míol mór Male, 31. Treviso, Italy

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  “LA SCATOLA E LA CHIAVE
  Non ho la più pallida idea di che cosa siano”.

  Con piglio molto informale (a volte fin troppo per riuscire a carpirgli qualche segreto) David Lynch si racconta nel corso di 84 capitoli di una brevità al limite dell’aforisma, spaziando dall’autobiografia alla vocazio ... (continue)

  “LA SCATOLA E LA CHIAVE
  Non ho la più pallida idea di che cosa siano”.

  Con piglio molto informale (a volte fin troppo per riuscire a carpirgli qualche segreto) David Lynch si racconta nel corso di 84 capitoli di una brevità al limite dell’aforisma, spaziando dall’autobiografia alla vocazione artistica, dalla pittura al cinema, dalla confessione personale all’aneddotica, con un montaggio vagamente cronologico e tipicamente lynchiano.

  Molto spazio è accordato alla meditazione trascendentale, di cui Lynch è praticante entusiasta per i suoi benefici sulla vita quotidiana, e in particolare sulla creatività. La meditazione “ti accompagna in un oceano di coscienza pura, di ricettività pura. È familiare, però: quest’oceano sei tu. Immediatamente affiora una sensazione di felicità: un capolavoro, un’intensa felicità”. Ritorna costantemente nelle sue parole l’immagine dell’immersione nella coscienza pura — da cui anche il titolo del libro; una pratica che allarga la conoscenza del Sé di cui parlano anche le Upanishad, eliminando “ansie e paure”.
  Interessante, per contro, che l’autore confessi di aver abbandonato senza remore una seduta psicanalitica appena iniziata, nel timore che la terapia danneggiasse la sua creatività. Significativa anche questa osservazione: “Adoro la logica dei sogni; mi piace appunto il modo in cui si svolgono. Raramente, però, ho preso spunto da essi”.

  A prescindere dall’insight nella forma mentis del regista, più interessanti per gli appassionati risulteranno forse i capitoli più prettamente cinematografici: dai criteri per la scelta della colonna sonora o degli attori (“Incontrai casualmente Laura Dern per strada, scoprendo che era la mia nuova vicina di casa. Disse: «David, dobbiamo rimetterci a lavorare insieme». Le risposi: «Certamente»”) alla caparbietà con cui Lynch persegue l’ispirazione di idee e intuizioni non sempre razionali. Il libro è del 2006, quindi ci sono aneddoti anche sugli ultimi film. E il regista di culto si svela anzitutto grande cinefilo: scopre da testimoni diretti che il film preferito di Kubrick è Eraserhead; incontra fortuitamente, grazie a conoscenze comuni, Fellini in ospedale: “Non penso di avergli fatto molte domande. Lo ascoltai tantissimo e basta. Mi parlò dei vecchi tempi, di come andassero le cose. […] Era venerdì sera, la domenica entrò in coma e non si risvegliò più”.

  Non è mancato chi ha fatto notare una vaga discrepanza tra il contenuto tormentato dei suoi film e il benessere e la serenità espressi da Lynch, che scrive: “Nelle storie, nei mondi che possiamo visitare, c’è dolore, confusione, oscurità, tensione e rabbia. […] Per mostrare la sofferenza, però, il regista non deve per forza soffrire. […] Lascia che a soffrire siano i tuoi personaggi”.

  Una lettura veloce ed episodica, fruibile anche come un manuale da parte di praticanti o curiosi della meditazione, artisti alla ricerca della propria strada, cineasti… Gli altri potrebbero trovare fuori luogo il proselitismo, o piuttosto l'insistenza con cui è propinato; per quanto il sottotitolo del testo potrebbe essere “Meditazione trascendentale applicata al vissuto di David Lynch, da lui raccontato”.
  Chi si aspettava segreti sul significato dei film dimostra di non aver capito nulla del “suo regista preferito”: un tipetto che ammette che il senso di Eraserhead gli è stato svelato casualmente da una frase della Bibbia, che lui non ha alcuna intenzione di rivelare (so much for hypertextuality, per inciso, e per chi ritiene questo libro troppo semplicistico).

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  ― Posted on Apr 12, 2013 | 9 feedbacks

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  in the morning part
  of evening he would stand
  before his crowd. the voice
  would call his name &
  redlight fell around him.

  Per A.B. Spellman poesia, jazz e critica musicale si fondono nel vissuto quotidiano; come nell’incipit di questa poesia, dedicata a John Coltrane e contenuta in The Beau ... (continue)

  in the morning part
  of evening he would stand
  before his crowd. the voice
  would call his name &
  redlight fell around him.

  Per A.B. Spellman poesia, jazz e critica musicale si fondono nel vissuto quotidiano; come nell’incipit di questa poesia, dedicata a John Coltrane e contenuta in The Beautiful Days del 1965, rimasta a lungo l’unica sua raccolta poetica. Come Amiri Baraka, Spellman si legò prima al movimento beat e fu poi tra i fondatori del Black Arts Movement, coniugando come lui la produzione letteraria all’attività di critico e studioso della cultura afro-americana; di recente è tornato a pubblicare poesia, e sul versante della critica musicale collabora con NPR, per cui ha curato in particolare un’interessante Basic Jazz Record Library con Murray Horwitz: http://n.pr/ZhnPUs Poesia e critica musicale sono del resto intrecciati fin dai suoi esordi editoriali: un anno dopo The Beautiful Days, mentre ad Oakland veniva fondato il partito delle Pantere Nere, Spellman pubblicò Four Lives in the Bebop Business, ristampato nel 2004 come Four Jazz Lives e pubblicato ora da minimum fax con una bella copertina, che sembra suggerire una scansione sincopata dei 4/4.

  Spellman delinea il quadro della scena jazz a lui contemporanea non con astratte generalizzazioni ma attraverso quattro case studies, quattro ritratti composti principalmente da interviste: “Ho cercato di far parlare il più possibile i musicisti. Fosse stato per me, avrei preferito una sequenza di quattro autobiografie”. La scelta è esemplare: “Ornette Coleman e Cecil Taylor”, l’uno texano autodidatta e l’altro uscito dalle migliori scuole musicali del New England, “sono due dei tre più importanti nuovi musicisti jazz del decennio (il terzo, John Coltrane, non ha voluto essere incluso nel mio lavoro)”, scrive l’autore —ed è una perdita significativa, considerando che Trane sarebbe morto l’anno successivo—; Jackie McLean è un veterano che si è aperto e ha inglobato ogni successiva innovazione jazzistica in uno stile fortemente personale; Herbie Nichols infine è un compositore di grandissimo talento ma ignorato da case discografiche e proprietari di locali, relegato a side-man dei gruppi più retrogradi, “finendo a morire di vecchiaia a soli quarantaquattro anni”.

  Il testo restituisce un’ampia casistica delle condizioni precarie e degradanti del “business del bebop”, espressione con cui Spellman definisce il contesto economico creato da una rivoluzione musicale che sottrasse il jazz all’intrattenimento e ne fece una forma d’arte consapevole, spostandolo dalle sale da ballo ai locali notturni. Di questo “business”, sostiene, fanno parte anche i musicisti che non suonano bebop, che ne hanno portato avanti lo spirito radicale più che la forma, e che si scontrano con la convinzione pregiudiziale che il jazz d’avanguardia non venda. Tra i numerosi esempi riportati nel testo, sintomatico è quello del Five Spot, locale leggendario della scena newyorkese: come riconosce lo stesso proprietario Joe Termini, fu Cecil Taylor a farne la fortuna nel 1956; ma pur ammettendo che «riempiamo di più il locale con lui che con tanti che hanno ben altre reputazioni», Termini gli preferisce spesso proprio questi ultimi. Innovatori come Taylor e Coleman, insieme ai loro sidemen (tutti e quattro i musicisti sono stati bandleaders), sono pertanto ridotti in condizioni di tale indigenza da compromettere l’evoluzione stessa della loro arte; oppure costretti ad abbandonare le loro comunità d’origine, condannandosi a sradicamento e alienazione. Nelle parole di Coleman: «Sono un nero, sono un musicista jazz. Poco importa se esecutore o compositore. In quanto nero e in quanto jazzista, mi sento del tutto avvilito. Il fatto è che per avere un profitto, o almeno per andare in pari, devi calcolare ogni cosa, fino alla carta igienica. Gratis non te la danno, e ti serve».

  Il testo è fitto dello slang e delle voci di strada, oltre che di numerosi aneddoti; lo stile è discorsivo, il taglio prettamente biografico piuttosto che discografico (anche perché i jazzisti di rado venivano a sapere dove andavano a finire le loro sedute di registrazione), l’aspirazione è al racconto e all’intervista piuttosto che al saggio. Manca un indice dei nomi, abbondano le testimonianze dirette. Un documento storico imprescindibile.

