316, costo 18 €, anno 2011, formato 19 cm X 13 cm

Questo saggio sulla storia della fantascienza (sci-fi) negli anime e manga nipponici nasce dalla tesi di laurea dell'autore. E' diviso in 18 capitoli, ognuno dei quali tratta una serie o un autore oppure una casa di produzione con tematiche sci-fi.
Ogni capitolo prevede l'elenco delle opere di fantascienza del mangaka/autore e la trama in breve di queste opere, segue un commento più o meno breve.
Se il capitolo è incentrato solo una serie specifica ci sarà la trama e il commento.
Se il soggetto del capitolo è una casa di produzione saranno elencate le serie di sci-fi con le trame e un breve commento.
La validità di questo libro è direttamente proporzionale al livello di conoscenza del lettore, se questi sarà mediamente informato sulle serie prese in esame dal libro non otterrà molte informazioni in più.
Tra l'altro alcune trame (le serie della Tatsunok, Daitarn 3, Zambot 3) mancano di aspetti importanti, risultando, a mio avviso, incomplete e non rendendo la totalità del loro valore contenutistico.
Questa tipologia di saggio trovo che avesse più senso qualche anno fa, prima del diluvio editoriale di saggi, dizionari e monografie su anime, manga e loro autori.
Leggendo il libro mi son ritrovato a pensare che lo avrei potuto scrivere anch'io, ma, a questo punto, forse, devo fare un po' di autocritica: se il libro è troppo complesso lo critico per la sua difficoltà, se è troppo semplice lo critico per la sua banalità.
Il libro non ha nulla di sbagliato, ma si limita in gran parte a riportare trame e dati di produzione, riservando uno spazio minoritario all'analisi delle serie.
Personalmente ho apprezzato i capitoli 15 (GUNNM: sogni della discarica) e 17 (Evangelion: la nuova genesi).

I: Tezuka Osamu, il dio del manga
II: Yokoyama Mitsuteru: la nascita dei robot giganti
III: L'arrivo dei cyborg: Eightman e Cyborg 009
IV: Nagai Go: L'era dei super robot
V: Matsumoto Leiji: L'epico e romantico mare delle stelle
VI: Tatsunoko Pro: Supereroi e macchine del tempo
VII: Sunrise: l'alba di una nuova era
VIII: Gundm e la nuova era dell'animazione
IX: Macross: ricordi d'amore
X: Dallos: il primo OAV
XI: Otomo Katsuhiro e il cyberpunk
XII: Shirow Masamune: erotismo e cyberspazio
XIII: Fantascienza al femminile
XIV: Patlabor: un poliziotto robotico
XV: GUNNM: sogni della discarica
XVI: Arms: carne e acciaio
XVII: Evangelion: la nuova genesi
XVIII: altre opere (Yukinobu Hoshino, Venus Mars; Five Stars Stories; Guyver; Nihei Tsutomi; Planetes e Moonlight Mile; Eden; Urasawa Naoki)

Generazione Goldrake, l'animazione giapponese e le culture giovanili degli anni ottanta
di Marco Teti, casa ed. Mimesis, pagine 221 costo 18 €, anno 2011, formato 21 cm X 14 cm

Il libro analizza l'impatto degli anime negli anni 80 dal punto di vista sociologico, contenutistico, semantico, con una metodologia di stampo socio-semiotico (riporto dalla prefazione).
Nonostante questa premessa un po' preoccupante, anche vista la difficoltà del precedente libro di Marco Teti (“Lo specchio dell'Anime”), il libro è interessante e quasi sempre leggibile, anche se alcune tematiche sono già state trattate, ormai, numerose volte in questi anni in altri saggi sull'animazione.
Il saggio contiene una quantità molto alta di citazioni di altri studiosi italiani e stranieri, si compra un libro e si leggono più saggi, talvolta si passa da un brano citato ad un altro brano citato con una sola riga dell'autore. Una nota di merito per avere tradotto in italiano i brani riportati da autori stranieri, il cui testo originale è messo solo come nota a piè di pagina, pare una banalità ma non lo è.
Mi son permesso di evidenziare due imprecisione collaterali dell'autore, che, però, si sarebbero potuti tranquillamente evitare.
Il primo capitolo fa una iniziale panoramica generale sull'animazione nipponica degli anni 60 e 70. Si passa ad illustrare le opere del pioniere dell'animazione seriale, Osamu Tezuka. Spiegando come creò un nuovo genere/prodotto, e analizzando sia i messaggi della sua animazione che le tecniche registiche innovative. Tezuka aveva già rivoluzionato il mondo dei manga, creando il “manga moderno”. L'autore passa a raccontare l'invasione italiana dei cartoni animati giapponesi, partendo, ovviamente, da Goldrake. Qui riscontro una imprecisione, sulla trasmissione di Goldrake si dice che iniziò nel 1978 (giusto) e terminò del 1982 (pag 43), ma, in realtà, fini nel 1979. Forse l'autore ha considerato eventuali repliche, di cui io non sono a conoscenza e che, mi pare, non ci siano.
Continuando la spiegazione sulle dinamiche del “first impact” l'autore incappa in un altro errore (non importante, ma tant'è...), Heidi non fu trasmesso sulla Rete 2 della Rai, ma sulla Rete 1, addirittura prima del TG1!
Sono riportate anche le famigerate polemiche dei tempi sui contenuti diseducativi degli anime.
L'ultima parte del capitolo riguarda la produzione di anime negli anni 80 per il mercato giapponese.
Il secondo capitolo si sofferma sulle tematiche espresse negli anime degli anni 80. Queste tematiche sono collegate alla storia e alla società del periodo.
La prima tematica individuata dall'autore è il “conflitto identitario”, che “consiste nella definizione dell'identità dei protagonisti nelle vicende raccontate” (riportato dal libro). L'animazione giapponese inscena in forma metaforica il confronto/scontro tra gli adolescenti vs gli adulti. Inoltre permettono agli adolescenti di dare sfogo alle loro fantasie di potere, facendoli immedesimare in piloti di robot che conquistano super poteri.
Altri 2 temi sono l'amore e l'erotismo. Alla fine degli anni 70 iniziò ad affermarsi sempre più la cultura shojo, ciò modificò anche i gusti dei ragazzi, che iniziarono a leggere e vedere prodotti dedicati alle adolescenti. Si creò, quindi, un certo ibridismo sessuale, tramite cui prese piede un ideale maschile concepito dalle ragazze: il “bishonen”, figura contraddistinta da una forte ambiguità sessuale, un esempio ne sono “I cavalieri dello zodiaco”.
Ed è in questo periodo, infatti, che nasce il filone della “love commedy”, come Touch e Kimagure Orange Road, che l'autore tratta lungamente. Nella “love commedy” l'amore (in ambientazioni prettamente scolastiche) adolescenziale e l'erotismo hanno una parte preponderante nella trama. L'erotismo è un contenuto base di molte produzioni animate del periodo, mischiato ai generi più disparati, come “Occhi di gatto”, anch'esso analizzato dall'autore.
Il carattere poco deciso e subordinato alle ragazze/donne dei personaggi maschili di questi anime è la trasposizione dell'uomo giapponese del periodo, il salaryman.
Le ultime tematiche analizzate sono la violenza e la morte. Il sesso e la violenza sono i 2 argomenti che permettono di vendere di più in tutto il mondo un prodotto multimediale. Analizzando brevemente Dragonball l'autore spiega che, comunque, la violenza e la morte non sono fini a se stessi, la violenza è esorcizzata, rendendola ridicola e grottesca.
La morte, indipendentemente da come è trattata, è un argomento inusuale per dei cartoni animati, il fatto che si introduca la tematica è un fatto importante per l'adolescente, ed è un tema trattato solo dagli anime.
Il terzo capitolo è incentrato sulle figure ricorrenti negli anime.
La prima è quella dell'adolescente. Negli anni 80 gli adolescenti di entrambi i sessi sono il pubblico privilegiato di anime e manga, quindi le produzioni usano personaggi coetanei per far identificare al massimo il giovane pubblico di consumatori. Il processo di immedesimazione del pubblico adolescenziale coi personaggi è dato anche dall'ambientazione, dalle tematiche e dal filone narrativo (genere). Seguono le analisi di numerosi anime di carattere sportivo.
I personaggi degli anime sono un ponte tra chi porge il racconto (il narratore) e chi lo riceve, quindi i personaggi diventano uno strumento per intavolare una “conversazione audiovisiva”.
Un'altra figura ricorrente è il robot. I personaggi robotici hanno le loro radici fin dalla modernizzazione forzata dell'era Meiji, che creò l'aura di santificazione in tutto ciò che era tecnologico. I robot degli anni 80 perdono alcune caratteristiche di mitizzazione ed enfasi degli anni 70, diventando più realistici e iniziando a contaminarsi col cyberpunk. Il pilota non è più il super eroe invincibile degli anni 70, ma un semplice militare/pilota/lavoratore, che ha anche una vita privata.
L'idol (aidoru) è un'altra delle figure più comuni degli anime degli anni 80 giapponesi. L'idol non è una creatura di manga e anime, ma una figura dello spettacolo di massa, ella dovrebbe essere giovane, dotata di talento canoro, avere un atteggiamento infantile ed essere innocente. Questo personaggio ha ispirato molteplici serie animate, vedendola protagonista di vari generi. L'autore prosegue analizzando le figure di Lynn Minmay in Macross e Creamy.
Il quarto capitolo prende in esame le “peculiarità estetiche” degli anime.
La prima parte di questo capitolo verte sulle relazioni tra l'anime e il manga sul piano espressivo.
Il codice espressivo (disegno, trama, caratterizzazione dei personaggi, tematiche, tempi, inquadrature, dissolvenze, primi piani etc etc) degli anime negli anni 80 è influenzato dalle versioni manga che li precedono, puntando sulla regia e il montaggio, più che sulla fluidità del disegno, a causa di budget
economici scarsi.
“Il genere sessuale e quello narrativo” è l'argomento della seconda parte del capitolo.
Il procrastinarsi dell'adolescenza, nel senso di non assumersi le responsabilità che la società ti affida in base all'età, nella società giapponese è rispecchiato nell'affievolirsi del confine tra generi rivolti a maschi e femmine in manga e anime. Nasce un nuovo genere di manga e anime che attirano sia ragazzi che ragazze. In particolare il tratto dei personaggi si modifica, gli arti si allungano, le figure diventano longilinee, mantenendo, però, i nasi stilizzati, seni e fianchi poco sviluppati (per i personaggi femminili), corpi poco muscolosi (per i personaggi maschili), quindi delle figure androgine. Segue un'analisi sui manga con tematiche omosessuali per ragazzi/giovani donne, e una valutazione sulla rigida divisone tra uomini e donne dei ruoli nella società giapponese.
Nella terza parte di questo capitolo si analizzano i “significati di ordine linguistico e significati di ordine emotivo”.
L'autore concentra l'attenzione sugli “enormi occhi” dei personaggi in manga ed anime. La tematica è stata spesso affrontata, nonostante ciò l'argomento è sviscerato da nuove angolazioni e con una lunga discettazione. In pratica l'autore va oltre il concetto che gli “occhioni” servono a rendere meglio le emozioni dei personaggi. Inoltre, in collegamento sempre agli “occhioni”, fa un raffronto interessante tra la produzione animata della Disney e quella giapponese.
Nella quarta è ultima parte di questo quarto capitolo si continua l'analisi degli “occhioni”, valutando altri aspetti. Come il concetto nipponico di “amae” (“pulsione alla dipendenza”), che per l'autore è espresso visivamente tramite questi “occhi enormi”, che esprimono il bisogno di conforto degli adolescenti (ma non solo) nipponici. Questo aspetto è ravvisabile anche in altre caratteristiche dei personaggi, come la loro goffaggine adolescenziale, lo stile del disegno, i personaggi kawaii.
Nel quinto capitolo viene effettuata un'analisi testuale di 4 serie degli anni 80, scelte e analizzate con i criteri fin qui letti.
Le 4 serie sono: “Lady Georgie”, “Punta al top! GunBusters”; “Ken il guerriero”; “Kiss me Licia”.
Nonostante io non abbia mai seguito nessuna di queste serie (tranne alcune puntate a caso di “Ken il guerriero”) ho trovato molto interessante l'approfondimento.

Mangascienza, messaggi filosofici ed ecologici nell'animazione fantascientifica per ragazzi
di Fabio Bortoli, casa ed. Tunuè, pagine 247 costo 16,5 €, anno 2011, formato 19 cm X 14 cm

Inizierò subito con una pecca del libro: la grandezza dei caratteri di scrittura.
Il libro è scritto in caratteri non tropo grandi, ma le schede in appendice e le trame degli anime sono ancora più piccoli. Senza contare che le numerose note a piè di pagina sono scritte in microscopichese... L'editore non poteva mettere 30 pagine in più aumentando un poco la grandezza dei caratteri di scrittura ?
Un libro va letto, e per essere letto devi poter vedere le parole.
Penso che chiederò alla Tunuè il risarcimento biologico per la perdita di un paio di diottrie...

Riporto le prime righe dell'introduzione per lasciare la spiegazione del saggio al suo autore:
“Il mito greco, la scienza moderna e il prodotto culturale nipponico sono i nuclei tematici intorno ai quali si sviluppa questo libro, che si propone di portare alla luce le analogie presenti nei tre diversi ambiti riguardo la concezione dell'essere umano e il suo posto nel mondo.”

A differenza del titolo (Mangascienza) saranno presi in esame gli anime, piuttosto che i manga, infatti sono analizzate 50 serie animate (dal 1963 al 2003) trasmesse in Italia.
Il concetto base intorno al quale ruota questo saggio è quello di “iperestensione culturale”, ne riporto una breve spiegazione, sempre dal libro:
“Partendo dalla cognizione secondo la quale l'uomo è natura e cultura, David P. Barash se ne serve per sottolineare come il rapporto sia oggi totalmente sbilanciato a favore della seconda, all'inizio sviluppatasi conformemente alla capacità di disporne insita nel nostro retaggio biologico per poi decollare sempre più fino a sfuggire (forse) definitivamente al nostro controllo. E' necessario operare una distinzione importante: in questo caso è da intendersi come <<cultura”>> non la nostra capacità di dare un significato al mondo e di organizzare di conseguenza la nostra vita, ma quella di <<produrre le nostre estensioni corporee e sensoriali>>”.
Il libro è diviso in 4 capitoli più un'appendice. Nei 4 capitoli è affrontata, sotto vari aspetti, l'iperestensione culturale in connessione con l'uomo, l'ecologia e l'ambiente.
Questi 4 capitoli preparano il terreno per l'appendice, in pratica vogliono dare gli strumenti al lettore per capire/vedere qualcosa di più dell'ovvio nelle serie animate prese in considerazione.
Nell'appendice ci sono le schede di 50 anime scelti dall'autore in rapporto con la tematica del libro.
Premetto che, essendo io a digiuno di filosofia ho fatto fatica ad afferrare tutti i concetti espressi dall'autore, lettori con un back ground più adatto ne trarranno maggiori informazioni., quindi del primo capitolo, anche se ne ho capito il senso generale, eviterò di darne conto come faccio abitualmente.
In questa occasione ho messo tutti i titoli dei capitoli e dei paragrafi, per rendere meglio (oltre le mie capacità di sintesi) il contenuto del saggio.

