Lorenzo Gasparrini

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- L'occhio e lo spirito (183)
- By Maurice Merleau-Ponty
- Finished on Oct 19, 2009
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L'occhio e lo spirito

3 people find this helpful

E’ un saggio su…
Il rapporto tra la vita, l’arte figurativa, l’immagine che ci facciamo della nostra esistenza. Il tentativo di trovare una filosofia che eviti l’aridità e la falsa oggettività della scienza e che non sia il solito sterile pensiero che non ha più un legame con la vita. Hai dett ... (continue)

E’ un saggio su…
Il rapporto tra la vita, l’arte figurativa, l’immagine che ci facciamo della nostra esistenza. Il tentativo di trovare una filosofia che eviti l’aridità e la falsa oggettività della scienza e che non sia il solito sterile pensiero che non ha più un legame con la vita. Hai detto niente…
Recensione.
In cinquanta pagine cinquanta Merleau-Ponty constringe a vedere il mondo in maniera nuova per sempre. Mentre è concentrato a lavorare su un’altra opera, lascia tutto per scrivere questo saggetto, per la rivista di un amico. Forse per questo il suo pensiero è distillato con facilità e leggerezza in un linguaggio denso e profondo, chiaro e potente. Un infarto lo colpirà a morte poco dopo la pubblivcazione. Senza nessuna complicazione teorica, Merleau-Ponty ci regala queste pagine che sono, per la fenomenologia, tutto: esempio di metodo e di tensione per la ricerca di un linguaggio nuovo; introduzione alla fenomenologia e tentativo di superarne i limiti; pensiero dell’arte ma non “filosofia dell’arte”. Anche il lettore non interessato a questioni filosofiche troverà il modo di apprezzare un testo che parla così profondamente dei suoi occhi, della sua carne, del suo corpo e del mondo che li ospita.
Ancora viene commercializzata l’edizione del 1989, data per “reperibile in 1 o 2 giorni lavorativi”, segno che proprio non se l’è comprato nessuno. Ma attenzione, adesso lo pagate 12 euro.
Fuori l’autore.
Maurice Merleau-Ponty è oggi riconosciuto come il più grande fenomenologo francese. Basterebbe dire che Foucault rubava a tutti gli appunti delle sue lezioni, anche se ci andava personalmente. Purtroppo morì improvvisamente, nella primavera del 1961, lasciando quasi più appunti per libri in preparazione che opere pubblicate. Questa, grazie al caso, è la sua ultima opera.
Perché leggerlo, oltre che per il suo argomento?
E’ un sano antidoto alla filosofia pallosa, verbosa e inutile. Il che mi sembra un enorme merito. In più, avvicina con occhi nuovi all’arte, anche se non figurativa; soprattutto a quella moderna e contemporanea, che ancora molti trovano incomprensibile.

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— Oct 19, 2009 | Add your feedback
- Il cinema secondo Hitchcock (2147)
- By François Truffaut
- Finished on Oct 19, 2009
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Il cinema secondo Hitchcock

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E’ un saggio su…
Sul cinema. Che altro dire? Due registi tra i più grandi di sempre parlano, apparentemente, del cinema di uno di loro due; ma sono amici, si stimano e quindi, perché non parlare anche di tutto quello che ruota intorno al cinema? Lo so, è una frase trita e ritrita, ma credo che ... (continue)