  Post scriptum: jazz & hip hop.
  Nella prefazione all’edizione italiana, Spellman sostiene che “quello spirito del ghetto così flagrante in Jackie McLean, in Herbie Nichols, in Ornette Coleman, è migrato nello hip hop”. La contiguità fra i due generi è stata celebrata anche da Herbie Hancock in occasione del concerto del secondo International Jazz Day, il 30 aprile 2013 a Hagia Irene, Istanbul. Coerente quindi la scelta di Baz Luhrmann per il suo The Great Gatsby, nel trasporre la Jazz Age di Fitzgerald alla più recente espressione musicale e culturale afro-americana ad essere cooptata dalla cultura mainstream e bianca. Dal modernismo al postmoderno, da Jay G. a Jay-Z. Non a caso anche Cosmopolis, tanto il libro quanto il film, mostrava una simile contiguità fra hip hop e alta società.

  http://www.cabaretbisanzio.com/2013/05/30/quattro-vite-…

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  ― Posted on May 31, 2013 | Add your feedback

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  Nel suo Critica della democrazia occidentale, l’antropologo anarchico David Graeber ricorda che le comunità dei pirati atlantici nel XVIII secolo furono per certi versi una formulazione precoce di quelle che oggi ci piace definire, a volte solo formalmente, come democrazie occidentali: “Er ... (continue)

  Nel suo Critica della democrazia occidentale, l’antropologo anarchico David Graeber ricorda che le comunità dei pirati atlantici nel XVIII secolo furono per certi versi una formulazione precoce di quelle che oggi ci piace definire, a volte solo formalmente, come democrazie occidentali: “Era lo spazio perfetto per un esperimento interculturale. Di fatto, non c’era a quel tempo in tutto l’Atlantico un terreno più adatto per impiantare nuove istituzioni democratiche” (ed. elèuthera 2012, p. 81). Non sorprende quindi che un libertario autorevole e consapevole come William Burroughs si sia ispirato alla vicenda, peraltro storica e accuratamente ricostruita nella nota biografica conclusiva, del “pirata filosofo” Mission, fondatore in Madagascar della libera colonia di Libertatia. Burroughs preferisce l’Oceano Indiano all’Atlantico, il Madagascar ai Caraibi. Ci sono brani bellissimi sulla “grande isola rossa”:

  Quando era attaccato al continente africano, il Madagascar sporgeva come un tumore disordinato, percorso da una spaccatura, il contorno dell’isola futura, […] simile a una grande incisione, alla fessura che divide il corpo umano. La spaccatura era larga un miglio in alcuni punti, in altri si restringeva a un centinaio di metri. Era una zona di cambiamento e di contrasto esplosivo, percorsa da violente tempeste elettriche, incredibilmente fertile in alcuni punti, completamente sterile in altri.

  L’esperimento di Libertatia “minacciava di dimostrare che era possibile per trecento anime coesistere in relativa armonia tra di loro, con i vicini e con l’ecosfera di flora e fauna”. Tra gli Articoli stabiliti da Mission, uno vieta l’uccisione dei lemuri, pena l’espulsione dalla colonia. E, fatalmente, il romanzo si apre con la morte violenta di un lemure, un atto che è anche un’insurrezione politica.
  Ma invece di curarsi della minaccia più o meno imminente, o forse proprio per comprenderla a fondo, Mission decide di cercare una droga. Il suo ragionamento è impeccabile e perfettamente burroughsiano: in un’isola piena di specie endemiche, deve esistere una droga tipica del luogo. Scopre che esiste e che si chiama indri, ovvero “guarda bene”. Mission la prende ed inizia a vedere. Capisce che il tempio di pietra abbandonato nel cuore della foresta, verso il quale prova una profonda fascinazione, è in verità “l’entrata al biologico Giardino delle Occasioni Perdute”.

  In The Cat Inside (ovvero Il gatto in noi, pubblicato sempre da Adelphi) Burroughs descrive il gatto, creatura delicata, misteriosa e magica, come suo compagno psichico, di cui si considera Guardiano: creatore e custode di un’ibridazione tra umano, animale e un che di «ancora inimmaginabile». E dal punto di vista letterario il passo è breve dai gatti ai lemuri, che figurativamente sembrano l’anello di congiunzione tra i primati, uomo incluso, e altri animali più ferini e primitivi.

  Mission ne tiene in casa uno, che chiama Fantasma. E già nella prima pagina del libro Burroughs si premura di spiegare che nella lingua locale è il termine stesso lemure a significare “fantasma”. Ed è forse il caso di ricordare a questo punto che il titolo originale è Ghost of Chance, che nella sua indeterminatezza potrebbe significare “spettro della sorte” ma anche “(l’) ombra di (un’) opportunità” (la febbre del ragno rosso nel libro c’è ma è secondaria, e credo sia stata scelta principalmente perché ad Adelphi torna comodo avere un colore nel titolo).
  Il libro è un’elegia alle occasioni perdute; non solo biologiche ma anche politiche, verrebbe da dire. Perché, come mostra la prosa onirica di Burroughs, le due questioni sono connesse. Staccandosi dal continente, centosessanta milioni di anni fa, il Madagascar ha creato delle condizioni uniche, un ambiente privo di predatori e adatto al Popolo dei Lemuri, il cui “modo di pensare è fondamentalmente diverso dal nostro, non orientato verso il tempo, la sequenza e la causalità”.

  “Hanno il pollice opponibile ma non fabbricano strumenti; non hanno bisogno di strumenti. Sono indenni dal male che riempie l’Homo Sapiens quando afferra un’arma—ora è lui ad avere il sopravvento. Una terribile sensazione di trionfo viene dalla consapevolezza di essere il più forte. La bellezza è sempre destinata alla sconfitta”.

  Ed ecco la metafora, la sintesi poetica:

  “C’è una spaccatura dentro l’organismo umano, la spaccatura o fessura tra i due emisferi, quindi ogni tentativo di sintesi resta irrealizzabile in termini umani. Faccio un parallelo tra questa fessura che divide le due parti del corpo umano e la spaccatura che ha separato il Madagascar dal continente africano. Una parte è scivolata dentro un’incantata innocenza senza tempo. L’altra si è avviata inesorabilmente verso il linguaggio, il tempo, l’uso di strumenti, la guerra, lo sfruttamento e la schiavitù”.

  La prosa di Burroughs è costellata di simili illuminazioni. A volte apparentemente sconnesse, e in realtà portatrici di una verità più profonda. E d’altro canto non c’è, semplicemente, un altro scrittore che sappia illustrare con altrettanta efficacia gli effetti delle droghe, lo spostamento di prospettiva (“come se i suoi occhi si muovessero su cardini diversi”) e il turbine di immagini dotate di una propria logica. Probabilmente non c’è, semplicemente, un altro scrittore che abbia sperimentato con altrettanta metodicità tutte le droghe mai create. E sia sopravvissuto per scriverne.
  La narrazione a volte sembra prendere direzioni del tutto inattese, come nelle pagine bellissime, esilaranti e profondamente vere, sull’ipocrisia di Gesù; il punto è che, come credo di aver dimostrato, questo è un libro che va citato più che recensito, perché le mie parole non saranno mai efficaci quanto le immagini evocate dall’autore. E anche solo quella dei lemuri, delicati, dolci e indifesi, varrebbe il costo del biglietto — del trip. I lemuri, destinati alla sconfitta...

  “Non era sicuro di voler vedere quello che gli avrebbe mostrato l’indri; sapeva già che sarebbe stato insopportabilmente triste”.

  Prenderete anche voi l’indri?

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  ― Posted on Mar 4, 2013 | 2 feedbacks

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  N'GAI, N'GHAA'!!! Buggsghoggoth, y'hah! Yog-sothoth!

  In quanto profano della produzione di Lovecraft non sono probabilmente la persona più adatta a recensire questa graphic novel...

  Nella prefazione, John Carpenter la descrive come "il sonetto d'amore di un altro appassionato di Lovecraft. Tra quelli che lavorano nel mondo dell'orrore si tratta di u ... (continue)

  In quanto profano della produzione di Lovecraft non sono probabilmente la persona più adatta a recensire questa graphic novel...

  Nella prefazione, John Carpenter la descrive come "il sonetto d'amore di un altro appassionato di Lovecraft. Tra quelli che lavorano nel mondo dell'orrore si tratta di una sorta di rito di passaggio. Quasi tutti gli autori di questo genere, da Stephen King a Clive Barker, hanno scritto almeno un racconto lovecraftiano".
  Ricordo ancora quelli di Gaiman, omaggi sinceri e ironici fin dal titolo, come l'esilarante Shoggoth's Old Peculiar oppure I, Cthulhu, or, What’s a Tentacle-Faced Thing Like Me Doing in a Sunken City Like This (Latitude 47° 9’ S, Longitude 126° 43’ W).

  Nello specifico, l'omaggio a Lovecraft consiste in questo caso in un'ipotesi forse tanto scontata quanto suggestiva: fondere la sua biografia con il suo immaginario.

  Una peculiare attenzione per i dettagli biografici di Lovecraft si unisce al tentativo di dare forma grafica agli indescrivibili orrori senza nome che popolano le sue opere, con esiti a mio avviso felicissimi e di grande effetto: le creature in agguato alle soglie della vita di Howard sono dipinti con una paletta caleidoscopica di colori vividi e cangianti, che mi ha ricordato The Color Out of Space e che si intrufola sempre violentemente nella vita a tinte smorte del protagonista.
  Eppure è forse proprio quest'ultimo il vero punto di forza della graphic novel: l'intelligenza, direi quasi una certa tenerezza o magari devozione, con cui vengono mostrati la solitudine, l'introversione, il rapporto con la madre, con la moglie, con il suo agente e con i colleghi. Non mancano le perle, come questa sul suo idolo:

  'Poe mi ha influenzato più di ogni altro, come nel tuo caso, e mi sembra che un racconto non inizi mai nel modo giusto, se non ha un non so che del suo stile. Ma preferirei mettermi un anello al naso piuttosto che farmi crescere i baffi.'

  Ho letto poco di e su Lovecraft; ma negli ultimi 18 anni ho letto un buon numero di fumetti e graphic novels, e questa è senz'altro ben riuscita.