1 Iperestensione culturale. Itinerario storico, filosofico, antropologico
1.1 Prologo: Epimeteo, Prometeo e la doppia paternità

1.2 Il cosmo greco e l'equilibrio tra il principio libertà e il principio necessità

1.3 Primo intermezzo: la marcia di Alessandro, le strade di Roma e le vie del Signore

1.4 L'ordine cosmico medievale e la prevalenza del principio necessità

1.5 Secondo intermezzo: le navi di Colombo, la Bibbia di Gutenberg, le 42 mosse del principe Maurizio e il cannocchiale di Galileo

1.6 Rivoluzione e astrazioni: la definitiva affermazione del principio libertà

1.7 Terzo intermezzo: dal Dottor Frankenstein a Los Alamos, Prometeo si sostituisce a Epimeteo e Zeus

1.8 Atena in bilico tra asservimento e redenzione

1.9 Epilogo: Deucalione, Pirra e il recupero della nostra maternità

2 Effetti dell'iperestensione culturale. Il Giappone quale osservatorio privilegiato

2.1 Dalle navi di Colombo a quelle di Perry: Prometeo bussa alle porte dello shogun
Viene ripercorsa la storia del Giappone conosciuto dagli europei, quindi da Marco Polo all'ammiraglio Perry, passando dai missionari cattolici espulsi in era Tokugawa

2.2 Wakon yosai: il tramonto del Sol Levante
Un breve riassunto storico della modernizzazione forzata dell'era Meiji, il cui principio più importante fu il “wakon yosai” (“anima giapponese-tecnica occidentale), che porto il Giappone ad un disallineamento, rispetto all'Europa, tra cultura (Atna) e tecnica (Efesto). Della modernizzazione occidentale il Giappone non aveva implementato “l'umanità”, che l'Europa aveva elaborato in secoli di cultura. In un certo senso i giapponesi erano rimasti fedeli allo Zeus ormai abbandonato dagli europei, che veneravano Prometeo (tecnica+cultura), e furono gli americani, campioni di Prometeo, a sconfiggere lo Zeus nipponico.

2.3 L'imperatore apre la porta a Prometeo
Fu la bomba atomica del Prometeo statunitense a sconfiggere lo Zeus nipponico, ma questi accolse il vittorioso aprendogli il paese e convertendosi quasi in toto alla nuova religione tecnologica.

3 Immaginario dell'iperestensione culturale. La fantascienza nell'animazione giapponese

3.1 Sulle tracce di Prometeo: il paradigma indiziario
L'animazione nipponica deve essere capita tramite il “paradigma indiziario”, cioè la comprensione di tutte le speranze e le inquietudini della società in cui è nata l'opera (serie animate) che si sta analizzando. Specialmente quando gli autori di manga e anime tengono ben in conto i gusti del pubblico, inserendo o eliminando contenuti in base ai loro suggerimenti. Per esempio ne “Il Grande Mazinga” lo Junior Robot fu disegnato dai fan che partecipavano ad un concorso. In Yattaman erano le macchine dei cattivi ad essere suggerite dal pubblico.

3.2 Giappone post bellico ed industria culturale
Nel 1963 in Giappone fu trasmesso Astroboy, questo anime rispondeva alla richiesta del giovane pubblico di avere un supereroe tecnologico. La fantascienza diviene il simbolo dei timori anche inconsci del tempo. Il progresso tecnologico contiene in se la possibilità di distruzione del pianeta, per impedire ciò sono necessari antidoti culturali, anime e manga svolgono questa funzione di ammonimento. Nel capitolo sono, a questo punto, analizzate alcune serie e puntate singole per rendere meglio il concetto.

3.3 Spie del conflitto: Prometeo vs Gea; Prometeo vs Mnemosine; Prometeo vs Epimeteo
Nella terza parte di questo capitolo si analizzano i conflitti portati alla ribalta dall'animazione fantascientifica nipponica. Capitolo molto bello, difficile da rendere in poche righe, mi limiterò a riportare i titolo dei sotto paragrafi più un breve accenno.
Ogni “conflitto è spiegato tramite l'analisi di serie , singoli puntate o parti di esse.

Prometeo (tecnica/uomo) vs Gea (natura):
La Terra, un pianeta da difendere, una casa da amare;

I figli di Yukawa (Hideki Yukawa, scienziato premio nobel per la fisica che firmò il manifesto Einstein-Russell contro l'atomica. Quindi si spiega la dinamica dei cartoni con gli scienziati buoni vs gli scienziati cattivi, oppure gli scienziati che da cattivi diventano buoni);

Le figure femminili simbolo di Gea (le figure femminili come redentrici);

Bambini tra rinnovamento e salvaguardia.

Prometeo (tecnica) vs Mnemosine (ritorno alle radici del passato):
Una nazione orfana della vita e nello spirito (valenza narrativa dei bambini e degli orfani);

Il valore del sacrificio, dall'imposizione di sé al dono universale (Il sacrificio della vita, come Kenzo Kabuto, il Dottor Shiba, Zambot 3);

La ridefinizione di un'identità meticcia dal riformatorio all'altare (il meticciato come Jun Hono e Sam il ragazzo del west);

Go Nagai, tra inferi e cielo la nuova storia del Giappone (da Nagai in poi i nemici attaccano sempre il Giappone, nemici che vogliono essere gli occidentali o il passato militarista nipponico, mai il Giappone attuale, che è vittima degli attacchi);

Leiji Matsumoto, da Doppler a Kirita, la nova alleanza tra Atena ed Efesto (l'oblio della memoria storia, come la corazzata Yamato che da simbolo del militarismo imperiale fascista diviene simbolo di pace e amore);

Nippon Sunrise, la nuova alba del Giappone;

Neon Genesis Evangelion, moratoria ningen, shinjinrui, otaku e hikikomori (sul significato del termine “hikikomori” c'è una piccola inesattezza, non “isolamento asociale acuto” come scritto, ma “stare in disparte, isolarsi”).

Prometeo (tecnica) vs Epimeteo:
I nuovi Frankenstein da Astroboy a Project Arms (il potenziamento del copro per volontà altrui);

I super eroei Tatsunolo; dal tuffo di Zoltar al volo di Polymar (il potenziamento del copro per un fine superiore);

Meganoidi, Zentradi e uomini meccanici, l'estrema fase dell'evoluzione volontaria (il potenziamento volontario del copro);

Ciò che resta della natura umana (i sentimenti umani dei super eroi non più umani).

4 I segnavia di Prometeo
4.1 Il robot/tecnica e il pilota/Giappone
Il rapporto robot (tecnica)/pilota (Giappone) come metafora dei cambiamenti della società post industriale degli anni 70 in poi.

4.2 Addio, tetsu; benvenuto, kawaii
Per 20 anni i robot si rifacevano alla forza del “tetsu” (ferro), intesa sia come tecnologia gigantesca che come serie di ideali da perseguire. Ideali che si rifacevano ad una società incentrata sulla produzione di beni.
Negli anni 80 irrompe il “kawaii” (carino), che è l'apoteosi dell'estetica infantile, frutto di una società in cui il consumo di beni, invece della loro produzione, è divenuto centrale.

4.3 Il presente, il futuro e il ritorno
Riporto dal libro: “Una fondamentale peculiarità della fantascienza è la proiezione dei problemi attuali in una dimensione futura nella quale essi possano trovare una immediata soluzione simbolica come cura per i mali presenti”. Ciò valse fino alla fine degli anni 80. Dagli anni 90 le serie riducono il lasso temporale con l'attualità, a causa di una perdita di timore verso un olocausto nucleare per la fine della guerra fredda.

4.4 I semi degli anime e il futuro di Gea
Il rispetto del pianeta può passare anche attraverso i messaggi di un anime, che un bambino guarda senza capire, ma che quando sarà adulto si spera abbiano fatto germogliare i loro frutti ecologisti.

Iniziano, quindi, le 50 schede di anime, analizzati in base alle tematiche spiegate fino ad ora. Una lunga premessa che permette al lettore di trovare nuovi messaggi mai pensati o solo intravisti, in quei vecchi cartoni animati giapponesi, che tanti benpensanti misero all'indice.
Ogni scheda contiene un breve riassunto della trama.

Appendice:
Natura, cultura, tecnologia, ecologia in 50 serie animate giapponesi di fantascienza
1 Astroboy
2 Super Robot 28
3 Kimba, il leone bianco
4 Fantaman
5 Superauto Mach 5 Go Go Go
6 Cyborg, i 9 supermagnifici
7 Astroganga
8 Gatchaman/ La battaglia dei pianeti
9 Mazinga Z
10 Il grande Mazinga
11 Babil Junior
12 Doraemon
13 Kyashan, il ragazzo androide
14 Hurricane Polymar
15 Stra Blazers
16 Tekkaman
17 Atlas Ufo Robot
18 Jeeg Robot Uomo d'Acciaio
19 La macchina del tempo
20Yattaman
21 I predatori del tempo
22 UFI Diapolon
23 Ken Falco, il superbolide
24Grand Prix e il campionissimo
25 Astrorobot contatto Y
26 Zambot 3
27 Danguard
28 Supercar Gattiger
29 Conan, il ragazzo del futuro
30 Capitan Futuro
31 Capitan Harlock
32 Galaxy Express 999
33 Starzinger
34 Daitarn 3
35 Gundam
36 Daltanious
37 Baldios
38 Trider G7
39 Il Dottor Slump e Arale
40 Macross
41 Nanà Supergilr
42 Ken il guerriero
43 Juny Peperoncina inventatutto
44 Patlabor
45 Neon Genesis Evangelion
46 I cieli di Escaflowne
47 Cowboy Bebop
48 Projet Arms
49 Full Metall Panic!
50 Last Exile

Lo specchio dell'anime, l'animazione giapponese di serie e il suo spettatore
di Marco Teti, casa ed. Clueb, pagine 75 costo 10 €, anno 2009, formato 24 cm X 17 cm

Queste sono 71 pagine difficili da leggersi, “difficili” nel senso di complicate, complesse, astruse, non solo per le singole parole, ma per i concetti espressi. Non è una critica, non è responsabilità dell'autore se io lettore non ho gli strumenti culturali per capire queste 71 pagine (magari una 30ntina le ho capite, non di più). Mi limito ad avvertire tutti gli altri potenziali lettori nelle mie stesse condizioni culturali.
L'autore cerca di esplorare un aspetto poco indagato degli anime: il linguaggio del prodotto animato in relazione con le modalità con cui questo comunica con lo spettatore di riferimento, cioè il target.
Per analizzare questo aspetto degli anime l'autore ha scelto la serie “3X3 Occhi” (tra l'altro una serie uscita, mi pare in OAV, e non in tv, ne italiana ne giapponese), e su questa effettuerà le sue valutazioni.
Nel primo capitolo sono date alcune informazioni sugli OAV di “£X3 Occhi” e del manga, segue sinossi della serie.
Il secondo capitolo, intitolato “Per un orientamento metodologico”, analizza la struttura della serie, con una terminologia prettamente tecnica da critica cinematografica, semiotica, critica letteraria, psicanalisi ed antropologia (ho riportato i campi di analisi scritti nell'introduzione).
Il fatto è di certo corretto dal punto di vista dell'analisi, ma rende la lettura abbastanza oscura per un normale lettore (come me).
Le poche cose che ho capito di questo capitolo le sapevo già, di tutto il resto che non ho capito non commenterò nulla, ovviamente.
Il terzo capitolo si occupa di come gli anime (cioè le case di produzione) selezionano il target di telespettatori. L'autore individua negli adolescenti il target preferito dall'animazione nipponica. Inizia, quindi, a spiegare quale sia il rapporto tra l'anime e l'adolescente.
Le case di produzione nipponiche riescono ad instaurare un rapporto intimo e confidenziale con l'adolescente (maschio o femmina che sia). Intanto i protagonisti dell'anime sono più o meno coetanei dello spettatore, questo genera già una comunanza di sentimenti e vissuto.
L'animazione nipponica riesce a crearsi un prototipo dello spettatore modello, e lavora sul prodotto (l'anime) affinché i gusti di questo modello siano i più vicini possibile allo spettatore adolescente reale.
Un anime è un testo che contiene un messaggio, il contenuto di questo messaggio vede preponderante la componente emotiva rispetto a quella cognitiva. L'anime va visto col cuore, più che con la mente.
Un anime non è intrattenimento puro, ma la rappresentazione del mondo, questo permette di stabilire il rapporto intimo e confidenziale con lo spettatore.
Uno degli aspetti che stimolano di più lo spettatore sono le scene erotiche o gli ammiccanti. In queste scene le pulsioni sessuali sublimate (cioè deviate verso una nuova meta non sessuale e socialmente valorizzata, come il combattimento per salvare il mondo) sono una delle caratteristiche maggiori degli anime indirizzati agli adolescenti.
Non è solo l'età dei protagonisti a far identificare lo spettatore nell'anime visionato, ma anche la psicologia dei personaggi, le pulsioni, i tempi e i ritmi della narrazione (convulsi). Lo spettatore vi si specchia e ritrova le proprie paure, ansie, dubbi, il suo sentire.
Il “genere” di un anime è già la scelta di un messaggio, l'instaurarsi di un dialogo con l'adolescente, il fantasy o lo shojo attirano il/la giovane, specialmente se questi generi sono contaminati dall'horror.
Il quarto e ultimo capitolo cerca di lanciare un ponte tra oriente e occidente tramite le fiabe i i miti occidentali, che condividono con gli anime la struttura narrante.
Il resto del capitolo eviterò di commentarlo per non ne ho capito molto (vedi spiegazione ad inizio recensione).

Anime e manga, alla scoperta del fumetto e dell'animazione giapponese
di Francesco Calderone, cada ed. Caravaggio Editore, pagine 362, costo 18 €, anno 2010, formato 21 cm X 15 cm