E’ un saggio su…
Sul cinema. Che altro dire? Due registi tra i più grandi di sempre parlano, apparentemente, del cinema di uno di loro due; ma sono amici, si stimano e quindi, perché non parlare anche di tutto quello che ruota intorno al cinema? Lo so, è una frase trita e ritrita, ma credo che libri del genere non se ne leggeranno più.
Recensione.
Raramente due geni del cinema si sono parlati con questa franchezza, con la totale arbitrarietà dei discorsi che s’incontra in queste pagine. Truffaut abbandona presto i panni dell’incondizionato ammiratore per farsi un onesto indagatore di un genio che ammira; Hitchcock smette i panni del cinico professionista abbonato ai successi per rivelare le paure tipiche di un qualunque creatore e innovatore di un’arte già molto vecchia come quella cinematografica.
Il ritmo è sempre godibile, e le riflessioni – che pure sono molte – non sono mai pesanti né retoriche. Hitchcock appare per quello che è stato: l’inventore del cinema moderno quale oggi lo conosciamo. Tecnicamente ha inventato o perfezionato tutti i movimenti della macchina da presa; stilisticamente ha messo alla prova lo spettatore distruggendo e reinventando ogni cliché, ricevendo sempre dal pubblico una incondizionata ammirazione. Dai suoi rari insuccessi – di cui parla forse più dei sui capolavori – ha tratto insegnamenti preziosi che qui condivide; Truffaut, da parte sua, è un ottimo intervistatore che incalza senza petulare, non ha paura di chiedere spiegazioni e di farsi dare ragione di ogni giudizio non condiviso con il suo intervistato – che, insisto, sa ammirare senza adularlo.
Il libro è stato più volte ristampato, edito prima da Pratiche poi dal Saggiatore, ma in libreria non lo troverete mai. Occhio ai prezzi: ovviamente l’ultima edizione è a 39 euro, ma è facile trovare anche molte copie delle precedenti edizioni a undici euro al massimo.
Fuori l’autore.
Francois Truffaut (1932-1984), regista - tra gli altri - di I quattrocento colpi, Jules e Jim, Fahrenheit 451, Effetto notte, Gli anni in tasca, L’amore fugge… basta?
Perché leggerlo, oltre che per il suo argomento?
Perché quando due grandissimi di un’arte si mettono a parlare a ruota libera delle cose che più amano, non si può non starli a sentire. E imparare tutto, ogni parola. Caldamente consigliato – mi permetto di farlo per la mia personale esperienza di docente – a tutti gli studenti di DAMS e simili.

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— Oct 19, 2009 | Add your feedback
- L'incontro di Telgte (38)
- By Günter Grass
- Finished on Oct 19, 2009
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L'incontro di Telgte

La trama, per sommi capi.
A Telgte, nel 1647, un poeta raduna molti amici e conoscenti impegnati come lui nelle lettere a vario titolo, che arrivano in Westfalia da tutta la Germania; mentre seguono e commentano i negoziati per la pace seguente la tremenda Guerra dei Trent’anni, cercano un ter ... (continue)

La trama, per sommi capi.
A Telgte, nel 1647, un poeta raduna molti amici e conoscenti impegnati come lui nelle lettere a vario titolo, che arrivano in Westfalia da tutta la Germania; mentre seguono e commentano i negoziati per la pace seguente la tremenda Guerra dei Trent’anni, cercano un terreno comune tra le lingue e le storie di un paese in ginocchio. Grazie all’aiuto di una sapiente ostessa e della sua cucina, troveranno quello che il loro sfortunato paese non avrà mai, ma perderanno per sempre la “loro” osteria.
Fuori l’autore.
Gunter Grass, nato nel ‘27, Nobel nel ‘99, è trai pochi che si è caricato sulle spalle, come solo un romanziere sa fare, il peso tutto tedesco di fare i conti con il proprio sporco passato. E’ una lezione che molti, molti, molti dovrebbero imparare.
La recensione in senso stretto.
Il romanzo è una delizia, per chi ama l’arte tutta romanzesca di parlare di una cosa attraverso un’altra (la classica e sempiterna ironia romanzesca, che qualche sapientone chiamerebbe ‘saggismo del romanzo’). Grass ambienta trecento anni prima quello che è successo a un manipolo di poeti e letterati nella devastata Germania del ‘47. Ma, è ovvio, a Grass non interessa affatto la storia “vera”, altrimenti non avrebbe fatto un romanzo ma un lungo articolo. Invece, ironicamente, trasporta tutto indietro, dà via libera alla sua poesia e mette in scena un simposio di caratteri umani nei quali tutto quello che si può dire sulla lingua e sulla letteratura viene detto, discusso, amato e odiato. Il risultato sarà un documento che finalmente avrebbe potuto testimoniare una nuova identità di tutti i letterati e di tutta la letteratura; ma il documento finirà male, e tutti dovranno portare quello spirito nuovo appena trovato solo nel loro cuore.
Grass gioca con la Storia, e, da bravo romanziere, si disinteressa ai fatti per concentrarsi sulle occasioni; e così le chiacchiere in bocca a questi personaggi barocchi, che con tono leggero passano da una discussione tra poeti a una solenne abbuffata, si trasformano tutte in pesanti macigni sul nostro futuro – dopo essere state ironiche parodie del nostro presente. Grass in questo è impietoso: non ci sarà mai più qualcosa come l’incontro di Telgte, anche se continua ad aumentare la necessità di farne uno. Ma in fondo, l’incipit già diceva tutto: “Ieri sarà quel che domani è stato. Le nostre storie d’oggi non hanno bisogno di essere accadute adesso”.
Non è stato più ristampato dal 1982. Buona fortuna a chi vuole trovarlo.
Perché dovrei leggerlo.
Per ricordarci che i conti con il proprio paese vanno fatti in prima persona; se lasciamo che ci pensino gli altri, rapidamente nessuna terra sarà più il nostro paese.