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  ― Posted on Nov 27, 2012 | 1 feedback

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  Moby Dick #1

  Dino Battaglia è tra i nomi storici del fumetto d'autore italiano, con Crepax, Manara, Toppi, Pratt... È proprio Pratt a firmare la prefazione di questa graphic novel, pubblicata dalle Edizioni del Grifo nel 1986. Pratt ricorda Battaglia con queste parole:

  "Io l'ho conosciuto bene. Era un uomo dif ... (continue)

  Dino Battaglia è tra i nomi storici del fumetto d'autore italiano, con Crepax, Manara, Toppi, Pratt... È proprio Pratt a firmare la prefazione di questa graphic novel, pubblicata dalle Edizioni del Grifo nel 1986. Pratt ricorda Battaglia con queste parole:

  "Io l'ho conosciuto bene. Era un uomo difficile e intelligente. Corrosivo, ironico e veneziano, che per lui aveva tutto un significato segreto. Lo pensavano duro e severo. Eppure quando ebbi bisogno d'aiuto fu lui ad aiutarmi per primo, dandomi soldi, procurandomi lavoro e offrendomi ospitalità".

  Pratt conclude ammettendo che avrebbe voluto disegnare lui stesso questo Moby Dick, e non si stenta a crederlo: sebbene ancora legato appieno alla tradizione del classico fumetto d'avventura, questo adattamento può contare su tavole molto belle e di grande efficacia. E sarà una mia fissazione, ma le illustrazioni più suggestive mi paiono quelle in cui compare il mare — inclusa ovviamente la copertina, una meravigliosa tavola doppia di grande formato; se fosse possibile farne una riproduzione...
  Piccola delusione invece per quanto riguarda la parte testuale. La trama è ben riassunta, pur nel breve volgere di queste trenta tavole (e del resto è ben noto che la vicenda del romanzo, 'sfrondata', cioè impoverita, delle proteiche divagazioni melvilliane, è piuttosto succinta); ma la prosa appare un po' troppo sbrigativa, e questo dispiace, sebbene sia evidente che l'intento di Battaglia fosse di trasmettere i fatti a scapito delle sottigliezze testuali.
  Rimane la compiaciuta soddisfazione per una riuscitissima interpretazione grafica del leviatano melvilliano.

  p.s. questa copia viene direttamente dal LC&G 2012. Grazie a chi di dovere! In un'altra fiera fumettistica, invece, il Treviso Comic Book Festival di alcuni anni fa, mi sono imbattuto nel volume che raccoglie le interpretazioni realizzate da Battaglia di alcuni racconti di Poe.

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  ― Posted on Mar 4, 2013 | Add your feedback

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  Versione inglese: http://bit.ly/uhytgq

  Concepito e composto contemporaneamente alla celebrata major phase jamesiana e pubblicato nello stesso anno di The Ambassadors. La storia condivide fonte d’ispirazione e diversi temi con il primo romanzo della trilogia ad essere pubblicato, T ... (continue)

  Versione inglese: http://bit.ly/uhytgq

  Concepito e composto contemporaneamente alla celebrata major phase jamesiana e pubblicato nello stesso anno di The Ambassadors. La storia condivide fonte d’ispirazione e diversi temi con il primo romanzo della trilogia ad essere pubblicato, The Wings of the Dove: http://bit.ly/tVkXiv

  È la storia di John Marcher, un uomo convinto che il proprio futuro abbia in serbo per lui “qualcosa di raro e strano, probabilmente prodigioso e terribile”: un evento misterioso che lui definisce la Bestia nella Giungla della sua vita. Nel corso di una visita ad una casa di campagna dell’aristocrazia inglese, John rinnova la sua conoscenza di May Bartram—una giovane donna che aveva incontrato a Napoli dieci anni prima. In quell’occasione lui aveva, per la prima ed unica volta in vita sua, raccontato il proprio segreto; May confessa ora di non aver mai dimenticato quella rivelazione e si propone di ‘vegliare’ assieme a John l'arrivo della cosa.
  La storia diventa quindi più ariosa, e si allarga a coprire le loro vite. Grazie alla prosa di James, una meraviglia di sensibilità e delicatezza, diventa chiaro che, mentre la dedizione di May implica sentimenti più profondi dell’amicizia che nasce tra di loro, l’ego ossessivo di John gli impedisce in ultima analisi di vedere al di là della curiosità e della fermezza. La ‘veglia’ è la sua unica preoccupazione, e lo rende incapace di un serio impegno: “un uomo di cuore non si fa accompagnare da una signora durante una caccia alla tigre”.

  A questo punto della sua carriera, James aveva raffinato la sua prosa fino a farne uno strumento in grado di registrare e riprodurre la più delicata delle emozioni, con una precisione che lascia basiti. Il suo tardo stile è al contempo famigerato per la sua complessità e giustamente celebrato per la sua accuratezza psicologica, “più vicino a Joyce che a Balzac” * come diceva uno dei miei professori—subito prima di aggiungere che una interpretazione di James come modernista ante-litteram ha senso solamente a posteriori, dal nostro punto di vista. La realtà è che James odiava il Modernismo. Eppure, a sessant’anni, lo anticipò con la sua trilogia novecentesca, la sua major phase secondo la definizione di Mathiessen. E indovinate, le sue storie sono lunghe 40 pagine anziché 400.
  E non è tutto. L’abilità di James nell’intessere i propri testi è impressionante. Un esempio fra i tanti potrebbero essere i vari riferimenti alle stagioni, a cominciare dai nomi stessi dei personaggi: May e Marcher (e se credete che James non fosse incline a giocare con i nomi, non avete mai letto testi come The Beldonald Holbein). Quando John e May s’incontrano nella casa di campagna è autunno. I loro ultimi incontri nella casa londinese di lei, invece, hanno luogo in primavera: "May si presentò a lui in quella luce lunga e fresca delle giornate morenti d’aprile che instilla spesso una tristezza più acuta delle più grigie ore d’autunno". Nel mezzo, il freddo e sterile inverno che è stata la loro intera relazione: una lunga attesa per una fioritura che non avrà mai luogo, nemmeno tardivamente. E poi c’è il tocco jamesiano, il dettaglio che passa inosservato alla prima lettura: la casa di campagna dove loro s’incontrano si chiama Weatherend.

  È anche possibile un’interpretazione influenzata dalla queer theory e basata sull’omosessualità non dichiarata di James: il misterioso perturbante del protagonista sarebbe un impulso omoerotico non riconosciuto. E prima di bollare il tutto come improbabile, ricordate che sia il padre che la sorella di Henry James erano probabilmente closeted homosexuals.

  * il laborioso progresso dal naturalismo al modernismo mi ricorda quello di Pirandello, che similmente da Verga era giunto a Ionesco.

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  ― Posted on Nov 4, 2012 | 11 feedbacks

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  Moby Dick #2

  Bill Sienkiewicz, allucinato disegnatore di Daredevil ed Elektra nel miglior periodo di Frank Miller, innovatore radicale dei comics in un periodo di grande innovazione quale furono gli ‘80, fautore di una qualità pittorica allora inedita, vanta nel suo curriculum anche il migliore ada ... (continue)

  Bill Sienkiewicz, allucinato disegnatore di Daredevil ed Elektra nel miglior periodo di Frank Miller, innovatore radicale dei comics in un periodo di grande innovazione quale furono gli ‘80, fautore di una qualità pittorica allora inedita, vanta nel suo curriculum anche il migliore adattamento di Moby Dick che mi sia capitato di leggere, forse il migliore possibile. E del resto era forse l’autore più adatto: al suo posto Dave McKean ne avrebbe dato un’interpretazione meno oscura, Mike Mignola una meno onirica (sarei tuttavia curioso di leggerle entrambe).

  E mentre il nostrano Dino Battaglia ha preferito nella sua versione del capolavoro melvilliano concentrarsi sull’azione, creando la classica avventura per ragazzi, Sienkiewicz raccoglie e distilla anche i simbolismi più complessi di cui la prosa di Melville è ricca ad ogni capoverso, restituendo la profondità e lo spessore dell’originale in sole 48 tavole. Molti episodi sono risolti in un paio di vignette, con scelte spesso inattese ma straordinariamente efficaci; ai momenti più intensi tuttavia sono dedicate tavole intere. Nell’adattamento di Battaglia dominavano ovviamente gli azzurri, assieme ad un curioso ocra e ad ampie campiture bianche; Sienkiewicz invece usa il nero come colore di fondo, a rappresentare le profondità della stiva, degli abissi e dell’animo di Achab, e lo squarcia di vampe come tizzoni ardenti.
  Alla parte testuale ha collaborato anche D.G. Chichester, il cui Daredevil sinceramente non mi era piaciuto molto a suo tempo. Attualmente lavora per l’agenzia pubblicitaria Ogilvy & Mather: la stessa presso cui erano stati impiegati, prima di diventare quello che sappiamo, anche DeLillo e Rushdie.

  La mia impressione è che nell’ambito degli adattamenti a fumetti questa graphic novel stabilisca uno standard. Da anni mi ripromettevo di procurarmi l’edizione originale, finché lo scorso settembre la Nicola Pesce Editore si è presentata al Treviso Comic Book Festival 2012 con l’edizione italiana.

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  ― Posted on Mar 4, 2013 | 4 feedbacks

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  *** This comment contains spoilers! ***

  

  «Il sangue si rintanava verso l'interno del corpo. Il sangue era vivo, come il cane, e come il cane voleva nascondersi al coperto, via da quel gelo spaventoso».