Questo libro è fondamentalmente un index, non onnicomprensivo, ma selettivo. L'autore ha individuato un certo numero di titoli di anime e manga che hanno avuto un buon successo, oltre ad un valore autoriale. Per ognuno di questi ha stilato una scheda informativa, comprensiva dei dati base, di un breve riassunto della trama, di una breve analisi dei contenuti dell'opera. Nei dati informativi base sono riportati il genere (sia la classificazione italiana che la più classica giapponese), le informazioni sul manga (autore, edizione giapponese e italiana), le informazioni sulla serie animata (studio di produzione, regia, numero di puntate, disponibilità italiana o fansub).
Il libro si divide in due sezioni, nella prima ci sono 100 schede su altrettanti titoli (manga, anime, manga e anime, lungometraggi), nella seconda sezione ci sono 18 schede su mangaka, registi e generi d'animazione.
La lunghezza di ogni scheda può variare dalla singola pagina ad un massimo di tre (con una media di una pagina e mezzo o poco più). Come ho accennato (e come sottolinea lo stesso autore nell'introduzione) il criterio di scelta dei titoli è basato sulla loro rappresentatività del fenomeno culturale di anime e manga. Il taglio non vuole essere scientifico, si limita a dare una panoramica su anime e manga, sia ai neofiti che agli appassionati. Nella prima sezione (quella delle 100 schede) ci sono 17 titoli pre anni 80, 26 titoli anni 80 e le restanti schede vanno dagli anni 90 ad oggi. Ovviamente la scelta dei titoli è soggettiva, talvolta la presenza di alcuni titoli mi ha lasciato assai perplesso. Specialmente perché mancano, per esempio, la serie Tokyo Magnitude 8.0 (nonostante siano presenti altre serie esistenti solo in versione originale solo fansubbate) e il film Summers Wars e, invece sono presenti Hunter X Hunter o Love Hina (per non dire di La malinconia di Haruhi Suzumiya... ), però, appunto, essendo una scelta soggettiva ognuno avrebbe messo titoli differenti.
La lettura del libro mi ha permesso di scoprire titoli che altrimenti non avrei mai considerato, grazie a delle schede che stimolano l'interesse. Gli errori, che sempre ci sono in opere come queste, mi son sembrati nel limite dell'accettabile, nessuno può sapere tutto. Per esempio, nel caso che l'autore leggesse queste mie righe, nella scheda F11 sui supereroi Tatsunoko (pag 318) afferma che le sigle di Hurricane Polimar e Tekkamen furono tra le poche lasciate in lingua originale, dimenticando che anche Kyashan, sempre della Tatsunoko, fu lasciata in originale.
L'unico errore grave che ho riscontrato, sempre tenendo conto che non sono onnisciente, riguarda la scheda su Satoshi Kon, forse un errore dovuto ad una prima stesura più vecchia. Alla fine di questa scheda, in cui non si menziona mai la morte del regista, c'è scritto:
“A breve si attende l'uscita del suo prossimo film intitolato Yume Miru Kikai (The dream machine), prevista per il 2010”.
Considerando che Satoshi Kon è, purtroppo, deceduto nell'agosto del 2010 e che questo libro è stato pubblicato nel marzo del 2011 ci sarebbe stato il tempo per correggere quel “ a breve si attende l'uscita del suo prossimo film prevista per il 2010...”.
Questi sono quegli errori che non stravolgono il valore di un libro, però ti lasciano molti dubbi su come vengano confezionati, corretti e pubblicati, facendo fare sia all'autore che alla casa editrice una non bella figura.
Probabilmente le stesse informazioni che si trovano in questo libro possono essere lette sul web, ormai, da Wikipedia ad Animeclick, i siti informativi non mancano. Il contenuto del libro rimane comunque piacevole, forse, se fosse stato pubblicato qualche anno fa avrebbe avuto più valore informativo. Oggi, sia grazie al web che ai numerosissimi libri pubblicati su anime e manga, rischia di passare inosservato.
Un ultimo appunto riguarda la presenza di numerose pagine non completamente scritte, certo, non posso pretendere che ogni singola pagina sia riempita di informazioni, però girare pagina e trovare due terzi della pagina vuota mi fa venire dubbi sulla sua impostazione editoriale, e quando questo succede sovente il dubbio si ripete. In pratica le 362 pagine del libro non sono tutte scritte, un parte rimane in bianco, uno spazio che poteva essere riempito con altri contenuti, aumentando il numero delle schede, magari.
Senza contare che in 9 schede ( le numero: 28, 35, 41, 44, 56, 71, 92, 95, 96) la pagina contiene solo un rigo di scritto! Che senso ha andare a capo di pagina lasciando un rigo di scritto? Solo un enorme spreco di spazio... La casa editrice Caravaggio Editore non ha un software per simulare l'impaginazione finale del libro?
Riporto di seguito i titoli delle 100 schede della prima sezione e le 18 della seconda sezione:

Sezione I schede
1 2001 Nights
2 20th Century Boys
3 3X3 Occhi
4 Ai tempi di Bocchan
5 Akira
6 Alita
7 Anatolia Story
8 Ayashi no ceres
9 Basilisk, i segreti mortali del ninja
10 Battle Royale
11 Beck
12 Berserk
13 Black Jack
14 Black Lagoon
15 Blame!
16 Bleach
17 Blood The Last Vampire
18 Bokura Ga Ita, Noi C'eravamo
19 Byosoku 5 Centimeter
20 Candy candy
21 Capitan Harlock
22 Capitan Tsubasa
23 C'era una volta Pollon
24 Cesare, Il Creatore che ha distrutto
25 Chobits
26 City Hunter
27 Claymore
28 Code Geass, Lelouch of the Rebellion
29 Conan il ragazzo del futuro
30 Cowboy Bebop
31 Dash Kappei, Gigi la trottola
32 Death Note
33 Detective Conan
34 Devilman
35 D.Gray-Man
36 Doraemon
37 Dottor Slump & Arale
38 Dragon Ball
39 Eden, It's an Endless World!
40 Excel Saga
41 Fruits Basket
42 Fullmetal Alchemist
43 Full Metal Panic!
44 Georgie
45 Ghost in the Shell
46 Gintama
47 Great Teache Onizuka, GTO
48 Gurren Lagann, sfondamento dei cieli
49 Guyver
50 Hellsing
51 Honey & Clover
52 Hunter X Hunter
53 I Cavalieri dello Zodiaco
54 Il giocattolo dei bambini, Rossana
55 Il grande sogno di Maya
56 Il poema del vento e degli alberi
57 InuYasha
58 Itazura Na Kiss, in amore vince chi insiste
59 Jin Roh
60 Ken il guerriero
61 Kenshin
62 Keroro
63 La città incantata
64 Lady Oscar
65 La malinconia di Haruhi Suzumiya
66 Le bizzarre avventure di JoJo
67 Le situazioni di Lui & Lei
68 Life, vivere per vivere
69 L'Immortale
70 L'incantevole Creamy
71 Lone Wolf and Cub
72 Love Hina
73 Lovely Complex
74 L'UomoTigre
75 Lupin III
76 Macross
77 Marmelade Boy
78 Mazinga Z
79 Mobil Siut Gundam
80 Nana
81 Naruto
82 Nausicaa della valle del vento
83 Neon Genesis Evangelion
84 Nodame Cantabile
85 One Piece
86 Orange Road
87 Planetes
88 Proteggi la mia terra
89 Rayearth
90 Rocky Joe
91 sailor Moon
92 Slam Dunk
93 Soul Eater
94 Segar Sugar Rune
95 Tokyo Goodfathers
96 Touch, prendi il mondo e vai
97 Una tomba per le lucciole
98 Ushio & Tora
99 Video Girl Ai
100 Welcome to the N.H.K.!

Sezione II – Focus On
1 CLAMP
2 Takehiko Inoue
3 Kon Satoshi
4 Lo sport nei manga e negli anime
5 Maho shojo: maghe e streghette
6 Matsumoto Reiji
7 Miyazaki Hayao
8 Nagai Go
9 Oshii Mamoru
10 Otomo Katsuhiro
11 Supereroi degli anni 70: le produzioni Tatsunoko
12 Takahashi Rumiko
13Taniguchi Jiro
14 Tezuka Osamu
15Time Bokan Series
16 Tomino Yoshiyuki
17 Urasawa Naoki
18 World Masterpiece Theater

Da Maison Ikkoku a NANA, mutamenti culturali e dinamiche sociali in Giappone tra gli anni 80 e il 2000
di Riccardo Rosati e Arianna Di Pietro, casa ed. Sociatà Editrice La Torre, pagine 102 costo 12,50 €, anno 2011, formato 21 cm X 15 cm

Prima di addentrarmi nello specifico delle tematiche di questo interessante saggio è importante far notare 2 questioni.
La prima è che un sunto di questa analisi è presente in Manga Academica volume 3, sempre edito da Società Editrice La Torre, ma in questo saggio a se stante l'approfondimento è molto maggiore, anche se le pagine non sono tantissime.
La secondo è che la casa editrice ha pubblicato lo stesso saggio con due copertine diverse, in una c'è Kyoko e il suo cane Soichiro (ed il colore predominante è il rosa), mentre nella seconda copertina c'è Nana Osaki (ed il colore è il viola), i contenuti sono i medesimi. Ovviamente io li ho presi entrambi.

Tramite due differenti serie d'animazione, prodotte a distanza di 20 anni una dall'altra, si possono evidenziare i cambiamenti che la società giapponese ha attraversato?
E' quello che l'autore e l'autrice di questo saggio si prefiggono, analizzando “Maison Ikkoku” (del 1986) e NANA (del 2006).
Fondamentalmente l'analisi delle due serie dimostra come il Giappone sta abbandonando il rapporto con le proprie tradizioni, specialmente tra i giovani, inserendosi totalmente nella globalizzazione culturale. Da questa evoluzione sociale sono i rapporti di socializzazione tra gli individui, in particolare tra i due sessi, ad esser diventati ancor più problematici.
Infine questo studio vuole dimostrare come sia possibile fare un'analisi sociologica e antropologica su una società moderna tramite l'animazione.

Dopo una breve introduzione si passa all'analisi di Maison Ikkoku, che è divisa in 5 capitoli:

1 Il miracolo di una storia qualunque;

2 L'ambiente urbano, Tokyo come teatro dell'umana normalità;

3 Il colosso economico degli anni 80 e le necessità individuali;
In questo capitolo si analizzano i personaggi di Maison Ikkoku nel contesto di quella società giapponese, quella degli anni 80.
Il signor Ichinose, tipico salaryman, grazie alla cui grigia figura Godai abbandona l'idea del posto fisso da salaryman.
Mitaka, il rampollo di buona famiglia, il marito ideale per una donna giapponese, che cerca solo il modo di sistemarsi. Nonostante ciò non è solo la ricchezza a connotare il personaggio di Mitaka, è anche l'ostinatezza, lui è uguale a Godai, tranne per lo status economico.
Le rivali di Kyoko.
Kozue Nanao, l'antitesi di Kyoko e prototipo della donna giapponese in attesa del buon partito.
Ibuki Yagami, il personaggio più simile a Kyoko (anche se lei non concorderebbe). S'innamora del suo prof, lo fa contro il volere dei genitori, è autonoma, anche se più sfacciata di Kyoko. Ed è grazie a Yagami se Kyoko è obbligata a dare una svolta alla sua relazione con Godai.
Akemi Roppongi, la donna più “adulta” della serie. Verso la quale Kyoko si trova agli antipodi, non come con Kozue per il ruolo nella società, ma per il comportamento. Kyoko è sempre attenta a comportarsi come la società ritiene ella debba comportarsi, Akemi no. E' per questo che la presunta relazione con Godai fa infuriare Kyoko.

4 Kaishagiri e passione, un abbinamento scomodo;
I personaggi di Godai e Mitaka visti attraverso i concetti di giri (obblighi/doveri) e ninjo (sentimenti/passioni), cioè la consuetudine giaponese di sacrificare il nijo per ottemperare al giri.

5 L'uso cinematografico della musica;
Gli autori lodano (giustamente) le pregevoli BGM, opening ed endinig della serie, ma, secondo me, commettono l'errore di considerarle un tratto distintivo di questa serie. Mentre in tutte le serie nipponiche d'animazione ci sono colonne sonore variegate e ricercate, fin gli anime robotici, con le loro coinvolgenti musiche da “combattimento”.

Quindi si passa ai 5 capitoli dedicati a NANA:

6 La donna moderna alla conquista del proprio sogno;
I personaggi di Nana Osaki e Nana Komatsu sono analizzati come esempio della donna moderna giapponese alla ricerca della realizzazione dei propri desideri. Ma le due Nana hanno sogni diversi. La Komatsu vuole un buon marito e avere figli, la Osaki diventare famosa, e ad avere una famiglia non ci pensa minimamente.

7 Il mondo dell'apparenza e il mondo dei sentimenti;
Sono analizzati i luoghi dove è ambientata NANA, e dove i suoi personaggi si muovono. Il capitolo è diviso in due, uno per gli ambienti esterni ed uno per quelli interni.
Il pub Jackson Hole nel municipio di Chofu esiste realmente, e anche il proprietario (il suo nome è citato nell'anime) è lo stesso della serie, cosa che gli ha permesso di acquisire una certa fama.
In NANA la città è mostrata dal punto di vista della socializzazione, del divertimento glamour, mentre in Maison Ikkoku è la natura ad avere la priorità, natura quasi assente nella Tokyo di NANA. In NANA sono assenti anche alcuni ambienti pubblici tradizionali in Giappone, come i bangi pubblici (ben presenti in Maison Ikkoku), gli yatai (i banchettini dove si consumano cibi), i pachinko, i love hotel. Ma in NANA è assente anche la figura del “vicino di casa”. In pratica la Yazawa ha eliminato tutti quei riferimenti tipici giapponesi che avrebbero ridotto l'effetto cool e glamour sulla serie, tutti i personaggi di NANA vanno in posti “fighi”. In NANA la metropoli Tokyo sconfigge i personaggi, cosa che non capita in Maison Ikkoku.
L'appartamento delle due ragazze ricopre il ruolo della Maison Ikkoku. Da notare che, a differenza di tutte le altre abitazioni giapponesi, in casa loro non ci si toglie le scarpe, come a voler dire che quella casa è diversa dal resto del paese.
8 Mito e crisi nel 2000
In NANA il Giappone è quello della crisi economica e della successiva stagnazione, non più il Giappone del boom economico immobiliare degli anni 80 in Maison Ikkoku. La società si è ulteriormente occidentalizzata, anzi, globalizzata, rispetto alla più tradizionale società di Maison Ikkoku.. L'individualismo dei personaggi impera, il “bene comune” è tralasciato, come la mutua assistenza. Non è più il Giappone della “Maison Ikkoku” in cui tutti si spalleggiavano e soccorrevano, in NANA ognuno è lasciato a se stesso. L'egoismo in amore e il menefreghismo (assenti in Maison Ikkoku) sono comuni in tutti i personaggi di NANA. Scompare anche l'etica giapponese del lavoro, ne sono eccezioni Takumi e Yasu, quest'ultimo incarna anche lo spirito di mutua assistenza assente in tutti gli altri personaggi.
UN altro fattore assente in NANA, rispetto a Maison Ikkoku, (dove aveva un ruolo dominante), è la famiglia.
Ultima differenza “sociale” tra il Giappone di NANA e quello di Maison Ikkoku è la realizzazione di se stessi tramite l'impegno e il sacrificio personale. In NANA nessuno diventa felice, i sogni si infrangono, la fama viene raggiunta per un breve periodo. In Maisono Ikkoku, forse perché i protagonisti aspirano ad obbiettivi meno “alti”, l'impegno viene premiato e la felicità raggiunta.

9 Alla ricerca di nuove forme societarie
Nel Giapone di NANA è la coppia tradizionale giapponese ad essere in crisi, l'individualismo della globalizzazione culturale ha intaccato anche i sentimenti. In Maison Ikkoku l'amore era così positivo da spingere i suoi personaggi a far di tutto per raggiungerlo, in NANA l'amore ha sempre un effetto negativo. Il rapporto tra Ren e Nana Osaki ne è l'emblema.
Anche i numerosi amori di Nana Komatsu denotano superficialità, egoismo ed immaturità, difetti dai quali i personaggi di Maison Ikkoku poco alla volta si emancipavano, diventando persone responsabili, mettendo così in atto una crescita emotiva. Il rapporto tra Nana Komatsu e Nobu, naufragato al primo ostacolo (è il ritorno di lei da Takumi, personaggio più in “vecchio stile”), ne è anche qui la dimostrazione.
La scelta di Nana Komatsu di legarsi con l'uomo che non ama, ma che le assicura stabilità economica, è la scelta opposta di Kyoko in Maison Ikkoku, che sceglie l'amore senza sicurezza economica.
In NANA gli uomini hanno sempre, tranne Yasu, una connotazione negativa.
Da notare come in NANA il tradimento in amore è considerato una cosa che può capitare (mentre il tradimento dell'amicizia sembra essere più grave), invece in Maison Ikkoku il tradimento è fortemente stigmatizzato.
Infine, nel valutare il rapporto tra le due Nana, c'è da considerare la componente omosessuale, dove il loro affetto reciproco pare superare la soglia della semplice amicizia tra donne, senza, però, mai varcare “quella” fatidico confine.