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— Oct 19, 2009 | Add your feedback
- Tre sentieri per il lago (614)
- By Ingeborg Bachmann
- Finished on Oct 19, 2009
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Tre sentieri per il lago

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La trama, per sommi capi.
Il libro è una racolta di cinque opere, delle quali l’ultima, che dà il titolo italiano al volume, è un piccolo romanzo.
Una donna torna al paese di provincia dal quale proviene, e solo lì si rende conto del tempo che è passato; cercherà di rimettere insieme la ... (continue)

La trama, per sommi capi.
Il libro è una racolta di cinque opere, delle quali l’ultima, che dà il titolo italiano al volume, è un piccolo romanzo.
Una donna torna al paese di provincia dal quale proviene, e solo lì si rende conto del tempo che è passato; cercherà di rimettere insieme la sua esistenza, ma tutto le sfugge: gli amici, gli amori, le parole, la vita. Chi, cosa la uccide? Il romanzo procede come un calmo, irrevocabile strangolamento. Elisabeth, la protagonista, esaurisce l’aria che ha intorno, schiacciata lentamente e inesorabilmente da quel mondo che, apparentemente, prima era in grado di gestire. “Prima” di cosa? Perché due settimane di vacanza nella casa del padre, che è stata la sua da bambina, in un paese immerso nella natura hanno avuto questo effetto? La Bachmann dipinge con la sicurezza di un chirurgo un chiaro caso di omicidio. Ma può il linguaggio uccidere? Ebbene, in questo romanzo accade proprio questo.
Fuori l’autore.
Ingeborg Bachmann (1926-1973) è stata una delle più grandi scrittrici di sempre. Romanzi, racconti, poesie, giornalismo tutti di immenso livello poetico e di straordinaria lucidità storica e politica. Il suo interesse fondamentale, che emerge con forza attraverso tutti i modi dello scrivere che ha sperimentato, è capire il linguaggio. Come faccia l’Austria a produrre scrittori così con una media di uno ogni vent’anni rimane un mistero. Comunque, meno male che lo fa. Purtroppo, per nostra grande sventura, la Bachmann è morta troppo presto in uno stupido incidente domestico nella sua amata casa di Roma.
La recensione in senso stretto.
La scrittura della Bachmann è lenta e faticosa, appiccica quasi, e per questo è molto difficile staccarsene. Come il suo conterraneo Bernhard, non mette un capoverso manco a pagarla, ma al contrario di Bernhard, lei non ritorna mai su quanto già detto. Ha una grande, immensa capacità che probabilmente le viene dalla sua straordinaria facilità poetica: usa la terza persona come fosse la prima; malgrado il suo linguaggio porga il testo come se fosse raccontato, lei riesce a mantenere il tono del “vissuto”. Il senso complessivo di questa operazione della scrittura si riflette sul contenuto: c’è una oggettività, un distacco sempre cercato e mai trovato, un latente senso di “ricordo” che però è sempre smentito da qualche presenza troppo viva per essere dimenticata ma troppo poco sentita per essere posseduta. Questo clima quasi onirico è la cifra del suo stile.
In più, Tre sentieri per il lago è una prova del fatto che il romanzo, quando è tale, non si basa certo sulle dimensioni del testo. In circa cento pagine c’è tutto quello che un romanzo deve essere: critica, storia, vita, satira, politica, amore, morte, ironia, tragedia, proverbio e chiacchiera.
Adelphi non ha ancora finito le sue scorte dell’ultima lontana ristampa, che ha ancora il prezzo di otto euro. Vi prego, sfuggite la tremenda quarta di copertina, una delle peggiori accozzaglie di stupidaggini di cui è stato capace Pietro Citati.
Perché dovrei leggerlo.
Perché non bastano mai gli esempi per capire quanto male si può fare con le parole. In più, già i romanzieri sono meno degli scrittori; quando se ne incontra uno che è anche grandissimo poeta, illuminante giornalista, capace di capolavori anche in un genere di nicchia come il radiodramma, è il caso di non farsi sfuggire neanche una riga di ciò che ha scritto.