  Klondike, pieno inverno, nove di mattina. Un uomo segue un sentiero che costeggia e in parte si sovrappone al corso gelato del fiume Yukon. Sul sentiero fa freddo, molto freddo (esattamente quanto freddo lo vedremo fra poco). Ma il problema dell’uomo non è questo. “Il problema era la sua tota ... (continue)

  Klondike, pieno inverno, nove di mattina. Un uomo segue un sentiero che costeggia e in parte si sovrappone al corso gelato del fiume Yukon. Sul sentiero fa freddo, molto freddo (esattamente quanto freddo lo vedremo fra poco). Ma il problema dell’uomo non è questo. “Il problema era la sua totale mancanza di immaginazione. Era pronto e sveglio nel fare le cose della vita, ma non nel coglierne i significati”. Mastica tabacco nonostante il gelo, incurante del fatto che gli sputi si condensino sulla sua barba: un dettaglio tanto disgustoso da essere più che eloquente. L’uomo ha un husky, ma fra i due non c’è alcun affetto. Perché l’uomo evidentemente è un solitario; uno a cui piace farcela da solo. Anche in questo caso, nonostante il suggerimento di quel vecchio di Sulphur Creek: mai viaggiare soli con temperature così basse.

  Quando le cose si mettono male, l’uomo pensa perfino di sventrare il cane per farne uno scaldamuscoli. Peccato che a quel punto le sue mani siano già congelate. Non stupisce che faccia quella fine. E non stupisce che una persona così priva d’immaginazione abbia bisogno di scoprire a proprie spese che to build a fire, per accendere un fuoco, specialmente a -75°F, c’è bisogno degli altri.

  Moriamo soli. Ma non viviamo soli. Il vecchio di Sulphur Creek aveva ragione. Quando il protagonista muore, tuttavia, il cane lo abbandona senza voltarsi.
  E nessuno ricorderà il suo nome.

  Testo originale:
  Prima versione, 29 maggio 1902:
  http://www.jacklondons.net/olderbuild-a-fire.html
  Seconda versione, agosto 1908:
  http://www.jacklondons.net/buildafire.html

  Settantacinque sfumature di neve
  Alcune recensioni mi avevano insinuato il dubbio che questa traduzione fosse poco fedele, timore che si è rivelato fondato ad una rapida verifica (viva il free domain). Ora, passi che un’edizione per l’infanzia apporti alcune modifiche e magari allunghi il brodo per i più piccoli; sebbene questo sia già un crimine nei confronti di una prosa asciutta ed esatta come quella di London (e infatti il testo ne risente). Ma c'è un dettaglio tanto piccolo quanto fondamentale per l’intero significato del racconto.
  Questo adattamento parla di “venticinque gradi sotto zero”. Naturalmente, il lettore italiano è portato a pensare che si tratti di gradi Celsius. E, se ne ha avuto esperienza, a ricordare che -25°C non producono certo i drastici effetti descritti dal racconto. Il quale, infatti, parla di settantacinque gradi sotto zero. Dal testo è chiaro che si tratta di gradi Fahrenheit: “It was seventy-five below zero. Since the freezing-point is thirty-two above zero, it meant that one hundred and seven degrees of frost obtained” (questo brano non è tradotto). Dal momento che il freddo è forse il vero protagonista del racconto, questo piccolo dettaglio mi pare tutt’altro che prescindibile.

  Actes Sud, ovvero le colpe dei francesi
  Questa edizione, così come Auggie Wren di Auster nella stessa collana della Motta Junior, era stata pubblicata in origine da Actes Sud. Quindi è probabile che la traduzione creativa sia colpa dell’editore francese e non di quello italiano.
  Tuttavia non me la sento di concedere i pieni voti, che riservo ai capolavori. Temo che questo sia dovuto alla traduzione. A cui devo affibbiare un meno settantacinque.
  Ad ogni modo menzione speciale per l'ottimo lavoro dell'illustratrice francese, Nathaël Vogel.

  p.s.: sono l'unico a cui To Build a Fire ha ricordato The Old Man and the Sea?

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  ― Posted on Oct 2, 2012 | 3 feedbacks

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  «Era riuscito a farsi prendere sul serio e quella era l'unica cosa che contava. Nessuna storia è falsa finché una sola persona ci crede».

  25 dicembre 1990. Paul Auster pubblica su commissione un racconto di Natale sul New York Times: Auggie Wren’s Christmas Story. Sedotto dalla storia, il regista Wayne Wang contatta Auster e il risultato, cinque anni dopo, è il film Smoke. Il film recupera i due personaggi del racconto o ... (continue)

  25 dicembre 1990. Paul Auster pubblica su commissione un racconto di Natale sul New York Times: Auggie Wren’s Christmas Story. Sedotto dalla storia, il regista Wayne Wang contatta Auster e il risultato, cinque anni dopo, è il film Smoke. Il film recupera i due personaggi del racconto originale ma ne introduce di nuovi, e sostanzialmente racconta vicende diverse. Solamente alla fine, dopo i titoli di coda, in bianco e nero, il racconto di Auggie ricompare.

  Nel 1998, la francese Actes Sud ripubblica il racconto di Auster in un’edizione per l’infanzia, affidandolo alle illustrazioni di un talento locale, Jean Claverie. I suoi acquarelli riempiono con discrezione e savoir faire i disegni a matita, restituendoci peraltro, come l’illustratore si premura di specificare, i veri luoghi in cui si svolge la storia.

  Che è un piacere ritrovare, commovente, ironica e sorniona come la prima volta che l’abbiamo letta o ascoltata. La voce narrativa di Auggie (interpretato nel film da Harvey Keitel), da sola, è un piccolo capolavoro.
  Inoltre Auster riesce ancora una volta, e del resto questa era forse la fase migliore della sua carriera, a tornare sui suoi temi prediletti. Un esempio? Nella storia, Auggie scatta una fotografia all’angolo tra Atlantic Av. e Clinton St. alle sette del mattino, tutti i giorni per anni. Questo a me ricorda i progetti, fotografici o meno, di Sophie Calle, artista francese che di lì ad un paio d’anni Auster avrebbe inserito nel suo capolavoro Leviathan sotto le spoglie fittizie di Maria Turner.
  La sovrapposizione di (auto)biografia e finzione è una costante dell’opera di Auster. Quanto c’è di vero in questo racconto? I luoghi lo sono, a quanto pare. Lo scrittore fuma davvero i Schimmelpennick, che compra alla tabaccheria Brooklyn Cigar Company. E il personaggio di Auggie Wren era ispirato al vero proprietario del locale Auggie’s Jazz Bar*. Ma in fondo questo non è importante, perché “nessuna storia è falsa finché una sola persona ci crede”...

  p.s.: sono l'unico a ritenere quantomeno ironico che il NY Times abbia commissionato un racconto di Natale ad uno scittore ebreo?

  * http://en.wikipedia.org/wiki/Smoke_%28movie%29#Legacy e relative note.

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  ― Posted on Sep 25, 2012 | 3 feedbacks

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  Violetta e Papavero.

  La bambina di neve ha dato il titolo alla seconda raccolta di "storie narrate due volte" di Hawthorne: The Snow Image and Other Twice-Told Tales del 1852, segno che l'autore stesso lo teneva in grande considerazione.

  Il racconto è del 1850, come La lettera scarlatta: gli anni ... (continue)

  La bambina di neve ha dato il titolo alla seconda raccolta di "storie narrate due volte" di Hawthorne: The Snow Image and Other Twice-Told Tales del 1852, segno che l'autore stesso lo teneva in grande considerazione.

  Il racconto è del 1850, come La lettera scarlatta: gli anni migliori e più intensi della produzione di Hawthorne, nel pieno dell'American Renaissance. Che il maestro del gotico e del dark romanticism fosse anche un fine e delicato scrittore di storie per l'infanzia non dovrebbe stupire. I due bambini protagonisti di questo racconto sono fin troppo chiaramente ispirati ai figli dell'autore, Una e Julian. E su Una è modellata anche Pearl, la bambina protagonista di uno dei capitoli forse più belli del capolavoro di Hawthorne.
  Senza dimenticare che, dopo la raccolta di cui sopra, Hawthorne ne pubblicò due di racconti per l'infanzia, in cui riscrisse alcuni miti della Grecia classica: A Wonder-Book for Girls and Boys e Tanglewood Tales for Boys and Girls (1852 e 1853 rispettivamente).

  La bambina di neve è una storia gotica ma anche squisitamente borghese nella sua dimensione domestica e casalinga, e la morale (come sottolinea la nota finale di questa bella edizione della Topipittori) è che l'infanzia necessita non solo di cibo, casa e calore ma anche di attenzioni, di ascolto e della libertà di sognare.

  Molto belle e riuscite le illustrazioni di Kiyoko Sakata, impalpabilmente in bilico tra levità orientale e austerità puritana.

  In rete si trovano sia il testo originale che una traduzione italiana:
  http://bit.ly/Qm4dcj (italiano, FabbriScuola)
  http://bit.ly/TjT36g (inglese, Project Gutenberg)

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  ― Posted on Oct 13, 2012 | 2 feedbacks

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  "Dio è morto, idiota. Non c'è nessun dio." (Prester John, alias Prete Gianni)

  La presenza di Marc Silvestri è talmente pubblicitaria che già in questo secondo numero hanno iniziato a sostituirlo, in alcune tavole. Se non altro il rimpiazzo è quel fenomeno di Whilce Portacio.

  Ho comprato insieme il #1 e il #2, incuriosito dall'esordio di queste nuove serie; ma credo che mi f ... (continue)

  La presenza di Marc Silvestri è talmente pubblicitaria che già in questo secondo numero hanno iniziato a sostituirlo, in alcune tavole. Se non altro il rimpiazzo è quel fenomeno di Whilce Portacio.

  Ho comprato insieme il #1 e il #2, incuriosito dall'esordio di queste nuove serie; ma credo che mi fermerò qui.