Anime in guerra, guerra e pace nell'animazione giapponese degli anni '70
di Giorgio Messina, casa ed. Cagliostro E-press, pagine 120 costo 13,90€, anno 2010, formato 22 cm X 16 cm

Questo saggio cerca di dimostrare che i cartoni animati giapponesi degli anni '70 rappresentano un'espressione d'arte della cultura di massa nipponica creati non solo per fare ascolti e vendere merchandising, ma anche per rielaborare il concetto di guerra, preparando i suoi fruitori a nuovi scenari futuri.
Il saggio inizia con una breve esposizione dei fatti storici riguardanti il bombardamento atomico su Hiroshima e Nagasaki. Segue una breve della storia dell'animazione giapponese dalla sua nascita al 1960, con soggetto principale gli anime riconducibili al genere robotico/postatomico. Alcuni titoli del periodo precedente al decennio 1970 sono Tetsuwan Atom (dove Atom rappresenta in pratica una forza di pacekipping), Tetsujin 28 (in cui gli scienziati iniziano a sostituire in importanza la classe militare, colpevole della sconfitta, e le responsabilità di comando sono affidate alle nuove giovani generazioni), Big X (che inizia l'opera di distacco dal ex alleato nazista), Uchu shonen Soran (che sembra voler soffermarsi sugli effetti dell'atomica).
Da notare un errore grave riguardo al film “Il segreto della spada del sole” di Isao Takahata, attribuito, invece, a Hayao Miyazaki...
Altre serie importanti nel contesto del saggio sono “La principessa Zaffiro” (che crea il filone delle eroine femminili), i Cyborg 009 (soldati super tecnologici votati alla pace), gli anime di carattere sportivo (dove il lavoro di squadra unito al rigido addestramento sono una rielaborazione dell'addestramento militare estintosi dopo la sconfitta).
Il secondo capitolo analizza le serie e i film prodotti anno per anno (quindi 1971-72-73) sempre nell'ottica bellica, anche di anime non direttamente ascrivibili al genere robotico/bellico.
Questa è la parte più importante del libro, da notare che il corpus di questa analisi sono le trame dei cartoni animati. In pratica ci si ritroverà a leggere dettagliate recensioni della trama di ogni anime di carattere bellico, con alla fine di essa una più o meno breve valutazione sugli aspetti bellici della serie. Forse si sarebbero dovuti invertire i rapporti, una breve recensione della trama (sicuramente necessaria) ed una parte più ampia di analisi.
Il 1970 vede la nascita dei primi antieroi.
Nel 1971 con Lupin III nasce, dopo l'antieroe, l'eroe “negativo”. Da notare come in Lupin III la precisa divisione dei compiti di ogni membro del gruppo sia, in realtà, una organizzazione strategica dei compiti, compreso lo spionaggio e il controllo/contraffazione delle informazioni.
Il 1972 vede la creazione di Mazinga Z, il primo anime robotico/bellico. Mazinga Z è un mezzo bellico con svariate armi e, per la prima volta, una base logistica per rifornimenti/riparazioni/miglioramenti tecnologici, l'Istituto di Ricerca per l'Energia Fotoatomica (d'ora in poi ogni serie robotica avrà una sua base). Con Mazinga Z l'età del protagonista inizia ad innalzarsi e gli scienziati diventano definitivamente dei tecnocrati che sostituiscono il governo. Inoltre nasce il nippocentrismo, chi conquista il Giappone conquista il mondo, che è una reazione alla marginalità del Giappone del contesto reale mondiale. Anche i mostri meccanici del Dottor Inferno sono di chiara matrice bellica, infatti i loro nomi (Garada K7 o Doublas M2) ripetono la consuetudine di dare ai mezzi bellici dei nomi seguiti da lettere e numeri. La necessità di “gridare” le armi, oltre ad azionare il relativo comando, pare dimostrare l'esistenza di un qualche tipo di sicura. In questo modo solo il pilota può usare le armi di Mazinga Z. I nemici diventano più forti durante l'evolversi della serie, quindi anche Mazinga Z subisce delle migliorie tecnologiche, come è pratica fare con le normali armi belliche. Nella cultura giapponese è molto importante il concetto di “sea power”, controllare il mare e la costa è determinante, ed il nemico arriverà sempre dal mare. Ed è in mare che il robot trova le difficoltà maggiori a combattere. Il Dottor Inferno si avvale di una serie di comandanti subalterni, dei veri capi di stato maggiore in pieno stile “vertice di comando militare”. Il più famoso è il barone Ashura, ma è il conte Bloken, ex nazista, a dimostrare come (dopo Big X di Tezuka) continui la presa di distanza dagli ex alleati nazisti, pare quasi che nazisti ed impero giapponese siano stati nemici. Alla fine della serie Koji Kabuto cambia tattica, passando dalla solo difesa all'attacco della base nemica, in omaggio al motto “si vis pacem, para bellum”.
Nei Gatchaman è proposto l'action team, con una ben distinta divisione dei compiti in battaglia in base alle caratteristiche fisiche. Inoltre nella serie hanno largo spazio le relazioni politiche tra le nazioni, ed anche gli equilibri tra le nazioni. Rapporti ed equilibri che, invece, i Galactors tentano di alterare a loro beneficio. Nei Gatchaman viene introdotta l'arma segreta finale da usare come extrema ratio, la God Phoenix. Una riproposizione dell'arma atomica, che fu l'arma segreta statunitense che mise fine alla seconda guerra mondiale.
Nel 1973 è Kyashan a proporre nuove modifiche al tema della guerra negli anime. Tetsuya diviene l'androide Kyashan per sconfiggere i robot creati dal padre, e che per un malfunzionamento vogliono distruggere l'umanità. Tetsuya sacrifica la propria umanità per diventare una super arma, un esercito in un sol uomo. Ma una volta ritornata la pace Kyashan rimane un robot, evidenziando gli alti costi che una guerra comporta. Da notare che il leader dell'esercito di robot, Briking, si ispira chiaramente a Hitler, sostituendo lo sterminio delle razze “inferiori” a quello di tutta la razza umana, inferiore ai robot.
Il 1974 vede la nascita di una serie che sfrutta il concetto di “Rivoluzione Tecnico Militare” (RTM). Il Getta robot, che è un'arma tecnologicamente più evoluta rispetto a Mazinga Z. In più possiede tre versioni specifiche per tre campi di battaglia differenti (aria, acqua, sottosuolo). In quest'ottica anche il Grande Mazinga rappresenta una “RTM” di Mazinga Z. Il pilota del Grande Mazinga, Tetsuya Tsurugi, è il primo pilota addestrato al combattimento, un vero soldato, seppur senza uniforme. L'impero di Mikenes è strutturato come un vero esercito, con sette generali e un sistema di spionaggio militare.
La corazzata spaziale Yamato sposta il nippocentrismo dalla terra allo spazio, riesumando l'imponente corazzata imperiale giapponese, affondata in modo poco glorioso. Qui le tattiche di combattimento sono quelle della guerra navale, ma anche i danni e le riparazioni della Yamato hanno largo spazio nella serie. Da notare come, di nuovo, l'esercito nemico Gamiloniano che attacca la terra ha una connotazione nazista, ma anche statunitense.
Il 1975 si apre con il lungometraggio “Il Grande Mazinga contro Getta robot”, in cui emerge il dissidio tra Tetsuya, un vero pilota ben addestrato, e il team del Getta, ragazzi normali divenuti piloti.
In Tekkaman della Tatsunoko si ritrovano elementi di Kyasha e Polimar, ma con nuove tematiche ed una maggiore crudezza dei combattimenti. La morte dei soldati terrestri, che si difendono dallo spietato invasore Valdaster, e dei civili inermi rende bene la crudeltà della guerra. Il generale Rambos, sgherro di Dobrai capo di Valdaster, usa tattiche di combattimento spietate, tipiche della guerra asimmetrica, della guerriglia e del terrorismo.
Con Jeeg robot d'acciaio si ripropongono gli stili delle altre opere di Go nagai, ma con nuove intuizioni. Al solito nippocentrismo viene affiancato un protagonista, Hiroshi Shiba, che rifugge la guerra e le sue responsabilità. Inoltre Jeeg può modificare la sua struttura in base alla situazione strategica, nuovi componenti gli permettono sia di attaccare che di difendersi. Potrà volare, andare sott'acqua o nel sottosuolo grazie a nuovi componenti aggiuntivi, facendo di Jeeg la prima arma espandibile e rimodulabile all'infinito. I componenti di Jeeg sono il suo punto di forza, ma anche il suo tallone d'Achille, in quanto questi sono lanciati dal Big Shooter pilotato da Miwa. Quindi senza il supporto logistico di Miwa e del suo Big Shooter Jeeg non può più trasformarsi. Nel campo avverso i ministri (Ikima, Amaso e Mimashi) della regina Himika saranno tra loro avversari, e quando l'imperatore del Drago prenderà il potere uccidendo Himika, i suoi ministri si ribelleranno tentando un colpo di stato ed iniziando una guerra civile.
In Goldrake il regime militare di Vega attacca la tecnocrazia scientifica di Fleed. Una volta che il teatro di battaglia si sposta sulla terra Goldrake necessita di nuovi mezzi per contrapporsi alle nove tecnologie di Vega. Ma i dissapori tra i vari generali di Vega impediranno spesso la distruzione di Goldrake e la conquista della terra. L'esercito di Vega possiede un'arma radioattiva potentissima, il Vegatron, in tutta la serie si condanna l'uso di quest'arma, di cui è vittima anche Actarus. Ovviamente il Vegatron non è altro che la bomba atomica statunitense.
Il 1976, tra i tanti anime robotici, vede il Gaiking, in cui gli alieni di Zela, con a capo il dittatore Darius il grande, non sono spietati solo coi terrestri, ma anche contro i civili di Zela.
In Combattler V il robot si presenta subito come un'arma bellica fin dal nome. I cinque mezzi che lo compongono possono operare in scenari bellici differenti. Nel finale di questa serie gli alieni lanciano una bomba nucleare nel centro della terra per distruggere il pianeta, solo l'arrivo di un altro alieno impedirà la distruzione totale.
Nel 1977 spicca la serie Danguard, dove l'addestramento ha un ruolo preponderante nella trama. Anche qui il cancelliere Doppler e il suo esercito si rifanno all'esercito nazista.
In Guyslugger la drammaticità della è posta in primo piano, infatti nella puntata numero 15 è proposta per la prima volta (prima di Zambot 3) il tema delle bombe umane.
Dalle vicissitudini delle tre famiglie aliene che difendono la terra dall'invasione di Gaizok prende spunto la serie Zambot 3. Oltre alla crudezza dei combattimenti e la spietatezza degli alieni invasori, la drammaticità della serie è data dal sacrificio ultimo di quasi tutti gli appartenenti alle tre famiglie. L'autore Yoshiyuki Tomino, con questa serie, inizierà a discostarsi dai classici robottoni nagaiani. La popolazione terrestre sfogherà la propria frustrazione e rabbia per l'invasione dei Gaizok contro le tre famiglie aliene che li stanno difendendo, in questo aizzati dagli stessi Gaizok. Gli alieni invasori mettono in pratica numerose spietate tattiche militari per sterminare la razza umana e conquistare la terra. Il loro scopo primario rimane sempre la conquista, e non la distruzione dello Zambot 3. Indicibilmente tragiche le puntate sulle bombe umane, in anticipo di qualche decennio sulla realtà.
Nel 1978 è Capitan Harlock a trovare un nuovo nemico, più delle mazoniane il governo mondiale che ha inebetito la popolazione, rendendola apatica, conformista ed egoista.
In Generale Daimos è un incidente diplomatico a scatenare il conflitto tra i terrestri ed il popolo alieno che chiedeva asilo. In entrambi i popolo le fazioni dei pacifisti e dei militaristi si daranno battaglia.
In Conan il ragazzo del futuro, dopo una guerra mondiale che ha semidistrutto il pianeta, una dittatura industriale ha preso il potere, cercando di nuovo di riarmarsi. Sarà compito delle nuove generazioni abbattere questa dittatura.
E' con Daitarn 3 che per la prima volta fa capolino l'importanza della capacità economica in guerra. Le enormi possibilità economiche di Haran Banjo, che gli permettono di combattere i Meganoidi, derivano dall'oro di Marte che lui stesso rubò.
Nel 1979 tematiche completamente differenti sono presenti in Daltanious, oltre alla classica invasione aliena, i rapporti diplomatici e le alleanze strategiche tra popoli alieni ha una grande rilevanza. Come l'esistenza dei cloni o biodroidi e il loro trattamento da parte dei regnanti di Elios.
In Blue Noah gli alieni invasori di Gotham, comandato dall'imperatore Zeitel, si ribellano al proprio sovrano lo rovesciano, cercando la pace coi terrestri. Il generale Edler, autore del colpo di stato, si sacrifica per salvare la Terra.
Ma è in Gundam che gli anime affrontano la guerra in maniera realistica e totale. In Gundam, oltre all'orrore per la guerra, c'è la tattica e la strategia. I robot sono solo dei mezzi di combattimento, che si possono guastare e che terminano anche le munizioni. Addirittura i robot perdono anche il proprio nome, per diventare dei più realistici Mobil Suite. Ci sono trame politiche che travolgono la vita dei protagonisti, alleanze spaziali e tradimenti. Una vera guerra tra eserciti di nazioni in guerra. I colpi di stato diventano parte della trama, e i cattivi non sono sempre tali, come non lo sono i buoni. Ogni mezzo è lecito per vincere la guerra, dal far schiantare città satelliti sulla terra. Alle armi chimiche e batteriologiche, fino agli ordigni nucleari, nonostante i patti internazionali ne vietino l'uso.
In un decennio di anime bellici, alla fine, il messaggio che queste serie hanno trasmesso è, in realtà, di pacifismo, antimilitarismo ed orrore per la guerra, nonostante tutte le alabarde spaziali, i raggi gamma, i pugni a razzo e i missili lanciati.

Manga Academica vol. 3, rivista di studi sul fumetto e sul cinema di animazione giapponese
casa ed. Società Editrice La Torre, pagine 161, costo 10,50€, anno 2010, formato 20 cm X 15 cm