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— Oct 19, 2009 | 1 feedback
- Pornografia (260)
- By Witold Gombrowicz
- Finished on Oct 19, 2009
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Pornografia

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La trama, per sommi capi.
Una coppia di amici non più giovani incontra una coppia di adolescenti e, non potendo più vivere una passione carnale con i loro corpi, nella noia dei giorni di vacanza cerca di far nascere una tensione erotica nei due giovani; i quali, però, sembrano proprio non aver ... (continue)

La trama, per sommi capi.
Una coppia di amici non più giovani incontra una coppia di adolescenti e, non potendo più vivere una passione carnale con i loro corpi, nella noia dei giorni di vacanza cerca di far nascere una tensione erotica nei due giovani; i quali, però, sembrano proprio non averne la minima voglia. Ciò che terrà insieme i quattro sarà un crimine commesso insieme, sotto gli occhi dei due anziani che vedono così realizzato il loro programma erotico dai due indifferenti adolescenti, ma non attraverso la passione, bensì attraverso la morte.
Fuori l’autore.
Witold Gombrowicz è stato un grande romanziere, ammirato molto dai suoi colleghi più di quanto lo è dal grande pubblico. Riconosciuto padrone incontrastato dell’arma della parodia di genere – uno dei punti di forza del vero romanzo – abbandona la Polonia nella quale è nato allo scoppio della Seconda Guerra per non tornarci mai più. La morte, dopo una vita spesa in Argentina e a Berlino, lo trova in Francia, esule critico di un’Europa che vorremmo tanto non esistesse più, e invece è ancora in ciascuno di noi “europei”. Importantissimo per la storia del romanzo è anche il suo Diario, in tre volumi.
La recensione in senso stretto.
Certamente Ferdydurke è il migliore dei romanzi di Gombrowicz, perché nella sua feroce ironia e nel suo profetico linciaggio della giovinezza ipocrita rimarrà sempre insuperabile; ma Pornografia ne è il lato oscuro, raffinata e algida parodia di mille generi letterari costruita per descrivere l’essenza del fenomeno pornografico.
La domanda di Pornografia, la struttura portante di ogni vero grande romanzo, è infatti: può un’esperienza vista dare lo stesso piacere di una esperienza vissuta? E se no, perché quella sembra sempre più attraente di questa?
Per rispondere a questa domanda, Gombrowicz costruisce una parentesi nell’ambientazione di guerra, dove tutto si concentra in poco tempo e tra pochi individui ma costringe tutto e tutti all’impietoso giudizio dello sguardo altrui. I dialoghi sono semplici, il linguaggio piano, tutto per contribuire a colorare di “necessità” una storia che invece sta in piedi grazie all’“assurdità” di ciò che accade - finché la morte non restituisce a tutti il significato delle proprie azioni. Le due parti del romanzo stanno a significare - anche nella costruzione dell’opera - la netta linea che divide il caso dalla necessità.
Gombrowicz raggiunge qui una delle massime ambizioni di un romanziere: usare il linguaggio per significare lo sguardo. E non lo fa modellando la lingua e il lessico attorno alla sua straripante capacità poetica, come Proust: lo fa spiazzando continuamente il lettore sulle sue abitudini linguistiche, costringendolo a pensare a ogni metafora – che diventa così un ostacolo, e non un mezzo per la comprensione. Il rischio che corre l’autore è lo stesso che corre il comico: che la sua parodia non venga colta come un rovesciamento della realtà, ma come una sua scialba imitazione. È lo stesso rischio che corre il lettore che pensa, in questo caso, di leggere un racconto, senza accorgersi che ha tra le mani un romanzo.
In Italia Feltrinelli lo ha meritatamente ritradotto del 1994, e da allora lo ha pubblicato in due collane, l’ultima l’anno successivo. Da allora, ogni tanto viene ristampato (l’ultima volta è il 2005) nella collana più economica: è in listino a otto euro. Però senza l’interessante apparato critico presente nell’edizione del ‘94.
Perché dovrei leggerlo.
Perché il mondo occidentale, coi suoi media veloci e choccanti ha abituato i nostri occhi a fare a meno del linguaggio, abituandoci a non poter parlare propriamente delle proprie esperienze visive perché le riteniamo ineffabili. Sta al romanzo ricordarci ancora che la nostra capacità di vedere – e di sentire attraverso la visione – dipende dalla nostra stessa capacità di riconoscere e significare quello che si vede con il linguaggio, e non il contrario.