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  ― Posted on Sep 3, 2012 | Add your feedback

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  "TORNATE A INSEGUIRMI, VIGLIACCHI!" (She-Hulk Rossa, ai tori di Pamplona in fuga)

  Il generale Ross è Hulk Rosso.
  Betty Ross è She-Hulk Rossa.
  Rick Jones è Bomba-A.
  Poi ci sono una cugina e due figli (!).

  Non bastasse, Hulk e Banner si sono separati, con il risultato che ora Banner è ossessionato dall'idea di creare un altro Hulk.

  Mi distraggo un attimo (quattro ann ... (continue)

  Il generale Ross è Hulk Rosso.
  Betty Ross è She-Hulk Rossa.
  Rick Jones è Bomba-A.
  Poi ci sono una cugina e due figli (!).

  Non bastasse, Hulk e Banner si sono separati, con il risultato che ora Banner è ossessionato dall'idea di creare un altro Hulk.

  Mi distraggo un attimo (quattro anni, in verità) & improvvisamente il mondo Marvel è pieno di Hulks. Ottima metafora post-Fukushima, lo ammetto. Ma io preferivo l'Hulk del ciclo di Peter David, quando era fuso con Banner; che me ne faccio di questa proliferazione?

  Per la cronaca, la nuova serie di Hulk sembra interessante e i disegni di Mark Silvestri sono strepitosi come sempre; Hulk Rosso è piuttosto inutile (un serial con 'Thunderbolt' Ross come protagonista, eddai...); molto carina, autoironica e ben caratterizzata la nuova serie dei Difensori.

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  ― Posted on Sep 3, 2012 | Add your feedback

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  Secret Invasion.

  Ho letto Civil War all'epoca della sua pubblicazione originale in Italia, nel 2007. Fu l'ultima saga della Marvel che seguii in tempo reale, ed era per me già un ritorno di fiamma. Di conseguenza, ho scoperto solamente ieri che il successivo megaevento marvelliano fu proprio Secret Invasion.

  Il q ... (continue)

  Ho letto Civil War all'epoca della sua pubblicazione originale in Italia, nel 2007. Fu l'ultima saga della Marvel che seguii in tempo reale, ed era per me già un ritorno di fiamma. Di conseguenza, ho scoperto solamente ieri che il successivo megaevento marvelliano fu proprio Secret Invasion.

  Il quale svela che, dopo il collasso del loro impero spaziale visto nella saga Annihilation, la razza di alieni mutaforma Skrull ha segretamente infiltrato il pianeta Terra, sostituendosi e prendendo le sembianze di alcuni umani che occupano posti chiave nella società—inclusi alcuni eroi.
  Narrativamente Secret Invasion ci viene presentato come il naturale sviluppo della Guerra Civile, e strutturalmente è organizzato allo stesso modo: la vicenda principale è contenuta in una miniserie apposita, a cui si collegano le altre testate regolari (i tie-in), più altre miniserie e frattaglie assortite.
  Senonché in questo caso la miniserie portante, che sarebbe poi il contenuto del volume, non è poi così "leggibile a sé" quanto si vorrebbe far credere. Sarà forse conseguenza della storia stessa, con i suoi risvolti segreti e complottistici; sarà che questa saga conivolge quasi esclusivamente i Vendicatori, che io non ho mai digerito (un supergruppo governativo, vi pare?...) e di cui non conosco quindi singoli membri e vicende personali, indispensabili per comprendere ogni sfumatura della storia; sarà che in questa più che in altre occasioni è necessario conoscere tutti i dettagli della trama, ovvero tutti i tasselli del grande mosaico. O ancora, sarà che Bendis stavolta sfoggia uno storytelling scricchiolante e poco efficace, tanto che solamente leggendo lo storyboard sono arrivato a capire più di un dettaglio che sulle pagine della serie era tutt'altro che chiaro. Per non parlare dell'irritante frequenza dei non sequitur, delle frasi spezzate, dei dialoghi senza senso... Suvvia, questo dovrebbe essere l'evento principale del mondo Marvel for the time being, e si risolve invece in una miriade di episodi eseguiti male?
  E che dire del fatto che buona parte della mini consiste nel chiamare in causa il più grande numero possibile di supereroi & supercriminali per poi farli incazzare sempre di più, in un crescendo che vorrebbe essere epico e risulta solamente ridicolo, costellato com'è di momenti in cui nessuno può fidarsi di nessuno?

  Oltretutto, proprio questa idea portante mi sembra in fin dei conti una riproposizione dell'espediente narrativo di Civil War: la trovata di quella saga era di mettere gli eroi contro gli eroi, spezzando famiglie, amicizie, gruppi e dinamiche consolidate, e forzando i personaggi a trovarne ex-novo sul momento. In Secret Invasion, invece... anche.
  Con la differenza che gli schieramenti finiscono semplicemente per disintegrarsi, dato che gli invasori Skrull hanno trovato il modo di non farsi sgamare.
  Ci sono in verità alcune trovate divertenti: ad es. la scena in cui un gruppo di eroi scoperchia una navicella Skrull e si trova davanti... gli eroi Marvel dei seventies! Ma la mia impressione è che la potenzialità di questa vicenda non sia stata sfruttata appieno.

  Ho apprezzato moltissimo, come tutti, il ciclo di Bendis su Daredevil, ma temo che in questa saga abbia mostrato alcuni punti deboli; e non tanto nell'orchestrazione del piano generale dell'opera, che sarebbe stato perdonabile, quanto nella narrazione dei singoli episodi, cosa inaccettabile da parte di un grande storyteller della Marvel.

  Sono sempre stato vagamente allergico alle megasaghe marvelliane: odiavo il modo in cui le serie che seguivo venivano scaraventate in un quadro narrativo più ampio, spesso pretestuoso, e incomprensibile se non seguendo tutti gli sviluppi dell'evento. Per questo, anche per questo, le mie testate preferite sono sempre state Devil & Hulk (due personaggi che, per motivi diversi, spesso non venivano coinvolti in questi eventi; senonché poi è arrivato World War Hulk...) e quelle mutanti. Che, guardacaso, non ebbero nulla o quasi a che fare con Secret Invasion.
  Ah, dimenticavo: nell'ultima pagina di Secret Invasion vengono poste le basi per la saga successiva, Dark Reign... no comment.
  Se non altro quello str**** filo-Cheney di Stark ha avuto il benservito.

  Per la cronaca, ho letto questo volume grazie ad un prestito di terza mano: era stato prestato a mio cugino da un amico.

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  ― Posted on Sep 1, 2012 | 1 feedback

míol mór has margin notes. Take a look.

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  “Giù in città avevo già visto la morte in faccia tre volte, e quella primavera stavo per incontrarla di nuovo”.

  L’incipit, come si dice, è fulminante, e l’intera prima pagina è memorabile.
  Purtroppo è seguita da uno dei brani più pretenziosi che mi sia capitato di leggere recentemente: un ... (continue)

  “Giù in città avevo già visto la morte in faccia tre volte, e quella primavera stavo per incontrarla di nuovo”.

  L’incipit, come si dice, è fulminante, e l’intera prima pagina è memorabile.
  Purtroppo è seguita da uno dei brani più pretenziosi che mi sia capitato di leggere recentemente: un monologo in cui New York City deride beffardamente il “piccolo misero uomo” sbigottito dall’indifferenza della città alle umane vicissitudini. E lo fa con una prosa altisonante, ampollosa, talmente appesantita da incisi e subordinate da conservare solamente una parvenza di sintassi. C’è di che augurarsi che la voce della città non sia davvero questa.
  Fortunatamente questa caduta di stile è limitata, seppur non isolata, e nelle pagine seguenti Wolfe dà prova degli aspetti migliori della sua prosa: ricca, torrenziale, quasi fotografica nell’abbondanza e minuzia dei dettagli.
  Il resoconto dei quattro episodi in cui Wolfe ha “visto la morte in faccia” a NY diventa quindi l’occasione di consegnare alla letteratura l’incessante fluire dei suoi concittadini newyorkesi: aspetto, vestiario, gestualità, portamento, e in più di un caso perfino i loro presunti pensieri. Ed è più che evidente la soddisfazione, il bisogno di Wolfe di rivivere nella scrittura gli eventi a cui ha assistito. Considerando il carattere di autobiografia appena dissimulata dei suoi romanzi (che peraltro gli portò più di un risentimento nel paese natale di Asheville, NC), non stupisce che nel riportare episodi in buona parte impersonali preferisca eliminare ogni artificio e adottare il resoconto personale.

  Non mi sorprende nemmeno che Thomas Wolfe abbia influenzato Jack Kerouac: ritrovo in lui la stessa urgenza nel raccontare il proprio vissuto (in entrambi i casi dissimulato da un velo narrativo che non nasconde nulla), la stessa prodigiosa memoria per i dettagli, la stessa prosa travolgente — un torrente in piena, tanto gonfio e impetuoso da ridisegnare il proprio corso nel momento stesso in cui scorre.
  Tuttavia è proprio in questo aspetto cruciale che lo stile di Kerouac mi pare più riuscito e compiuto: nel suo abbandonare la sintassi completamente e senza remore, in favore di un fraseggio mutuato dal jazz.
  In questo testo di Wolfe, alcuni sintagmi vengono ripetuti a poche frasi di distanza, con la tecnica propriamente jazzistica di ‘suonare’ un tema e le sue variazioni fino a esaurirne le potenzialità espressive. Però quella di Wolfe è una prosa che, nei passaggi di maggior trasporto emotivo, ribolle e straripa senza davvero trovare un respiro proprio. O forse il problema è contenutistico più che strutturale, dato che “intenso” qui corrisponde, purtroppo, a “retorico”, e le pagine migliori non sono quelle più ispirate ma piuttosto quelle più cronachistiche. Wolfe mutua dalla poesia il florilegio lirico, ma non l'amore per il termine esatto, per l'essenzialità della parola. Non è un caso che tanto lui quanto Kerouac fossero anche poeti oltre che romanzieri.