La casa editrice “Società Editrice La Torre” pubblica da 2 anni “Manga Academica”, che, in forma di libro, è una rivista annuale sui manga e l'animazione (ma non solo) giapponese. Per fortuna è uscito anche questo terzo numero, equivalente al terzo anno di pubblicazione, visto che i contenuti di questa rivista annuale sono molto validi.
Il primo contributo è di Marco Maurizi, s'intitola “Eccerobot, come si filosofa coi pugni atomici”. E' incentrato su Mazinga Z e sulle altre opere di Go Nagai. Credo che il senso del suo scritto sia di rivalutare culturalmente le opere di Go Nagai. Scrivo “credo” perché non ne sono sicuro al 100%, questo a causa (per colpa di una mancanza culturale) sia del linguaggio di carattere filosofico, sia per i continui rimandi e citazioni di Adarno, Horkheimer, Leslie, Fromm. In pratica è un breve esposto di carattere filosofico su Go Nagai. I tratti che ho compreso li ho trovati molto interessanti: il trattamento subito in combattimento dai robot femminili ed alcune loro caratteristiche fisiche sessuali; la spiegazione dell'estetica mostruosa dei terribili generali di Mikenes; la misoginia verso June Hono rispetto alla Marchesa Yanus.
Ho sempre l'impressione che , talvolta, gli stili di scrittura così forbiti (e quindi parecchio criptici), specialmente quando il tema sono anime e manga, più che per essere precisi nella spiegazione dei concetti servano ad impressionare un numero esiguo di cattedratici, peccato che il libro lo comprino anche i non cattedratici...
Roberto Vitello illustra nel dettaglio i precursori dei manga, gli emakimono dell'epoca Kamakura (1185-1333). Gli emakimono disegni di svariati soggetti su sono rotoli di carta lunghi anche 16 metri, arrotolati intorno ad un bastone, si aprono da destra verso sinistra, per una 50nitna di centimetri. Inizialmente gli emakimono erano rivolti a un pubblico elitario, e raffiguravano scene religiose, grandi battaglie, essere mitologici, oppure raccontavano favole utilizzando personaggi antropomorfi. Quindi l'antropomorfismo nei manga e negli anime attuali nasce negli emakimono. L'autore analizza alcuni antichi emakimono, purtroppo le foto presenti nel libro sono troppo piccole per seguire i suoi spunti artistici. In alcuni di questi antichi emakimono si può notare quello che oggi chiameremmo storyboard. Tutto ciò fa comprendere come il linguaggio dei manga ha delle origini molto antiche. Nel periodo Tokugawa (1603-1868) gli emakimono vennero sostituiti da nuovi media, come gli ukiyo-e (stampe) e i kusazoshi (libelli illustrati). Questo perché gli emakimono erano prevalentemente goduti dai nobili, ma nell'epoca Tokugawa i mercanti acquistarono sempre più potere economico, e i nuovi media si confacevano di più ai loro nuovi bisogni di svago. Inoltre nascevano nuove tecnologie più popolari ed economiche, come l'editoria popolare. I kusazoshi (destinati alle classi sociali meno abbienti) si dividevano per genere, un po' come gli attuali manga: sharebon (libri comici); yumihon (romanzi popolari); choninmono (romanzi sui mercanti); ukiyozoshi (romanzi erotici). La nuova borghesia necessitava di nuovi canali espressivi, di svagarsi leggendo, nacquero così le jihondonya, cioè le prime case editrici, e gli ezoshiya, negozi specializzati nella vendita di stampe. In questo settore editoriale il Giappone anticipò di molto l'industria editoriale occidentale del 800, dove la produzione di massa andava a discapito della qualità. Con l'apertura forzata del Giappone all'occidente nel 1854 stava per nascere il nuovo media, il manga. A questo punto l'autore si sofferma sulla figura di Hokusai Katsushika (1760-1849), l'artista delle stampe ukiyo-e, che è considerato il padre putativo del manga. Lo stesso termine “manga” venne usato per la prima volta nel 1812 per una serie di suoi disegni, gli “Hokusai Manga”.
Il terzo contributo, ad opera di Arianna Di Pietro e Riccardo Rosati, analizza, con uno studio sociologico, i cambiamenti della società giapponese nel periodo 1980/2000 tramite due anime di successo, Maison Ikkoku e Nana. Questo studio vuole evidenziare il progressivo allontanamento dalla radice culturale nipponica verso la globalizzazione, avvenuta tra il 1980 e gli anni 2000, mutazione che ha minato le tradizionali forme di socializzazione, in particolare tra i sessi. In particolare verranno poste in risalto le differenze tra le storie d'amore dei due anime, come lo stesso concetto di amore sia cambiato, assieme al rapporto con la famiglia. Questo studio sociologico cerca di dimostrare l'importanza degli anime come fonte documentale per l'analisi di stampo sociale e antropologico. Le considerazioni degli autori sono molto interessanti ed articolate, essendo il capitolo relativamente breve (23 pagine) è pregno di contenuti.
Il quarto intervento è a cura di Massimo Nicora, e riguarda gli antenati dei robot giapponesi, la storia degli automi meccanici artigianali chiamati karakuri in epoca Tokugawa. Il termine karakuri significa “congegno meccanico realizzato per burlarsi di una persona o coglierla di sorpresa”. I karakuri erano esibito a teatro per stupire gli spettatori. I karakuri non avevano nessun compito pratico di lavoro, solo di svago ed intrattenimento. Il primo spettacolo teatrale con karakuri si svolse il 25 maggio 1662 ad Osaka, ad opera del maestro orologiaio Omi Takeda. I lavori scritti per il teatro con i karakuri (butai karakuri o Takeda karakuri, in onore di Omi Takeda) vennero riadattati per attori umani, che, però, continuarono ad imitare i movimenti degli automi. Da qui la nascita di uno stile recitativo che risulta incomprensibile ad un occidentale. La tradizione del Takeda karakuri continuò col fratello Kiyotaka Takeda (Omi Takeda II), e raggiunse il suo apice con lo spettacolo del 1758 a Edo, creato da Omi Takeda III. IL Takeda karakuri terminò l'attività nel 1772.
I karakuri erano usati anche durante i matsuri (festività religiose), ed erano noti (ma lo sono anche oggi) come “daishi karakuri”, perché gli automi erano posizionati su carri allegorici chiamati daishi. Esistevano anche i “zashiki karakuri”, “automi domestici” (esistenti anche oggi), creati come oggetti di lusso per i ricchi. Con la Restaurazione Meiji e la fine dell'isolazionismo dell'era Tokugawa ebbe termine anche la tradizione dei karakuri. Gli ultimi maestri artigiani karakuri furono Hisashige Tanaka (1799-1880), che pose le fondamenta della Toshiba, e Benkichi Ono (1801-1870).
L'ultimo capitolo è di Sara Papa, e tratta “l'immaginario erotico femminile: dal fumetto artigianale allo shonen ai. L'autrice inizia spiegando la nascita del genere fumettistico shonen ai durante i festival del fumetto amatoriale, chiamato comiket, dalla prima fiera nel 1975 ai giorni nostri. In seguito si analizza la figura, sovente presente anche nei manga ufficiali, del personaggio androgino (sia maschile che femminile), e del suo significato nella società giapponese. Sono prese in considerazione le tematiche negli yaoi, negli shonen ai, le differenze tra questi due e con lo slash occidentale. Vengono riportate le tipologie classiche di rapporti tra i personaggi di questo genere. Da notare come queste parodie di materiale coperto da diritti d'autore non generi nessuna denuncia dai proprietari dei diritti, anzi, queste dojinshi (compresi yaoi e shonen ai) sono considerate il sintomo del successo di una serie, e una pubblicità per la serie stessa. Esistono vari tipo di dojinshi: tratte da lavori originali (original); parodie di serie di successo (aniparo); le storie d'amore tra uomini (june mono); quelle con risvolti sessuali (yaoi). Gli yaoi sono dojinshi non ufficiali, lo shonen ai, invece, è venduto nelle edicole. Per finire sono ben spiegate le motivazioni che spingono la lettrice giapponese eterosessuale a prediligere questo tipo di manga.

Filosofia nei manga, estetica e immaginario nel Giappone contemporaneo
di Marcello Ghilardi, casa ed. Mimesis, pagine 166, costo 14€, anno 2010, formato 21 cm X 14 cm

Marcello Ghilardi è l'autore anche dell'ottimo saggio “Cuore e Acciaio”, inoltre in questa sua nuova opera di approfondimento è presente un saggio di Marco Pellitteri su una tematica poco affrontata. La mia recensione partirà con una critica al titolo, che mi sembra un poco fuorviante. Forse è più che altro il tentativo di trovare un titolo che faccia da comune denominatore ad una serie di singoli saggi che, talvolta, nonostante la loro validità, mi pare non nascano da un progetto comune. Non saprei come si sarebbe potuto intitolare meglio il saggio, magari “Una serie di saggi su manga ed anime”.
Riporto un paio di righe dell'introduzione:
“Fumetti e disegni animati diventano agli occhi del filosofo luoghi di produzione del pensiero, si offrono come mondi da scoprire e indagare con curiosità ed attenzione”. ”I manga (e gli anime) come metafore per leggere il nostro tempo”.

Nel primo capitolo (“Giappone all'estremo di oriente e occidente”) si evidenziano le influenze della cultura occidentale in quella giapponese, dall'epoca Meiji ai giorni nostri. Questi temi culturali ibridi sono visti principalmente in ottica manga ed anime, ma molti sono gli accenni di carattere storico e sociologico.

L'analisi vera e propria sui/dei manga inizia solo a pagina 33 col secondo capitolo (“I manga tra rottura e continuità”), in cui si ripercorre la nascita del manga, in particolare dell'inventore del termine “manga”, Katsushika Hokusai (1760-1849) e del tratto estetico manga. In realtà il manga fu già all'origine una commistione di influenze estetiche cinesi, occidentali e, ovviamente, giapponesi. Si analizza il significato del termine “manga” e degli ideogrammi che Hokusai usò per scriverlo. In questo contesto viene fatta una interessante similitudine tra l'arte manga (la nascita da altri stili, il perfezionamento ed, infine, il diventare un'arte nuova) e la dinamica shu-ha-ri, che l'apprendista deve porre in essere per apprendere una disciplina, specializzarvisi e crearne, infine, una propria.

Nel terzo capitolo (“Questione di stile”) si approfondisce la conoscenza delle arti grafiche giapponesi che precedettero ed influenzarono il manga odierno:
ukiyo-zoshi;
le immagini di mostri e demoni del XII secolo;
i disegni di Hokusai;
i primi manga moderni del XIX e XX secolo (come la rivista The Japan Punch, che ebbe un così alto successo che allora (fine 1800) i manga si chiamavano “Ponchi-e”, “immagini alla Punch”);
la rivista Toba-e;
il disegnatore Kitazawa Yasuji (1876-1955), noto anche con lo pseudonimo di Rakuten, che fondo la rivista Tokyo Punch (1900 circa).
Tutte queste prime riviste giapponesi avevano un carattere caricaturale e di satira politica, poco spazio o nullo era riservato al manga come lo conosciamo oggi. Quindi Ghilardi fa un salto temporale molto ampio passando dai primi del 1900 al dopoguerra (saltando a piè pari tutto il periodo prebellico e bellico), con tutti i mangaka più famosi, iniziando con Osamu Tezuka. L'ultima parte di questo capitolo lancia uno sguardo sui nuovi scenari verso cui i manga si stanno sviluppando, commistioni di genere e contaminazioni (di nuovo) con l'occidente. Dove ora è l'occidente a fare proprio lo stile manga, anche rielaborandolo.

Il quarto capitolo è opera di Marco Pellitteri, ed affronta una “branchia” dei manga poco o per nulla analizzata, il titolo del capitolo è, infatti, “Giappornologie, passionali multisensorialità del manga e nuove frontiere della nippomasturbazione”. Questo capitolo consta di 25 pagine, più 6 di immagini con didascalie. Nella prima parte di questo saggio Pellitteri affronta il rapporto esistente in Giappone tra fumetti e pornografia. Nella seconda parte focalizza la sua attenzione su tre tematiche che stanno attecchendo anche in occidente: vari tipi di feticismo; una forma peculiare di pedofilia; apparati tecnologici per la masturbazione, con particolare attenzione alle bambole sessuali o cyborg ginoidi.
Dopo un breve elenco dei generi e sottogeneri dei manga erotici e pornografici l'autore fa una valutazione molto interessante sui cinque sensi stimolati dai fumetti. Nei manga classici i due sensi più stimolati sono la vista e l'udito, mentre gli altri tre non sono mai risvegliati. Nei manga erotici e pornografici, invece, sono l'olfatto, il gusto, e il tatto ad essere maggiormente stimolati.

Nel quinto capitolo (“Sull'immaginario negli anime”) si evidenzia quale immaginario gli anime hanno creato dal loro arrivo in Italia, da Goldrake ad oggi. Si cerca di spiegare che cosa un fruitore dei primi cartoni animati giapponesi considera ormai prettamente “anime” e “giapponese”, e di come quegli stessi primi piccoli spettatori abbiano modificato la loro percezione di alcune tematiche rispetto ai propri genitori. Come esempio dei concetti esposti da Ghilardi si può utilizzare il famoso simbolo che compariva in basso a destra sullo schermo tv alla fine della puntata di un anime. Quel simbolo si chiama “tsuzuku”, ed è formato da tre caratteri dell'alfabeto hiragana. Nessuno conosceva il giapponese, ma tutti sapevamo che significava “continua...”. Il nostro immaginario di bambini si arricchì con un termine visivo nuovo, che oggi riporta alla memoria sigle ed altro, anche se il significato di quel simbolo fu compresa solo in età adulta.
A questo punto l'autore sposta l'attenzione sull'immaginario creato dai Pokemon, che è differente da quello dei primi anime robotici, e che trasmise ai nuovi fan dei concetti nuovi che precedentemente non avevano valore. Nei Pokemon gli eroi della serie non combattono per la libertà contro degli invasori alieni, non sono eroi come Actarus, devono semplicemente accumulare esperienza in combattimento, al fine di migliorare il proprio Pokemon.

Nel sesto capitolo (“Mutazioni estetiche, trasformazioni etiche”) si osserva come alcuni oggetti nati dall'animazione giapponese, come i robot, sono diventati l'emblema dell'iconografia nipponica. Sono analizzati gli anime robotici anni 70/80, Evangelion e Gunslinger Girl, in particolare il sentimento di “mo no aware” insito nelle 2 serie più recenti. Riguardo ai cyborg è evidenziato come, grazie a manga ed anime, la loro percezione sia stata modificata, e per valutare questo sono stati presi in esame titoli come Galaxy Express 999, Kyashan e Ghost in the shell. I nuovi scenari sul cambiamento dell'estetica sono analizzati grazie a tre serie recenti sui samurai: Afrosamurai; Samuari 7; Samuari Champloo. Dove l'ambiente storico da cui dovrebbero provenire i personaggi è contaminato da numerosi fattori, modificandone così l'estetica originale.

Il settimo capitolo si pone la domanda di come “Ghost in the shell” sia un film cybergpunk, e del perché ne abbia ridefinito i nuovi confini. Quest'ultimo capitolo l'ho trovato abbastanza ostico, i concetti espressi sono parecchio contorti, forse anche perché io non ne ho molta famigliarità.

L'ottavo ed ultimo capitolo s'intitola “La verità dell'illusione, il cinema di Satoshi Kon”, ed è lo stesso breve saggio, sempre di Ghilardi, comparso in un altro libro del 2009 (“Satoshi Kon, il cinema attraverso lo specchio”). Lo stesso Ghilardi avverte i lettori di questo fatto nelle note iniziali al saggio, specificando che comunque c'è qualche nuova integrazione rispetto a quell'edizione, che io non ho trovato. In questa riproposizione non c'è nessun accenno alla morte prematura di Satoshi Kon avvenuta a fine agosto, probabilmente questo saggio era già in stampa.

Da Goldrake a Dragonball, viaggio tra i fumetti e i disegni animati giapponesi
di autori vari, pagine 63, costo 10€, anno 2010, formato 24 cm X 17 cm

Questo è il catalogo per la mostra “Da Goldrake a Dragonball, viaggio tra i fumetti e i disegni animati giapponesi” del comune di Cadoneghe, ma chiamarlo semplicemente “catalogo” è un peccato. E' molto più bello e curato di alcuni saggi su manga ed anime che sono usciti in questi ultimi tempi, sull'onda di un boom della saggistica anime/manga. Forse non svela nulla di nuovo, visto che sono riproposte le cose standard sulla genesi dell'invasione degli anni 70/80, sulle serie storiche, la spiegazione dei termini “anime” e “manga, le censure e le classiche tematiche divise per generi (shojo, robottoni, shonen, maghette, sport etc). Nonostante ciò il tutto, pur nella brevità, è scritto a dovere e approfonditamente (sempre nella brevità del libricino). In fondo i vari autori sono ferrati in materia di anime e manga: Silvio Andrei, Gianni Brunoro, Elsa De Marchi, Arianna Magnato, Mario A. Rumor.
Secondo me la sua lettura è piacevole anche per una persona già informata, ma sarebbe un ottima introduzione per chi è a digiuno su anime e manga (magari come regalo per acculturare), considerando la sua brevità non stancherebbe il lettore non appassionato.
Purtroppo penso (non sono sicuro) sia reperibile solo nel negozio della Yamato Video di Milano, magari anche tramite il sito o via telefono.
Riporto l'indice:
L'arrivo degli anime in Italia. Cronaca di un'invasione calcolata;
Gli anime. I disegni animati giapponesi;
I manga. Immagini in movimento;
Fumetti in Italia. Manga, ossia i fumetti dell'altro mondo;
Il cinema d'animazione. Giappone vs Walt Disney;
Censure. Malintesi e attacchi.
Universo shojo. Feulliton a fumetti e a disegni animati;
Universo shonen. Avventure, combattimenti e belle donne;
Goldrake & Co. Il mito dei “robottoni”;
Lo sport. Lacrime e sudore.
A scuola. Studenti inetti e amori tra i banchi;
Maghette. Fa la magia tutto quello che vuoi tu...
Supereroi. Umani, io vi salverò;
I generi letterali. Letteratura disegnata;
Horror. Brividi alla schiena;
I grandi personaggi storici. La storia occidentale;
La commedia. Sorridi, non avrai altra vita;
Il fantasy. Con Alice, la di là dello specchio.
Fantascienza. Storie di questo ed altri mondi.

Manga Academica vol. 2, rivista di studi sul fumetto e sul cinema di animazione giapponese
casa ed. Società Editrice La Torre, pagine 110, costo 10,50€, anno 2009, formato 20 cm X 15 cm

Dopo un anno è uscito il volume numero 2 di Manga Academica, questo implica che dovrebbe uscirne un volume all'anno. Dopo un anno è da apprezzare che il prezzo è rimasto invariato, anche se le pagine sono diminuite , 110 contro le 134 del primo volume.
In questo numero ci sono quattro tra articoli, tesi o studi sui manga e anime, più le recensioni di 3 libri e una piccola classifica di 10 siti su anime e manga da visitare.
Il primo interessantissimo scritto è di Marco Pellitteri ed è incentrato sulla saggistica di anime e manga. Fondamentalmente è una critica al settore allo scopo di avere studi più validi. L'autore individua 3 rischi in cui può incorrere chi decide di scrivere un saggio su anime e manga.
Scrivere un'opera meramente enciclopedica, come il Dizionario dei cartoni animati (citato quasi esplicitamente da Pellitteri), che si prefigge di essere dettagliato e omni comprensivo e poi incorre in errori e mancanze.
Scrivere saggi di volume ridotto su tematiche troppo ampie incorrendo in semplificazioni ed errori dovuti a fonti poco attendibili.
Scrivere saggi non analitici ma militanti, nei quali si difende a priori, seppur con affetto, il prodotto manga e anime.
Un altro problema che Pellitteri individua riguarda il fatto che vengono permesse tesi su anime e manga solo in talune facoltà: cinema; scienze della comunicazione, orientalistica. Mentre è difficile che agli studenti siano permesse tesi su anime e manga in facoltà come antropologia, sociologia, psicologia. E non risulta ci siano tesi che provengano da facoltà come economia o politica. Questo causa uno sbilanciamento nell'analisi delle tematiche riguardanti anime e manga.
Un'altra critica di Pellitteri è rivolta a quei saggisti che non riportano nei loro libri la bibliografia preesistente, sia quando ciò è dovuto ad ignoranza che quando è dovuto a malafede.
La parte finale del suo intervento spiega molto bene il perché della esiguità di saggistica tradotta dal giapponese all'italiano, quella in inglese è più accessibile essendo una lingua più conosciuta. Questo comporta una ulteriore mancanza di informazioni e dati per chi vorrebbe scrivere di e su anime e manga. Infine nota che l'Italia, nonostante sia il paese europeo con la maggior penetrazione di anime e manga, vanta pochissimi saggi tradotti in inglese. Questa ultima parte penso che sia collegata al fatto che il suo “Il drago e la saetta” dovrebbe essere tradotto in inglese.

Il secondo scritto è di Chiara Androne e riguarda come sono trattati gli anime e i manga su internet. Vengono analizzati i forum, i siti e i blog. Di ognuna di queste tipologie ne vengono citati e analizzati alcuni. Inoltre l'autrice fa alcune considerazioni interessanti, seppur troppo brevi, sui fansub e i mezzi che questi utilizzano per diffondere le “loro opere”, cioè il P2P.

Francesco Calderone fa una ricerca sui lettori di manga, lo studio ha analizzato anche altri aspetti complementari al manga: gli anime; i gadget; i libri; le colonne sonore o OST (BGM). Questo studio è stato eseguito su un campione di 150 persone e ha generato 3 tipologie (che vengono analizzate) di lettori di manga: i moderati; gli appassionati; i coinvolti. Personalmente non mi riconoscono per nulla in quella che dovrebbe essere la mia categoria, “i moderati”. Comunque la ricerca resta interessante. Nelle conclusioni si nota che nessuno delle 150 persone del campione può essere considerata un otaku, nell'accezione negativa giapponese, cioè un alienato sociale.

Il quarto scritto è forse il più interessante di tutti, è scritto da Asuka Ozumi e analizza le onomatopee (pare che ci siano più di 2000 onomatopee in Giappone) e gli ideofoni (ciuf ciuf, splash, sgrunt) nei manga e nei romanzi, e la loro difficile traduzione in onomatopee italiane (visto che nel nostro idioma vi sono solo 275 onomatopee).
Gli studiosi giapponesi fin dal 1978 hanno provveduto a definire per categoria le loro onomatopee.
Giongo: esprimono rumori della natura e suoni in generale, pinpon (il suono del campanello)
Giseigo: esprimono voci di essere umani o versi di animali, wanwan (l'abbaio del cane)
Giyogo: esprimono caratteristiche legate a sfere sensoriali differenti da quella uditiva relativa a esseri animati, urouro (bighellonare, gironzolare)
Gijogo: esprimono stati d'animo e sensazioni relative all'essere umano, zukinzukin (dolore acuto o pulsante)
Gitaigo: esprimono caratteristiche legate a sfere sensoriali diverse da quella uditiva relative a oggetti inanimati, kirakira (scintilio)
Tuttavia le categorie sono state semplificate a 2: giongo (giongo+giseigo) e gitaigo (gitaigo+gijogo+giyogo).
Vengono presi in esame un romanzo, Kitchen di Banana Yoshimoto, e due manga, Nana (vol 14) e Naruto (vol 30). Viene ben spiegato con esempi scritti come e perché sono state tradotte le onomatopee.
Nel romanzo le onomatopee sono state tradotte nel 1,4% dei casi con un'altra onomatopea; nel 9% con un avverbio; nel 28,3% con un aggettivo; nel 18,9% con un sostantivo; nel 10,4% con un verbo; nel 15,1% con perifrasi; nel 17% vengono omesse. Delle 365 onomatopee del romanzo l'85,7% erano gitaigo.
Nei 2 manga le onomatopee vengono tradotte con onomatopee italiane nel 17,4% dei casi; nel 1,1% con onomatopee inglesi; nel 48,4% con onomatopee italo-inglesi; nel 31,5% con traduzioni creative; nel 1,6% dei casi sono omesse. Nei 2 manga le 562 onomatopee erano per il 93,4% giongo e per il 6,6% gitaigo.
Le percentuali sono riferite al romanzo e ai 2 manga presi in esame.
In alcuni manga le onomatopee vengono lasciate in giapponese, in quei casi sarebbe necessario inserire una nota per la loro spiegazione.
Alla fine del libro sono riportate tre recensioni, la prima del libro Il fumetto in Giappone di Gianluca Di Fratta. La seconda sulla terza edizione di Mazinga Nostalgia di Marco Pellitteri (un po' di sano conflitto d'interessi). La terza sulla collana I Love Anime della Iacobelli Edizioni. In quest'ultima riferiscono correttamente che il prossimo numero sarà su Gundam, ma non scrivono che la collana non sarà più questa, ma Japan File.
Infine la top 10 (come è scritto nel libro) dell'informazione su anime e manga del web.
Visto il costo ragionevole del libro vale la pene di essere acquistato, e letto, ovviamente.

Generazione Goldrake
di Gianlorenzo Barollo, non c’è scritta la casa editrice, pagine 64, costo 6€, anno 2008, formato 24 cm X 16 cm

Questo è un breve libro scritto col cuore, non troverete nuove informazioni, ma molti ricordi per chi visse quel periodo. Non si parla solo di Goldrake, anche se è il tema principale, vengono raccontati anche alcuni degli altri robottoni, ma in particolare viene ben reso quel clima.
Riporto da pagina 4 del libro:

“Una sala da pranzo nel cuore della Lombardia al limitare della cena. Compiti finiti o quasi. Sul fornello una pentola, vapori di sugo nell’aria e tintinnare di posate per il rito dell’apparecchiamento. I ragazzini indugiano svogliati, scansando il richiamo alla deposizione di forchette e tovaglioli. Gli occhi indagano la Guida tv, bibbia tascabile dell’intrattenimento serale. Sfogliano le pagine dalla quadricomia leggermente sbavata, zeppe di orari e titoli in caratteri microscopici, foto formato santino e succulenti scampoli di trama. Obbiettivo: costruire il palinsesto serale.
I ragazzini parlottano: già a scuola si vociferava di un nuovo cartone animato, una novità accompagnata da una ventata di critiche. Si dice che è un “cartone” che parla di ufo, ma ci sono mostri che si sparano e si ammazzano. La mamma interviene: “Roba da bambini, voi siete grandi ormai”. E’ vero. Dieci e otto anni, parecchie ore di tv e film all’attivo, gesta disneiane ormai ripudiate come infantili per rincorrere i film di guerra e avventura: Steaven Spilberg aveva sfoderato “Lo squalo” e George Lucas aveva fatto il botto col primo “Guerre stellari”. Inoltre il primo “invasore” nipponico, la pastorella Heidi, non era piaciuto granchè: troppo lacrimoso. Meglio ancora l’astuzia di Vicki il vichingo e la gioiosa anarchia dei Barbapapà.
Del resto le trame dei cartoni animati, dopo l’urlo rabbioso di Sandokan, sembrano arrancare ripsetto alla variegata proposta di sceneggiati e telefilm: fantascienza, mistero, polizieschi, commedie serviti nel formato del piccolo schermo. Ossia il carisma gigione di “Attenti a quei due”, l’angoscia minacciosa dell’invasione di “UFO”, gli enigmi avventurosi di “Spazio 1999”, il “ciupa” autoironico del tentente “Kojak” e poi lo stiloso “Happy Days”, la scoppiettante famiglia Bradford ecc.
Intanto il babbo pendolare rientra a casa dopo la scarpinata dalla stazione. Saggiamente non dà peso alla disputa, basta che gli venga assicurato almeno un tg serale. Così va a prepararsi per la cena raccomandando un aiuto per la mamma. Ma l’ora X s’avvicina. Su Rai uno il telefilm già iniziato. Gli interrogativi e le esortazioni si accavallavano. “Dai, vediamo come va a finire, l’abbiamo visto fin qui”. “Ma sta per cominciare l’altro, almeno guardiamo com’è”. A quel punto nella concitata spola da un canale all’altro – rigorosamente senza telecomando- irrompono squillando le fanfare di Vince Tempera: Tataratat. “Ufo robot, ufo robot”. Le sirene colpiscono col loro canto: La sigla incanta con un incalzare rutilante di colorati e pittoreschi personaggi che volteggiano e colpiscono. Combattimenti di robot all’arma bianca, dischi volanti e raggi distruttori per una sarabanda soltanto apparente. Dietro si cela una regia misurata nello sforzo, ma tesa al massimo della spettacolarità. I dubbi sono fugati, la famiglia è riunita: davanti il piatto fumante, lo sguardo prigioniero delle gesta di Goldrake.

A parte qualche errore, tipo la famiglia Bredford, che arrivò dopo, o il colore dei personaggi, le tv erano in bianco e nero, direi che è più o meno quello che successe.
Tenendo conto del prezzo esiguo per i tempi che corrono, solo 6€, questo libricino merita l’acquisto.

Super Robot Anime, eroi e robot da Mazinga Z a Evangelion,
di Arianna Magnato, Casa ed. Yamato Video, pagine 127, costo 15,44 €, anno 1999, formato 20 cm X 14 cm

Un piccolo (ma non per il prezzo) ed interessante saggio sui robottoni. Ben fatto, tratta i vari generi e i periodi in modo stringato ma esauriente.

Animeland, viaggio tra i cartoni made in Japan,
di Davide Castellazzi, Casa ed. Tarab, pagine 195, costo 32000 Lire, anno 1999, formato 21 cm X 14 cm

In questo saggio gli anime non sono trattati dal punto di vista sociologico o psicologico, ma sono semplicemente raccontati. Vengono elencate le serie tv e, brevemente, riassunte le trame. Gli anime sono divisi per genere (robottoni, fantascienza, fantasy, horror, orfani, sport, guardie&ladri, ninjia etc) e i per ordine cronologico, quindi all’interno del capitolo sui “robottoni” verrà prima Mazinga Z e per ultimo Brain Powerd. Si può dire che il libro sia un volo breve e piacevole su gran parte del panorama degli anime.

Mazinga Nostalgia, storia, valori e linguaggi della Goldrake-generation (prima edizione),
di Marco Pellitteri, Casa ed. Castelvecchi, pagine 442, costo24000 Lire, anno 1999, formato 23 cm X 14 cm

In assoluto il mio libro preferito. Tratta tutti gli aspetti dei cartoni. Nella prima parte tratta in maniera veloce dei fumetti italiani e dei cartoni e telefilm americani. Nella seconda parte affronta l’invasione degli anni ’70 e ’80 degli anime. Li divide per genere, affronte la censura e le polemiche che ai tempi, ma anche oggi, suscitarono. Contesta i luoghi comuni, tipo il sesso,la violenza e l’uso della computer grafica. Parla dei disgraziati adattamenti fatti in Italia, specialmente ad opera della Valeria Manera. Tocca un argomento che non è trattato da nessun altro saggio, le musiche, sia quelle originali che quelle italiane. Vengono riportate tutte le sigle italiane divise per cantanti/gruppi. Per ultimo contiene 40 schede su altrettante serie classiche, con le trame e i risvolti psicosociologici.
Da comprare assolutamente.

Nipponcartoon, immagini, miti, strategie
di Deodata Cofano, Casa ed. FrancoAngeli, pagine 104, costo 24000 Lire, anno 1999, formato 22 cm X 14 cm
Questo è un CultBook, ma alla rovescia. Dovete leggerlo non per la sua bellezza, ma per la sua bruttezza. L’autrice fa un’analisi psicologica degli anime, analizzandone vari aspetti : Il cavallo di Troia dei prodotti giapponesi - La propaganda dei miti giapponesi-La tecnica-I contenuti religiosi, filosofici, ecologici, sociali, antropologici, pedagogici, emotivi, erotici-I caratteri psicosessuali-I bambini, ovvero i tipi orali-Gli adolescenti, ovvero i tipi anali-I giovani adulti, ovvero i fallico-genitali. Il deviante: Lupin,I modelli femminili e la donna androgina
Ovviamente io non sono in grado di valutare le conclusioni psicologiche che l’autrice elucubra, ma posso dare un giudizio sugli esempi che ella porta a suffragio della sua teoria. Una serie di luoghi comuni e di inesattezze quasi senza fine, ci si chiede se l’autrice abbai mai visto le serie di cui straparla. Il seguente passo riporta un concetto più volte ribadito : “La tecnica di animazione, veloce ed economica, è infatti ottenute con l’uso del computer che predispone le immagini come nei videogame. Le immagini piuttosto rigide così ottenute, vengono integrate con frequenti effetti sonori, che talvolta sostituiscono completamente il movimento filmico.” Questa considerazione è riferita agli anime degli anni ’70 ! Penso che il computer in quegli anni lo usasse solo la NASA ! Per l’autrice usare il computer per i disegni è uno scandalo, quando, parecchi anni dopo, lo farà la Walt Disney sarà considerata da tutti una cosa meritoria. V’invito a comprare questo libro per sincerarvi voi stessi della quantità d’errori che contiene, l’unica pecca del mio invito è che, in questo modo, si arricchirà l’autrice. Concludo informandovi che l’autrice è una consulente per le tv private , per le quali tiene corsi e seminari sulla comunicazione interpersonale e sui rapporti tra media ed infanzia. In pratica se una serie non viene trasmessa o viene pesantemente censurata, probabilmente lo sarà stato per l’illuminato consiglio di consulenti come questi.