  Forse, però, dovrei rimettere la questione nella corretta prospettiva storica. Wolfe era contemporaneo di Hemingway, Faulkner e Fitzgerald, e all’epoca era considerato uno dei più dotati scrittori della sua generazione, forse il più geniale. Solamente la morte prematura gli tolse il posto in un ideale podio con i colleghi succitati. Il suo stile era ammirato e ritenuto innovativo dallo stesso Faulkner; i beats lo svilupparono e affinarono in modi che non sarebbero forse stati possibili vent’anni prima. Senza Wolfe, Kerouac sarebbe stato probabilmente altrettanto geniale ma irrimediabilmente diverso.

  Mattioli 1885
  I libri della Mattioli hanno spesso un buon apparto critico; questo caso è un’eccezione, dato che l’unica cosa classificabile come ‘apparato critico’ è la quarta di copertina, che è copiata di peso da wikipedia English. Rimane la consueta eleganza editoriale; per quanto, come notava una mia vicina, scegliere fotografie di copertina così belle solo per poi ometterne i credits è un autentico controsenso. Sono contento di aver letto questo testo grazie ad uno scambio aNobiano (liberandomi al contempo di un Eschilo che avevo in due diverse edizioni, residui del liceo); decisamente non sarei stato felice di spenderci €12.

  Sono soddisfatto anche di aver scelto un testo relativamente breve per un primo approccio all'autore: il suo secondo romanzo, drasticamente editato da Maxwell Perkins alla Scribner, nella stesura originale era lungo quanto l'intera Recherche proustiana. E all'esordio della sua carriera Wolfe non riuscì a far rappresentare i suoi testi teatrali perché considerati troppo lunghi...

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  ― Posted on Aug 22, 2012 | 2 feedbacks

míol mór has margin notes. Take a look.

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  La logica estensione degli affari è l'omicidio.

  Ho pubblicato un pezzo su film & libro qui:
  http://www.cabaretbisanzio.com/2012/07/09/cosmopolis-da…

  Intro
  In una mattina d’aprile del 2000, David Packer, ventottenne multimiliardario mago della finanza, si alza dopo una notte insonne. Osserva il giorno sorgere sopra Manhatta ... (continue)

  Ho pubblicato un pezzo su film & libro qui:
  http://www.cabaretbisanzio.com/2012/07/09/cosmopolis-da…

  Intro
  In una mattina d’aprile del 2000, David Packer, ventottenne multimiliardario mago della finanza, si alza dopo una notte insonne. Osserva il giorno sorgere sopra Manhattan, poi attraversa le stanze del suo attico a tre piani (per il quale ha pagato, come apprenderemo, $ 104 mln) e convoca la sua limousine. Nel corso della giornata farà una speculazione sullo yen tale da mettere a rischio la sua intera fortuna. Convinto inoltre di aver bisogno di un taglio di capelli, si imbarcherà, contro ogni avversità (e ce ne saranno molte), in un viaggio attraverso una Midtown Manhattan particolarmente affollata: chi è il barbiere, e dove lavora?
  Nel corso della giornata, Eric incontrerà alcuni dei suoi dipendenti, tra cui gli esperti di tecnologia, finanza, valuta e teoria; oltre a incontri di altro tipo, che preferisco non svelare.
  Eppure… perché il suo comportamento diventa sempre più autodistruttivo? E qual è esattamente la minaccia a cui va incontro?

  9/11
  Questo è il primo romanzo post-9/11 di DeLillo. Definizione curiosa, considerando che lui scriveva romanzi post-9/11 già negli anni settanta. Ma al di là della cronologia, Cosmopolis è il suo primo romanzo ad affrontare l’evento: il suo significato e le sue cause. Curioso inoltre, in quest’ottica, che il suo primo romanzo post-9/11 sia ambientato non dopo l’undici settembre ma circa sedici mesi prima. A quanto risulta, nel settembre 2001 il romanzo era già in cantiere: confermando che anche negli anni zero DeLillo ha una tale capacità di comprensione della società da sembrare dotato di preveggenza.
  Il romanzo è ambientato nell'aprile del 2000, esattamente quando scoppiò la bolla delle dot-com. Ancora una volta, DeLillo ci offre una chiave di lettura di dove si trovi e di dove sia diretta la società statunitense. Nel corso del romanzo non si può fare a meno di provare la sensazione che gli Stati Uniti si siano infilati volontariamente nella bolla. E a quel punto basta poco per arrivare a leggere il romanzo come presciente dell’attuale crisi economica, uno dei tanti effetti collaterali del capitalismo da sempre prevedibili.

  L’argomento stesso del romanzo è la “interazione tra tecnologia e capitale. La loro inseparabilità” (22), nelle parole di Packer.

  Ratti
  Nella sequenza iniziale ci sono vari riferimenti ad animali, simbolo della natura predatrice di Packer: osserva un gabbiano “sentendo il vigoroso, assiduo battito del suo famelico cuore di saprofago” (9). I suoi animali domestici sono dei levrieri russi e uno squalo in una vasca (!).
  I riferimenti più importanti sono comunque ai ratti: ne ho contati almeno una dozzina. Il primo compare già nell’epigrafe: “il topo diventò l’unità monetaria”. Questa è una citazione (senza fonte, nell'edizione statunitense) dal poema Rapporto dalla città assediata: http://bit.ly/nmuehz che l’emigrato polacco Zbigniew Herbert scrisse durante il suo esilio parigino, mentre la Polonia era sotto legge marziale. Evidente il riferimento alla fine del comunismo: l’ambientazione del romanzo è chiaramente post-guerra fredda e pre-9/11, mentre quel verso in particolare rispecchia il focus sul turbocapitalismo. Eric, che legge poesie come rimedio all'insonnia, conosce il poema e riconoscerà quel verso in un momento clou della vicenda.

  A questo aggiungo un'interessante scoperta di un'amica aNobiana, Artemisia: se il romanzo è ambientato nel 2000 ed Eric Packer ha ventotto anni, vuol dire che è nato nel 1972. Secondo l'astrologia cinese il 1972 è, per l'appunto, l'anno del topo. Inoltre i nati nei mesi compresi tra il febbraio 1972 e il febbraio 1973 appartengono all'elemento dell'acqua, che aggiunge, alle caratteristiche del segno del topo, quella della fortuna monetaria (almeno nel sistema del Feng Shui).

  Cosmopolis e il canone
  Sono presenti molti temi cari all’autore.
  La protesta anarchica a Times Sq. è puro DeLillo, e sembra predire le notizie di un altro settembre: il movimento Occupy Wall St. nato nel settembre 2011.
  Al contempo, il personaggio più interessante del romanzo è Benno Levin, uno dei tanti “uomini in piccole stanze” di DeLillo (cf. Libra) che tramano omicidi in segreto. Ci sono in effetti risonanze su vari livelli con Libra. Levin vuole scrivere “diecimila pagine che fermino il mondo” (131), il che ricorda stranamente la definizione che DeLillo diede del rapporto della Commissione Warren: “the megaton novel James Joyce would have written if he'd moved to Iowa City and lived to be a hundred”.

  A questo proposito.
  Una giornata, dall’alba al tramonto e fino a notte fonda; un personaggio in viaggio attraverso una città che rappresenta l’intero universo (Cosmopolis davvero). Cosa vi ricorda? Esatto.
  DeLillo è sempre stato, per propria ammissione, un ammiratore di colui che chiama Padre Joyce. Si possono tracciare interessanti paralleli tra i due autori; non ultimo dei quali è il fatto che entrambi furono educati presso istituti gesuiti. Alcuni dei personaggi di DeLillo hanno sorprendenti somiglianze con quelli di Joyce (Stephen Dedalus e Nick Shay, ecco un argomento interessante).
  Tuttavia non aspettatevi una versione postmoderna dell’Ulysses. Inch’allah. Di fatto DeLillo stesso evita attentamente i rischi del caso, e minimizza ironicamente qualsiasi confronto paritario: non ci sarà mai un Packersday, per il semplice fatto che non c’è modo di sapere esattamente in quale giorno d’aprile abbiano luogo gli eventi del libro.
  Tra l’altro.
  Trovo curioso che l’ispirazione dal Ritratto di un artista da giovane (assieme a, diciamo, altre due dozzine di fonti d’ispirazione) abbia prodotto il pachidermico Underworld, mentre la versione contemporanea dell’Ulysses è stata incanalata nel breve e compatto Cosmopolis.
  Il romanzo richiama Underworld anche per la sua progressione anti-cronologica: come l’ultima parte (prima dell’epilogo nel presente) è ambientata nel Bronx dell’adolescenza di Nick Shay, così la destinazione finale di Eric Packer è la zona di Hell’s Kitchen in cui era cresciuto suo padre, “in stretto e rumoroso contatto, dentro appartamenti con lunghe file di stanze, e felice come in qualsiasi altro luogo” (137). Entrambi i personaggi sono alla ricerca di un padre assente. Da bambino, Packer andava al cinema con la madre vedova; un dettaglio che ricorda la toccante scena di Underworld in cui il piccolo Matt Shay entra nel Loew’s Theater, alla ricerca del fantasma del padre.
  Inoltre.
  Vija Kinski, una dei consulenti di Packer, se ne esce con una frase che ricorda la chiusura di Underworld e la morte di Sister Edgar: “Nessuno morirà. Non è questo il credo della nuova cultura? Verranno tutti assorbiti dentro flussi di informazioni” (90).