Vite Animate, i manga e gli anime come esperienza di vita,
di Filippi e Di Tulio, Casa ed. King Saggi, pagine 246, costo 12 €, anno 2002, formato 23 cm X 14 cm

Altro bel saggio. In particolare viene analizzato non l’anime, ma il fruitore/trice, cioè noi.
Dall’otaku in generale, sia in Giappone che in Italia, alle fiere e ai cosplay. Tema raramente toccato nei saggi, specialmente perché tratta del cosplay in Italia. Infine una parte dedicata a noi appasionati, dove vengono riportati molti scritti di ragazzi tratti da lettere alla posta dei manga o da siti internet. Ci troverete le cose che di solito andiamo affermando durante le chiaccherate tra “otaku”.

Cuore e Acciaio, estetica dell’animazione giapponese,
di Marcello Ghilardi, Casa ed. Esedra Editrice, pagine 200, costo 16 €, anno 2003, formato 20 cm X 13 cm

Altro bel saggio. Dopo una prima introduzione agli anime e alla cultura giapponese, l’autore analizza i topoi che ricorrono più spesso negli anime, per esempio :
-Attraverso lo schermo: spazio e tempo negli anime
-Votati alla morte: il senso del dovere e il sacrificio di se
-Non solo robot: tecnica e progresso negli anime
Infine analizza i contenuti di alcune serie tv e di film:
Gundam; Alexander; Akira; Patlabor II; Ghost in the shell; Mononoke Hime; Jin-ro
Concludo riportando la dedica dell’autore :
“Ai miei genitori, che mi hanno sempre lasciato guardare i cartoni – e mi hanno insegnato ad amare la vita”

Hayao Miyazaki, il dio dell’anime,
di Alessandro Bencivenni, Casa ed. Le mani, pagine 153, costo 15 €, anno 2003, formato 21 cm X 14 cm

Un bel saggio sulle opere di Miyazaki: Lupin III, Conan, Nausicaa, Sherlock Holmes, Laputa, totoro, Kiki’s Delivery Service, Porco Rosso, Mononoke Hime, la Città Incantata. La filmografia di Miyazaki con i ruoli da lui ricoperti in ogni opera, in “Wan Wan Chushingura” anno 1963 partecipò come intercalatore, etc.

All’ombra del Fuji-Yama, l’anima degli anime,
di Alessia Martini, Casa ed. Il Foglio, pagine 216, costo 8 €, anno 2003, formato 21 cm X 14 cm

Questo non è un saggio scientifico, ma è un libro scritto con il cuore, vale veramente la pena di essere letto. Non troverete notizie uniche, magari qualche curiosità, però sarà una lettura divertente.
Le serie tv sbarcate in Italia sono divise per anno, dal 1978 al1988. Non ci sono tutte le serie, ma quelle che, evidentemente, colpirono l’autrice. Nella scheda dell’anime non c’è sempre lo stesso tipo di notizia e neppure la lunghezza delle schede è la medesima. In alcuni ci sono i testi delle sigle italiane e in altre no. Alcune schede sono di qualche pagina e altre di poche righe. Troverete un riassunto della trama, qualche curiosità e le considerazioni dell’autrice.

L’incanto del mondo, il cinema di Miyazaki Hayao,
di Anna Antonini, Casa ed.il principe costante, pagine 146, costo 12.50 €, anno 2003, formato 20 cm X 14 cm

I n questo saggio le opere di Miyazaki vengono affrontate puntando l’attenzione sui personaggi delle sue storie, le donne (bambine, ragazze, donne e madri, nonne, balie e sciamane) e le figure maschili (veri nemici, falsi avversari, compagni d’avventura, padri e mentori, le molte incarnazioni di un solo nonno). Anche qui non mancano le schede filmografiche, Lupin III e il castello di Cagliostro, Nausicaa, Laputa, Totoro, Kiki’s Delivery Service, Porco Rosso, Mononoke Hime, La Citta Incantata. Questo saggio, insieme all’altro su Miyazaki, permette di avere un’esauriente conoscenza delle opere del Maestro.

I Robottoni, dalle corna di go Nagai,
di Alessia Martini, Casa ed. Il Foglio, pagine 201, costo 12 €, anno 2004, 21 cm X 14 cm

Ecco la seconda fatica di Alessia Martini, e, a differenza del suo primo libro, anche per me è stata una fatica leggerlo. Non per la complessità del libro, ma per la sensazione di sequel che ti assale durante la lettura, tipo Rocky 6. Nella prima parte c’è un saggio sui robot nella leteratura, nel cinema e nel fumetto, questa parte sembra un tantino avulsa dal resto del libro. Nella seconda parte ci sono le schede di 14 robottoni, da Mazinga Z a Golion. Anche qui, come nel suo primo libro, trovere un riassunto della trama, qualche curiosità e le considerazioni dell’autrice.

Con gli occhi a mandorla, sguardi sul Giappone dei cartoon e dei fumetti
di Roberta Poniciello e Susanna Scrivio, casa ed. Tunuè, pagine 230, costo 14,50 €, anno 2005, formato 19 cm X 14 cm

Ottimi saggio che prende in esame sia l’animazione che i manga, ma anche alcuni aspetti della vita quotidiana giapponese, come l’abitazione, la famiglia, l’abbigliamento, le strade e i mezzi di trasporto, la scuola. Inoltre contiene una parte interessantissima sulla violenza negli anime, o meglio dimostra quanto relative sia le polemiche su ciò. Il libro è fatto da molti saggi più o meno lunghi su temi differenti tra loro, e ciascuno di essi merita di essere letto.

Anime, cartoni con l’anima
di Eleonora Benecchi, casa ed. Hybris, pagine 228, costo 15 €, anno 2005, formato 21 cm X 16 cm

Bel saggio sugli anime, che punta l’obbiettivo soprattutto sui linguaggi dell’animazione giapponese e sul second impact (cioè la rinascita in Italia delle serie animate alla fine degli anni 90). Molto interessante in particolare il capitolo che riguarda gli adattamenti e le censure, da leggere.

Il grande libro dei cartoni&tv, entra nel mondo degli anime
di Nicola Ryan Carrassi, casa ed. Sperling Paperback, pagine 294, costo 11,50 €, anno 2005, formato 22 cm X 15 cm

Un libro scritto da quello che dovrebbe essere un esperto di anime, un poco come considerare Jack lo squartatore un patologo legale…Nel libro sono presenti numerose schede di anime. L’autore giustifica le censure e le localizzazioni (cambio dei nomi) che hanno stravolto tante serie degli anni 80 e 90. Arrivando ad elogiare la direttrice dei programmi per ragazzi di Mediaset, Alessandra Valeri Manera per la sua opera di “massacro”. Modo di ragionare illuminante del valore che chi sceglie gli anime da trasmettere da all’opera originale giapponese. La parte finale del libro contiene una sezione, direi valida, che riguarda i doppiatori e i personaggi a cui hanno dato la voce.

Yattaman, Calendarman e le altre Time Bokan
di Fabio Erba, casa ed. Newbokan.net (?), pagine 170, costo 18 €, anno 2005, formato 25 cm X 18 cm

Imperdibile opera sui personaggi della Tatsunoko. Qualsiasi curiosità abbiate questo libro la soddisferà. Ci sono addirittura le sinossi delle puntate trasmesse in Italia! Un libro maniacale, ma nel senso positivo del termine.

Ufo Robot Goldrake, storia di un eroe nell’Italia degli anni ottanta
di Alessandro Montosi, casa ed. Coniglio Editore, pagine 212, costo 14,50 €, anno 2007, formato 19 cm X 14 cm

Un saggio impossibile da perdere, non solo per gli appassioni di Goldrake, ma per tutti gli amanti degli anime. L’autore racconta succintamente le storie di Mazinga Z e del Grande Mazinga, in modo da rendere più comprensibile la parte su Goldrake, che è veramente esauriente. Il libro rende bene cosa Goldrake rappresentò per i bambini del 1978, comprese le polemiche nazionali che suscitò il cartone.

Robot, fenomenologia dei giganti di ferro giapponesi
di Gianluca Di Fratta, casa ed. L’Aperia, pagine 194, costo 14,50 €, anno 2007, formato 21 cm X 15 cm

I robot in tutti i loro aspetti. Ben poco dei robottoni che ci appassionano e tanto di tutti gli altri aspetti a loro legati. Personalmente non lo ho trovato un gran bel libro, direi di difficile lettura.

Anime University, l’improbabile scienza dei cartoni animati giapponesi
di Rikao Yanagita, casa ed. Kappa Edizioni, pagine 190, costo 15 €, anno 2007, formato 21 cm X 15 cm

Libro leggero e divertentissimo. Cosa succederebbe se si applicassero le regole scientifiche “reali” ai personaggi degli anime? Una vera ecatombe… Da segnalare i capitoli riguardanti Koji Kabuto e il suo Mazinga Z, la gravità artificiale nelle navi spaziali, gli agganciamenti dei robot, i pugni a razzo, l’altalena di Heidi, Conan e Lana, le spade invincibile e le sciabole a raggi.

Anime, storia dell’animazione giapponese 1984-2007
di Andrea Fontana e Davide Tatò, casa ed. Il Foglio, pagine 217, costo 15 €, anno 2007, formato 21 cm X 15 cm

Un saggio dal taglio critico/cinematografico incentrato sugli anime degli ultimi 20 anni, compresi quelli recentissimi, pregio del libro. Volendo essere un libro essenzialmente di critica cinematografica la terminologia è specialistica, quindi, qualche volta, un tantino ostica per chi non ha conoscenze specifiche del settore. Si prendono in esame principalmente le opere create per il cinema e gli OAV, ma anche per il mercato televisivo. L’ultimo anno preso in considerazione è il 2006, quindi non si troveranno anime del 2007.
Gli autori quasi mai svelano il finale della serie analizzata, non per quelle recenti.
Ecco alla rinfusa alcuni titoli recenti (2005/2006) degni di nota secondo gli autori:
Kemonozume; Il cavaliere d’Eon; Code Geass; Ergo Proxy; Ayakashi Japanes Classic Horror; La regina delle nevi; I Miserabili; Afro Samurai; Origine; Pale Cocoon; Lei ed il suo gatto; La voce delle stelle; Karas; Speed Grapher; Mushishi; Eureka 7; Blood +; Zettai Shonen; Emma, un romanzo vittoriano; Il conte di Montecrito;

The art of emotion, il cinema d’animazione di Isao Takahata
di Mario A. Rumor, casa ed. Guaraldi Editore e CartoonClub, pagine 398, costo 20€, anno 2007, formato 19 cm X 15 cm

Ultimamente, quando si parla di cinema d’animazione d’autore, l’attenzione della critica è sempre rivolta a Miyazaki. Questo saggio, invece, è tutto incentrato sulle opere (cinematografiche e televisive) del suo Maestro, Isao Takahata.

Vengono prese in esame tutte le serie televisive a cui ha partecipato anche per pochi episodi, ma l’obbiettivo è puntato maggiormente sulle 3 serie più importanti. Heidi, Marco ed Anna dai capelli rossi.
L’approfondimento su Heidi ed Anna dai capelli rossi è imperdibile.

L’analisi dei suoi film è ancor più dettagliata.
Da il suo primo lungometraggio da regista, “La spada del sole, la grande avventura di Hols”, che fu anche il primo film d’animazione giapponese con contenuti pensati per giovani ed adulti. Prima di questo film l’animazione era rivolta solo ai bambini (tipo Walt Disney).
Proseguendo con “Jarinko Kie”, “Goshu il violoncellista” e “Una tomba per le lucciole”, “Omohide Poroporo”, “Heisei Tanuki Gassen Pompoko” .
Il saggio è godibile ed interessante. Visto anche il prezzo non esoso va letto per forza.

Conoscere l’animazione, forme, linguaggi e pedagogie del cinema animato per ragazzi,
di Marco Pellitteri, casa ed. Valore Scuola Cooperativa, pag. 240, costo 12,5€, anno 2004, formato 29 cm X 15 cm

Lo si può considerare un Mazinga Nostalgia (noto saggio sempre di Pellitteri) più asciutto.

Il saggio può essere suddiviso in due parti. Nella prima parte (quella che secondo me assomiglia più a Mazinga Nostalgia) si fa la classica analisi dell’animazione, concentrando l’attenzione sugli adattamenti, le censure e le polemiche scatenate dagli/sugli anime (parte molto interessante e valida specialmente per i non informati sul tema, gli “adulti ignoranti”. Ignoranti perché “ignorano”).
La seconda parte è rivolta agli insegnanti (non per nulla questo saggio fa parte della collana “Biblioteca dell’insegnante”). Quindi sono (ri) spiegati i vari tipi di animazione esistenti: disegni animati, découpage, stop-motion, computer animation, disegni con la sabbia, pixillation. Si passa quindi alla parte didattica sul campo, come fare un cartone animato.

Questo saggio, pur non essendo nulla di innovativo, ha il pregio di rivolgersi agli “educatori”. Quindi potrebbe essere consigliato anche ai genitori che nutrono qualche diffidenza sugli anime o che hanno la curiosità di approfondire il tema.
La reperibilità del saggio potrebbe essere problematica (visto che è uscito nel 2004 per una casa editrice sconosciuta), io l’ho casualmente trovato allo stand della casa editrice Tunué, quindi immagino che da loro, alle fiere o sul loro sito, sia disponibile.

Il drago e la saetta, modelli, strategie dell’animazione giapponese
di Marco Pellitteri, casa ed. Tunuè, pag. 575, costo 28€, anno 2008, formato 23 cm X 15 cm

Direi che questo lo si può considerare un gran bel tomo, non solo per il numero di pagine, ma anche per l’esaustività con cui tratta come l’animazione (prima) e il fumetto (poi) giapponese hanno influenzato la società italiana e i suoi fruitori. Pellitteri individua 2 strategie identificabili col drago (Goldrake), per la prima invasione degli anime, e la saetta (Pikachu e quindi i Pokemon), riguardo il periodo che arriva a fino ai giorni nostri. Il saggio prende in considerazione, oltre all’Italia, anche altri paesi europei, in particolare la Francia, che pare abbia avuto una storia simile alla nostra per quanto riguarda gli anime. Il saggio analizza, oltre gli anime (focalizzandosi in particolare su Goldrake) ed i manga, anche la cultura kawaii, la J-pop (la cultura di massa giapponese), la cultura robotica giapponese, i videogiochi (in modo non approfondito). Tutti questi temi non solo vengono valutati nell’ottica giapponese, ma anche in quella italiana. Ci sono analisi approfondite sui consumatori italiani di anime e manga. Contiene anche un capitolo sulla saggistica italiana ed internazionale sul tema anime e manga.

Ecco un aneddoto (pag. 315) su Goldrake, di seguito si racconta come fu acquisita la serie durante una fiera specializzata nel novembre del 1977:
“Sui volantini campeggiava la titolazione <> . La parola “atlas” in francese significava, in quel contesto, “volantino”, “guida”: era il riferimento al materiale documentativo-illustrativo per la presentazione del prodotto; gli acquirenti della Rai non lo capirono ed ecco il bizzarro motivo a cui si deve il titolo italiano”.

Il saggio è abbastanza tecnico, la prima parte si concentra sulla globalizzazione culturale e l’ho trovato un tantino pesante, sensazione che scompare per gli altri capitoli. Personalmente ho incontrato qualche difficoltà di lettura, proprio per i termini tecnici e i concetti sociologici, ma chi ha una conoscenza maggiore di questi temi non avrà problemi. Inoltre contiene citazioni di altri saggi in lingua originale (inglese e francese), Questo fatto lo considero l’unico lato (estremamente) negativo, anche perché queste citazioni in lingua originale sono pienamente parte del saggio. Non comprendo quale costo o problema avrebbe comportato la traduzione di queste parti, specialmente in un libro che consta già di 575 pagine e costa già 28€.

Mazinga nostalgia, storia valori e linguaggi della Goldrake-generation 1978-199 (TERZA EDIZIONE)
di Marco Pellitteri, casa ed. Coniglio Editore, pagine 510, costo 24€, anno 2008, formato 25 cm X 19 cm (rilegato)

Questa è la terza edizione del libro di Pellitteri, la seconda non la comprai perchè mi sembrò superflua, questa l'ho presa perchè è una bella edizione con la copertina rigida.

Leggendo la premessa scritta dall'autore per questa terza edizione del 2008 ho capito che i contenuti del libro non cambiano, nulla di fondamentale è stato aggiunto. Anzi, ha tolto volontariamente suoi giudizi che negli anni ha considerato troppo forti.

Riporto dalla prefazione a questa edizione 2008, pagina 12:
"Devo anmmettere che oggi ci sono moltissimi punti del volume in cui non mi riconosco più. Dai 25 ai 34 anni è inevitabile che una perdona cresca e, nei limiti delle sue possibilità, maturi.
Questo grazie al cielo è successo pure a me. Lo stile con cui avevo scritto questo libro era polemico, enfatico a tratti quasi attaccabrighe: in certi punti, a rileggerne oggi la prima edizione del 1999, quasi mi sembra passibile di querela."

Quindi deve aver smussato parecchi giudizi negativi su chi criticava gli anime, motivo per il quale mi era piaciuto tanto il libro, oltre ad essere molto valido. Altro cambiamento, sempre letto sulla prefazione, ci sono meno foto della prima edizione del 1999.

Ultima cosa, nel 1999 lo avevo pagato 24000£ oggi 24€...

Faccio copia ed incolla della recensione che feci per la prima edizione, pur non avendo letto questa nuova edizione e non sapendo quanto l'autore si sia "autocensurato".
Ne consiglio comunque l'acquisto a chi non lo ha mai letto.

In assoluto il mio libro preferito. Tratta tutti gli aspetti dei cartoni. Nella prima parte tratta in maniera veloce dei fumetti italiani e dei cartoni e telefilm americani. Nella seconda parte affronta l’invasione degli anni ’70 e ’80 degli anime. Li divide per genere, affronte la censura e le polemiche che ai tempi, ma anche oggi, suscitarono. Contesta i luoghi comuni, tipo il sesso,la violenza e l’uso della computer grafica. Parla dei disgraziati adattamenti fatti in Italia, specialmente ad opera della Valeria Manera. Tocca un argomento che non è trattato da nessun altro saggio, le musiche, sia quelle originali che quelle italiane. Vengono riportate tutte le sigle italiane divise per cantanti/gruppi. Per ultimo contiene 40 schede su altrettante serie classiche, con le trame e i risvolti psicosociologici.
Da comprare assolutamente.

Manga Academica vol. 1, rivista di studi sul fumetto e sul cinema di animazione giapponese
casa ed. Società Editrice La Torre, pagine 134, costo 10,50€, anno 2008, formato 20 cm X 15 cm

In pratica questa collana (siamo al volume 1) vorrebbe essere, e speriamo che sia, una pubblicazione delle tesi e degli articoli relativi a convegni e a conferenze sui manga e gli anime. Tesi ed articoli che altrimenti rimarrebbero relegati a pochi. Un'idea meritoria che mi auguro continui. In questo primo numero ci sono i seguenti articoli:
1)Un saggio introduttivo di Gianluca Di Fratta su gran parte dei saggi pubblicati in Italia inerenti a manga/anime/Giappone. In pratica quello che è contenuto in questo topic;
2)Un approfondimento di Lucia Massimino sulle opere di Masamune Shirow e il cyberpunk, in particolare su Appllessed e Gost in the Shell;
3)Un interessante articolo di Nicoletta Preziosi sulle politiche editoriale delle case editrici giapponesi di manga;
4)Infine la traduzione italiana (a cura di Emilia Disclafani) e relativi commenti sull'opera di 2 numeri (il primo numero "I nuovi alunni" e "Il gioco assurdo") del primo manga di successo (e di scandalo) di Go Nagai, Harenchi Gauken (La scuola spudorata). Considerando che è stato pubblicato ala fine degli anni 60 è abbastanza forte, penso che da noi non verrebbe pubblicato neppure oggi.
5)Le recensioni di 2 recenti saggi, Il Drago e la Saetta e Gashapon Hunter.

Ho trovato questa pubblicazione solo alla Borsa del fumetto di Milano.

Oshii Mamoru, le affinità sotto il guscio<br />di Davide Tarò, casa ed. Morpheo Edizioni, pagine 234, costo 14€, anno 2006, formato 22 cm X 14 cm

Questa non è una biografia sul regista, ma un saggio sulle sue opere e sul modo in cui esprime i suoi topoi. Vengono analizzate in particolare:
la serie di Lamù e i 2 film che diresse Oshii, “Lamù only you” e “Beautiful Dreamer”;
Angel's egg;
The red spectacles; (da quel che leggo un film da vedere)
Twilight Q 2: Labyrinth objects file 538;
Patlabor, prima serie di OAV e i primi 2 film;
Stray dog Kerberos panzer cops (film live); (anche questo da vedere)
Ghost in the shell;
Jin-Roh la brigata dei lupi;
Blood the last vampire;
Avalon; (pure questo pare meriti)
Ghost in the shell, Innocence.
Personalmente ho visto pochi film di Oshii Mamoru, oltre alla serie di Lamù (non i film) i 2 Ghost in the shell e Jin-Roh (stupendo, ve lo consiglio). Quindi non saprei valutare appieno il libro. A quanto pare ci sono dei temi e soggetti ricorrenti nei suoi film, il cane (selvatico), i gatti (come opposto dei cani), la trasformazione della donna, l'uovo, le lenti rosse. La terminologia talvolta è comprensibilmente cinematografica, quindi un pelino ostica per chi non ha conoscenze in merito. Libro consigliato ai fan di Oshii Mamoru.

Hayao Miyazaki, le insospettabili contraddizioni di un cantastorie
di Alessia Spagnoli, casa ed. Sovera Edizioni, pagine 176, costo 16€, anno 2009, formato 21 cm X 15 cm

11 capitoli per cercare di analizzare le opere di Hayao Miyazaki. Il saggio prosegue per parallelismi tra i suoi personaggi (di film e serie), inoltre riporta numerosissimi brani di interviste di Miyazaki (e qualcuna, anche molto critica,di Momoriu Oshii su Miyazaki e Takahata).
Anche l'ultimo film dello Studio Ghibli, Ponyo, è valutato ampiamente, in più alla fine del libro sono presenti numerose immagini a colori di Ponyo.
Scrivendo i titoli degli 11 capitolo penso di dare una buona idea di cosa contiene il saggio:
1
Nausicaa e Mononoke: principesse guerriere in un mondo alla deriva

2
Laputa e Howl: castelli vaganti nei cieli

3
Kiki e Chihiro: la preadolescenza come viaggio di emancipazione

4
Totoro e Ponyo: la solitudine dei bambini di fronte al dolore

5
Lupin III e Porco Rosso: l'antieroico gentiluomo di un cinefilo

6
Conan: l'inizio è la fine, la fine è l'inizio

7
Lupin III: il ladro di Miyazaki che amava la pace

8
Sherlock Holmes: il duello a colpi d'ingegno prosegue dall'altra parte della barricata

9
Jurij Norstejn: la fonte delle fonti cui attingere

10
Miyazaki e il suo doppio, Isao Takahata

11
Sul doppio e Miyazaki

Ogni capitolo è pieno di spunti interessanti (qualche volta un pelino ostici, almeno per me...) e notizie particolari. Come che Miyazaki e Takahata non sono poi amicissimi. Che Miyazaki si identificò così tanto in Lupin III da ritrarre se stesso nelle puntate 13 (fa il prete), 15 (si mescola alla folla in aereoporto) e 23 (si ritrae al volante della sua 2CV). Che Miyazaki non usa strumenti tecnologici, dal pc al lettore DVD, neppure il videoregistratore. Che Goro Miyazaki (il figlio) dovendo dargli un voto come padre gli darebbe zero (100 come regista). Che Miyazaki e Takahata sono molto duri con i registi emergenti (lo furono con Momoru Osii). Che i 3 scritti prima stavano per fare un film assieme, ma poi litigarono (Miyazaki e Takahata contro Momoru). Che il regista di film russi d'animazione Jurij Norstejn è il più rispettato ed ammirato dal duo Miyazaki-Takahata.
Le analisi sono più difficli da riportare.
Bel libro (con qualche refuso) che merita di essere letto.
Lo si può reperire presso le librerie Feltrinelli

Carta e ossa, dalle pagine di un fumetto ai fotogrammi di una pellicola
di Alessia Martini, casa ed. Edizioni il Foglio, pagine 118, costo 15€, anno 2008, formato 21 cm X 15 cm

Questo è il terzo libro sugli anime di Alessia Martini (All'ombra del Fuji Yama e I robottoni – dalle corna di Go Nagai). Dovrebbe essere incentrato sulle differenze tra la versione manga e quella animata di alcune serie, dalle serie amorose a quelle sportive, passando dalle umoristiche a quelle super eroiche, di magia e sportivi. Prendendo in esame serie con protagoniste femminili, Lady Oscar, Heidi, Candy Candy, Jenny etc etc. Anche una buona idea, però secondo me non è riuscito tanto bene, anzi, maluccio. Le notizie riportate sono quelle che più o meno si ritrovano su internet o su altri saggi, infatti ci sono molte citazione (correttamente riportate) di libri di Pellitteri. Talvolta il soggetto del libro in quel capitolo si perde, con divagazioni su altro, senza un filo logico. L'ultimo capitolo punta molto l'attenzione sulla trasposizione cinematografica dei fumetti DC Comics e Marvel, piacciono anche a me, ma non c'è relazione con gli anime. Mentre si poteva scrivere dei film tratti da anime o manga, come Devilman, Kyashan, Superauto Mach 5 etc. Il suo primo libro raccontava degli anime passati in tv negli anni 70/80, bel libro. Il secondo dei robottoni, libro così così. Questo terzo delle eroine femminili, libro bruttino. Speriamo nel quarto.

Satoshi Kon, il cinema attraverso lo specchio
di Enrico Azzano Andrea Fontana Davide Tarò, casa ed. Edizioni il Foglio, pagine 264, costo 15€, anno 2009, formato 21 cm X 15 cm

Un saggio a più mani, oltre dei 3 autori il libro contiene gli scritti di altri, che analizza le opere di Satoshi Kon.
Essendo un saggio di critica cinematografica i termini e i rimandi ai film e registi contemporanei (soprattutto di film live europei e americani) saranno meglio compresi da chi ne ha una buona conoscenza. Spesso nel libro, per esempio, si paragona il cinema di Satoshi Kon con quello di David Linch, chi conoscerà meglio i film di quest'ultimo potrà comprendere tali affinità.

Il saggio è diviso in 2 parti, nella prima vengono analizzati i film (Perfect Blue, Millenium Actress, Tokyo Godfathers e Paprika) e l'unica serie tv, Paranoia Agent. Nella seconda parte ci sono gli approfondimenti.

Il primo capitolo è scritto da Brian Ruh e tradotto appositamente (credo) per questo libro, viene preso in esame il primo film di Satoshi Kon, Perfect Blue. Questo primo capitolo l'ho trovato abbastanza incomprensibile, non so se per mie carenze culturali o per la traduzione.

Il secondo capitolo su Millenium Actress è a cura di Alessia Spagnoli, ed è veramente bello.
Tra le tante considerazioni (che non riporto) l'autrice nota che questo film è il più miyazakiano di Satoshi Kon. E' ambientato durante una guerra, la protagonista è contemporaneamente giovane e vecchia (come nel Castello errante di Howl), sono presenti personaggi artisti, come il pittore misterioso di cui la protagonista s'innamora (artisti come lo sono Kiki e il mago di Howl, seppur artisti della magia). Inoltre questo lungometraggio nelle intenzioni di Kon è il film sorella di Perfect Blue, ma di impronta opposta, positivo rispetto al tetro Perfect Blue. Entrambe le protagoniste sono attrici, ma la idol di Perfect Blue è vittima degli eventi, mentre l'attrice di Millenium Actress decide del proprio futuro.

Il terzo capitolo su Tokyo Godfathers è di Stefano Gariglio, ed anche questo è molto bello e pieno di spiegazioni esaustive ed interessanti sul film.
Tokyo Godfathers prende spunto dal romanzo del 1913 di Peter Kyne “The Three Godfathers”. Libro da cui venero prodotti altri film, uno su tutti quello di John Ford “In nome di Dio-il texano”, ma anche “L'era glaciale” ripercorre la medesima trama. Questo è il film più ottimista di Kon, il classico film natalizio alla “La vita è una cosa meravigliosa” di Frank Capra.

Il quarto capitolo su Paranoia Agent (da vedere assolutamente!) è di Enrico Azzano, ed è un capitolo interessantissimo.
Vengono analizzate, seppur brevemente, tutte le 13 puntate dell'unica serie di Kon, permettendo di capire meglio gli originalissimi spunti che essa contiene. Non anticipo nulla per non rovinare la serie a chi non l'ha (colpevolmente) ancora vista. Enrico Azzano nota che Satoshi Kon è l'unico regista di film d'animazione che è passato a una serie televisiva, di solito il processo è inverso e senza più ritorno. Miyazaki, Takahata, Momoru Oshii hanno iniziato tutti con serie tv, sono poi passati al cinema per esprime meglio la propria arte, e non sono più tornati sul piccolo schermo (tranne per un paio di piccole incursioni di Miyazaki).

Il quinto capitolo su Paprika e di Matteo Boscarol, bel capitolo ma un po' complesso da comprendere (almeno per me), complesso come è in fondo il film stesso.
Come curiosità posso riportare che il film di Paprika è tratto da un romanzo di Yasutaka Tsui, che è lo stesso scrittore del romanzo da cui è stato tratto il lungometraggio “La ragazza che saltava nel tempo”.

A questo punto il libro passa alla seconda parte, gli approfondimenti, tutti molto validi ed interessanti.

Il sesto capitolo di Mario A. Rumor riguarda i manga di Satoshi Kon.

Il settimo capitolo di Raffaele Meale è sui messaggi e gli stili che Satoshi Kon adotta nei film.

L'ottavo capitolo di Andrea Fontana spiega le affinità e le differenze fra Satoshi Kon ed il suo “senpai” Katsuhiro Otomo.

Il nono capitolo di Luca della Casa ripercorre la carriera di Kon assieme alla casa di produzione giapponese che produce tutti i suoi film, la Madhouse, che grazie a Kon ha acquisito una fama mondiale.

Il decimo capitolo di Marcello Ghilardi analizza l'estetica delle opere di Kon.

L'undicesimo capitolo di Davide Tarò punta l'obbiettivo sul tipo di montaggio che Kon utilizza nei suoi film, un montaggio prettamente da film live.

L'ultimo capitolo, il dodicesimo, si focalizza su una tematica di solito poco approfondita (in qualsiasi film), il suono e le colonne sonore dei film di Kon. Si scopre, tra l'altro, che Kon si avvale quasi sempre del compositore Susumo Hirasawa per le colonne sonore e del sound designer Masafumi Mima per gli effetti sonori.