  Stile
  Come sempre (uno dei motivi per cui amo i suoi testi) DeLillo tratta il suo soggetto innanzitutto stilisticamente. Per l’occasione, accantona il fraseggio jazz di Underworld e adotta uno stile duro, economico.
  In passato il suo stile è stato criticato per la sua freddezza. I lettori che condividono questa opinione dovranno ammettere che, in questo caso, una prosa simile è lo strumento più appropriato, capace di battere Easton Ellis e McInerney al loro stesso gioco.
  In un romanzo che è pieno di dialoghi, c’è una costante attenzione al lessico di vari ambiti. Finanza e tecnologia sono ovviamente prominenti e interconnesse, ma c’è dell’altro: il linguaggio in codice di Torval, capo della sicurezza di Eric, è esilarante. E il lessico tecnico si sovrappone allo slang: "gli uomini discutevano di affari con frasi veloci e sconnesse, in cantilene dalla metrica formale accompagnate dal tintinnio delle posate" (60).

  Musica
  Il che ci porta alla preminenza della musica nel romanzo, particolarmente dell’hip hop: un genere basato sull’oralità, sulla spoken word, che è il suono di NY. E non si tratta solo della musica in sé: Cosmopolis è fatto degli stessi elementi che hanno creato l’hip hop—strade e clacson, calcestruzzo e catrame, grattacieli e case in mattoni; il rumoroso, affollato, impossibile vicinato di tagliatori di pietre ebrei e di ristoranti somali.

  Paul Auster
  Cosmopolis è dedicato a Paul Auster, che aveva a sua volta dedicato a DeLillo Leviathan del 1992; un libro che aveva molte similitudini con il delilliano Mao II, del 1991. Oltretutto Cosmopolis è un romanzo ambientato a NY, o per meglio dire a Manhattan; come molti di Auster.

  Cosmopolis il film
  http://cosmopolisthefilm.com/en
  DeLillo. Cronenberg. Sì.
  Nel film, il ruolo di Eric Packer è affidato a Robert “ragazzine urlanti” Pattinson, che secondo me renderà il personaggio debitamente antipatico. Elise Shifrin è interpretata invece dalla splendida Sarah Gadon, che ha recitato il ruolo di Emma Jung nel più recente film di Cronenberg, A Dangerous Method; oltre a sporadiche apparizioni nella serie tv canadese Murdoch Mysteries, che immagino nessuno conosca oltre al sottoscritto. L’alto profilo del progetto darà, si spera, visibilità a DeLillo. Non vedo l’ora di scoprire come Cronenberg ha reso alcune scene affollate del romanzo: la protesta anarchica, il rave, il funerale, specialmente le riprese cinematografiche (che effetto faranno all’interno del film?). Ma sono curioso anche delle scene più intime: quella di André Petrescu è solo un esempio. Il viaggio attraverso la città varrebbe da solo la visione. Sono sempre più convinto che il romanzo sarebbe (sarà) un ottimo film, e non capisco le ragioni di chi sostiene diversamente: 200 pagine compatte e ricche d’azione, dialoghi brillanti e personaggi divertenti.

  p.s.:
  Un ringraziamento particolare ad Artemisia anche per aver cercato nell'edizione italiana del romanzo le citazioni che ho usato in questa recensione.
  Che per la cronaca è stata scritta, in origine, in inglese:
  http://tinyurl.com/brjehe8

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  ― Posted on May 5, 2012 | 19 feedbacks

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  Ricordo quando uscì in Italia la prima volta, a ridosso della pubblicazione originale. Era l'autunno del 1994, ed io avevo iniziato a seguire i fumetti da pochi mesi, contestualmente alla nascita della Marvel Italia. All’epoca le cose succedevano in fretta; eppure questa miniserie divenne subito una ... (continue)

  Ricordo quando uscì in Italia la prima volta, a ridosso della pubblicazione originale. Era l'autunno del 1994, ed io avevo iniziato a seguire i fumetti da pochi mesi, contestualmente alla nascita della Marvel Italia. All’epoca le cose succedevano in fretta; eppure questa miniserie divenne subito una pietra di paragone quanto ad ambizione e qualità.
  Il progetto era sensazionale già nella scala: Marvels è un affresco che abbraccia l’intera storia del Marvel Universe dalle sue origini, decenni di storie e decine di personaggi.
  L’intento celebrativo è evidente fin dal titolo: marvels, meraviglie, sono i supereroi che irrompono in una New York da poco uscita dalla Grande Depressione e momentaneamente solo spettatrice della Guerra Mondiale. Proprio in quel 1939 erano usciti i primi pulp magazines della Timely Comics, che un paio di decenni più tardi sarebbe diventata la Marvel Comics. La miniserie ripercorre la storia di quell’universo fittizio, dalla Golden Age dei ’40 passando per la Silver Age dei ’60 fino al 1974.

  Una rivisitazione della storia della casa editrice, ma dalla prospettiva dell’uomo comune. Il concept non è del tutto originale: un’idea simile era stata usata ad esempio da Barry Windsor-Smith per Arma X, che raccontava le origini di Wolverine senza mai adottare il punto di vista del protagonista. In questo caso tuttavia l’espediente è particolarmente azzeccato, perché l’occhio narrativo è quello di Phil Seldon, fotoreporter che inaugura la propria carriera proprio alla fine degli anni ’30 e nel corso della sua vita vede salire alla ribalta varie generazioni di supereroi.
  Tra i tanti, prominenti sono ovviamente gli eroi ‘pubblici’, quelli non mascherati: i Vendicatori, soprattutto Capitan America, e ancor più i Fantastici Quattro. L’Uomo Ragno fa qualche apparizione fugace, più che altro sulla copertina dei quotidiani: come sanno gli appassionati, il suo alter ego Peter Parker è a sua volta fotoreporter, e il suo direttore notoriamente detesta i supereroi. Seldon ha quindi occasione di indignarsi per il modo pregiudiziale con cui, pur di sbarcare il lunario, Parker presenta l’Uomo Ragno, ignorando ovviamente che si tratta della stessa persona. J. Jonah Jameson compare d’altronde fin dalla primissima vignetta, giovane collega di Seldon.

  La miniserie affronta la reazione della gente comune ai supereroi: all’iniziale sgomento davanti ai loro poteri segue lo sdegno per le distruzioni, che sono un semplice effetto collaterale dei loro scontri epici; fino al senso patriottico quando diventano ‘i nostri ragazzi’ e combattono al fianco degli Alleati nella guerra mondiale. E ancora il glamour mondano dei Fantastici Quattro (il matrimonio di Reed e Sue è uno degli episodi clou), contestuale però all’odio violento e irrazionale per i mutanti. La loro comparsa, nel secondo numero della serie, è uno dei miei episodi preferiti, uno dei più profondi e storicamente significativi: la ‘caccia al mutante’ sembra rispecchiare l’atmosfera di tensione sociale dei ’60, e non a caso buona parte delle vittime dei disordini sono di colore.
  Questo è solo un esempio del modo in cui la Storia e le vicende dei supereroi si fondono magistralmente in questa serie. La compressione temporale evidenza un aspetto delle storie Marvel che ho sempre trovato comico -e non nel senso di comics-: ogni cosa succede a New York. Namor decide di attaccare la terraferma, e dove si infrangono le sue onde artificiali? Galactus, il divoratore di mondi, decide di papparsi il pianeta (ergo il nomignolo), e dove atterra?
  D’altro canto c’è un momento, forse meta-narrativo, in cui è affrontato questo aspetto: un collega di Seldon si congratula quando lui rifiuta di andare in Europa come corrispondente di guerra, pur di poter seguire i supereroi nella Grande Mela.

  I due autori sfruttano al meglio questa prospettiva.
  Lo scrittore Kurt Busiek dà alla storia un taglio giornalistico, mostrando in che modo la stampa e l’opinione pubblica fanno i conti con un mondo popolato di supereroi e supercriminali. All’importanza del mondo giornalistico nella serie ho già accennato; Busiek è arrivato perfino a scrivere appositamente una serie di articoli fittizi...
  Ancor più funzionale è lo strepitoso ‘fotorealismo’ pittorico di Alex Ross, davvero innovativo e di una qualità inedita nei fumetti mainstream (correggetemi se sbaglio, ma non mi pare che si fosse visto qualcosa del genere). I suoi personaggi hanno una vividezza spettacolare, e lui ha spiegato di aver usato spesso modelli in carne e ossa per studiare il gioco di luci e ombre, le pose, le espressioni facciali. Non stupisce che abbia impiegato un anno a disegnare le 180 pagine della serie. Ross si è divertito ad infarcire le sue vignette di personaggi famosi: i Kennedy, i Beatles (più volte), gli Who, &c. Ha citato inoltre vari autori e personaggi del mondo fumettistico, da Jack Kirby all’immancabile Stan Lee allo stesso Busiek ubriaco, passando per Lois Lane e Clark Kent (anche loro sono giornalisti) piuttosto che Owlman e Silk Specter da Watchmen. Ma soprattutto, Ross ha ritratto i supereroi anche in incognito, come semplici passanti. Per motivi affettivi io sono legato alle apparizioni di Daredevil, ma ognuno ha le sue preferenze.

  Per la cronaca, la miniserie fece ovviamente la fortuna del duo di autori, che riproposero il loro stile anche nelle successive opere per altri editori: Busiek utilizzò il punto di vista dell’uomo comune anche nell’ottima serie Astro City della Image, mentre Ross dipinse Kingdom Come per la DC Comics—che non mi ha emozionato quanto Marvels per il semplice fatto che io sono un fan della Marvel dall’aprile 1994.

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  ― Posted on Mar 31, 2012 | 4 feedbacks

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  Winner takes all.

  Text: http://bit.ly/cv5gns

  I.
  "To me he is power—he is the primitive, the wild wolf, the striking rattlesnake, the stinging centipede," said Arrellano.
  "He is the Revolution incarnate," said Vera. "He is the flame and the spirit of it, the insatiable cry for vengeance that makes no cry but that sl ... (continue)

  Text: http://bit.ly/cv5gns

  I.
  "To me he is power—he is the primitive, the wild wolf, the striking rattlesnake, the stinging centipede," said Arrellano.
  "He is the Revolution incarnate," said Vera. "He is the flame and the spirit of it, the insatiable cry for vengeance that makes no cry but that slays noiselessly. He is a destroying angel in moving through the still watches of the night."

  II.
  The time of the crisis approached. Whether or not the Revolution would be depended upon the Junta, and the Junta was hard-pressed. The need for money was greater than ever before, while money was harder to get. Patriots had given their last cent and now could give no more. Section gang laborers-fugitive peons from Mexico--were contributing half their scanty wages. But more than that was needed. The heart-breaking, conspiring, undermining toil of years approached fruition. The time was ripe. The Revolution hung on the balance. One shove more, one last heroic effort, and it would tremble across the scales to victory. They knew their Mexico. Once started, the Revolution would take care of itself. The whole Diaz machine would go down like a house of cards. The border was ready to rise. One Yankee, with a hundred I.W.W. men, waited the word to cross over the border and begin the conquest of Lower California. But he needed guns. And clear across to the Atlantic, the Junta in touch with them all and all of them needing guns, mere adventurers, soldiers of fortune, bandits, disgruntled American union men, socialists, anarchists, rough-necks, Mexican exiles, peons escaped from bondage, whipped miners from the bull-pens of Coeur d'Alene and Colorado who desired only the more vindictively to fight--all the flotsam and jetsam of wild spirits from the madly complicated modern world. And it was guns and ammunition, ammunition and guns--the unceasing and eternal cry.

  IV.
  He did not analyze. He merely knew that he must win this fight. There could be no other outcome. For behind him, nerving him to this belief, were profounder forces than any the crowded house dreamed. Danny Ward fought for money, and for the easy ways of life that money would bring. But the things Rivera fought for burned in his brain--blazing and terrible visions, that, with eyes wide open, sitting lonely in the corner of the ring and waiting for his tricky antagonist, he saw as clearly as he had lived them.
  He saw the white-walled, water-power factories of Rio Blanco. He saw the six thousand workers, starved and wan, and the little children, seven and eight years of age, who toiled long shifts for ten cents a day. He saw the perambulating corpses, the ghastly death's heads of men who labored in the dye-rooms. He remembered that he had heard his father call the dye-rooms the "suicide-holes," where a year was death. He saw the little patio, and his mother cooking and moiling at crude housekeeping and finding time to caress and love him. And his father he saw, large, big-moustached and deep-chested, kindly above all men, who loved all men and whose heart was so large that there was love to overflowing still left for the mother and the little muchacho playing in the corner of the patio. In those days his name had not been Felipe Rivera. It had been Fernandez, his father's and mother's name. Him had they called Juan. Later, he had changed it himself, for he had found the name of Fernandez hated by prefects of police, jefes politicos, and rurales.
  Big, hearty Joaquin Fernandez! A large place he occupied in Rivera's visions. He had not understood at the time, but looking back he could understand. He could see him setting type in the little printery, or scribbling endless hasty, nervous lines on the much-cluttered desk. And he could see the strange evenings, when workmen, coming secretly in the dark like men who did ill deeds, met with his father and talked long hours where he, the muchacho, lay not always asleep in the corner.
  As from a remote distance he could hear Spider Hagerty saying to him: "No layin' down at the start. Them's instructions. Take a beatin' and earn your dough."

  Ten minutes had passed, and he still sat in his comer. There were no signs of Danny, who was evidently playing the trick to the limit.

  But more visions burned before the eye of Rivera's memory. The strike, or, rather, the lockout, because the workers of Rio Blanco had helped their striking brothers of Puebla. The hunger, the expeditions in the hills for berries, the roots and herbs that all ate and that twisted and pained the stomachs of all of them. And then, the nightmare; the waste of ground before the company's store; the thousands of starving workers; General Rosalio Martinez and the soldiers of Porfirio Diaz, and the death-spitting rifles that seemed never to cease spitting, while the workers' wrongs were washed and washed again in their own blood. And that night! He saw the flat cars, piled high with the bodies of the slain, consigned to Vera Cruz, food for the sharks of the bay. Again he crawled over the grisly heaps, seeking and finding, stripped and mangled, his father and his mother. His mother he especially remembered--only her face projecting, her body burdened by the weight of dozens of bodies. Again the rifles of the soldiers of Porfirio Diaz cracked, and again he dropped to the ground and slunk away like some hunted coyote of the hills.

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  ― Posted on Mar 21, 2012 | 2 feedbacks

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  "Era quella un'epoca baffuta".

  Virginia Woolf, The Old World
  Credo di avere un problema con le prefazioni che la Woolf ha scritto per le opere jamesiane: avevo già letto l'introduzione al volume delle Storie di fantasmi curato da Leon Edel, e ho trovato quella come questa noiosa, poco brillante. Forse il mio ... (continue)

  Virginia Woolf, The Old World
  Credo di avere un problema con le prefazioni che la Woolf ha scritto per le opere jamesiane: avevo già letto l'introduzione al volume delle Storie di fantasmi curato da Leon Edel, e ho trovato quella come questa noiosa, poco brillante. Forse il mio errore consiste nell'averla letta prima del testo principale: se letta successivamente ha quantomeno la funzione di promemoria dei più interessanti aneddoti narrati da James. Ad ogni modo la Woolf ha azzeccato alcuni concetti, che ora vedremo.

  Henry James, The Middle Years
  In tarda età James aveva iniziato a lavorare ad un ciclo di testi autobiografici. Dopo A Small Boy and Others e Notes of a Son and Brother, che raccontano della sua infanzia e giovinezza, questo The Middle Years è il terzo volume - nonché l'ultimo: James ci lavorò nell'autunno del 1914, ebbe un attacco di cuore nel dicembre del 1915 e morì, settantatreenne, il 28 febbraio 1916. Il ciclo autobiografico rimase quindi incompiuto; il numero di testi che avrebbe potuto includere fosse stato portato a termine è suggerito dal semplice fatto che James ne abbia riempiti due solo con i primi 25 anni di vita. Il titolo originale è omonimo a quello di un suo racconto - l'edizione Mattioli aggiunge la dicitura 'autobiografia' nel titolo per evitare fraintendimenti.
  Il volume rimase quindi incompiuto; ha ragione la Woolf nel dire che i ricordi di James s'interrompono. Sarebbe forse interessante analizzare il testo come esempio di manoscritto che James non ebbe modo di rivedere; ma in quel caso bisognerebbe lavorare sul testo originale (io ho un'impostazione accademica, portate pazienza). Ha ragione la Woolf quando scrive che "tra le mani ci sembra di avere solo il preludio di ciò che stiamo per leggere, solo il primo assaggio di un banchetto che ci è stato ora e per sempre negato". Si è però scordata di specificare che, nella caratteristica tarda maniera jamesiana, il 'preludio' è molto elaborato e il nostro 'assaggio' è un boccone elaborato, non di facile digestione. Credo che 'autobiografia incompiuta di Henry James' sia, per chi è familiare con i tre termini, una definizione sufficiente a racchiudere queste caratteristiche.
  Questo volume si apre con lo sbarco dell'autore a Liverpool il primo marzo 1869, ed avrebbe dovuto coprire i suoi anni inglesi (quantomeno i primi). Di fatto, i primissimi capitoli fungono da introduzione e servono più che altro a trasmettere le aspettative dell'allora venticinquenne scrittore, al suo arrivo nella capitale dell'impero; seguono alcuni incontri interessanti, ad es. con George Eliot e Tennyson; ma il tutto s'interrompe quando il lettore ha iniziato a prenderci gusto. E procedere fino a quel punto, come dicevo, non è cosa leggera.

  Andrebbe letto contestualmente ad altri testi (epistolari, notebooks, recensioni...) che illustrino meglio cosa abbia significato per lui vivere in Inghilterra in quegli anni.

  Mattioli 1885
  Crediateci o meno, questo è il primo Mattioli che leggo.
  Sono libri molto curati sia nella forma (copertina, veste tipografica) che nel contenuto (traduzione, testi di accompagnamento). Inoltre la lista di autori farebbe la felicità di chiunque, come il sottoscritto, si occupa di americanistica: London, Twain, ancora London, ancora Twain, Melville, Poe, la Wharton, un altro London, un altro Twain... C'è da chiedersi cosa aspettino a pescare nella vasta produzione di racconti di Hawthorne.
  Detto questo, sono forse troppo trotzkijsta nell'opinare che €10 per 120 pagine in un formato selleriano mi sembrano eccessivi, considerando anche il fatto che i testi dei suddetti autori sono disponibili gratuitamente nella versione originale? È stato così che ho letto I and My Chimney di Melville, ad esempio.
  Colgo l'occasione per ringraziare chi mi ha prestato il libro, che a sua volta non l'ha pagato...

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  ― Posted on Apr 6, 2012 | 4 feedbacks

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