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— Oct 19, 2009 | Add your feedback

- Il palazzo color arancio (1)
- Frammenti di pensiero
- By Maurizio Bertucci
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Il palazzo color arancio

Recensione

La trama, per sommi capi.
La vita di Andrea Josè Aguilar, raccontata in pochi episodi ma inseguita in tutte le sue sensazioni. In mezzo amore, morte, strade e un palazzo color arancio.
Fuori l’autore.
Maurizio Bertucci vive adesso fuori dall’Italia, e di questi tempi è quasi un merito ... (continue)

La trama, per sommi capi.
La vita di Andrea Josè Aguilar, raccontata in pochi episodi ma inseguita in tutte le sue sensazioni. In mezzo amore, morte, strade e un palazzo color arancio.
Fuori l’autore.
Maurizio Bertucci vive adesso fuori dall’Italia, e di questi tempi è quasi un merito. Ottimo studente, splendido centrocampista, amico sensibile. Speriamo, per lui e per noi, che non gli sia passata la voglia di scrivere solo perché vive in un paese che gode di ottima reputazione.
La recensione in senso stretto.
Questo piccolo testo è la prova - se ce ne fosse ancora bisogno - che i romanzi non si giudicano dalle dimensioni. C’è la descrizione di un mondo, una rincorsa bisognosa di totalità, che caratterizza queste cinquanta pagine allo stesso modo della monumentale Recherche. E anche se, a un occhio distaccato, potrà sembrare che non si “racconta” niente, non può sfuggire che la domanda di questo libro non riguarda gli avvenimenti quanto la nostra lacunosa possibilità di ricordarne la realtà. Ancora una volta un romanziere si pone la questione dell’esperienza – cos’è “un’esperienza”? - e ci dà una risposta. A noi rimane la libertà di farne tesoro.
Stilisticamente la prosa di Bertucci ha la felice tendenza a condensarsi in versi; si tronca, si piega, si aggiusta anche tipograficamente seguendo la sensibilità, cercando di conservare la nitidezza del sentito a scapito della purezza del detto. Non ci perdiamo, noi lettori, assolutamente niente; la ricerca dell’autore, la ricerca di Andrea Aguilar, sono subito le nostre senz’altro patto che proseguire nella lettura.
La copertina, e l’autore, ci annunciano “frammenti”; la finzione romanzesca è in chiara fin da subito, perché qui c’è in gioco il tutto, altro che frammenti. Come e se questo tutto arriverà non è però dato sapere; i romanzi, si sa, non possono certo sostituirsi alla vita. Al massimo ce ne fanno accorgere.
Perché dovrei leggerlo.
Perché abbiamo tutti un palazzo color arancio, da qualche parte. Perché l’importanza di una scrittura non la fa l’editore; quest’ultimo può accorgersene ma anche ignorarla. E’ un errore che sta ai lettori riparare.

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— Oct 6, 2011 | Add your feedback
- Gli anni della pioggia (7)
- By Carlo Carabba
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Gli anni della pioggia

Recensione.

Mi pare di averlo già detto altrove, ma comunque è il caso di ripeterlo: mentre in italiano abbiamo solo la parola “nostalgia”, il tedesco distingue heimweh come la nostalgia per qualcosa che si è vissuto ma ora è lontano, e con sehnsucht la nostalgia per qualcosa che non si è mai vissuto. Carabba r ... (continue)

Mi pare di averlo già detto altrove, ma comunque è il caso di ripeterlo: mentre in italiano abbiamo solo la parola “nostalgia”, il tedesco distingue heimweh come la nostalgia per qualcosa che si è vissuto ma ora è lontano, e con sehnsucht la nostalgia per qualcosa che non si è mai vissuto. Carabba riesce qui a toccare i due significati in versi in italiano nei quali solo a furia di inutili astrazioni si distinguerebbero le due nostalgie, mentre il loro consuonare crea uno spazio per un linguaggio diretto e naturale tra un uomo e la memoria della propria esistenza. Come se fosse semplice. Allo stesso modo, è evidente che queste poesie parlano anche e sempre della lingua; parlano del suo potere di allusione, pronto a sprigionarsi se solo si ha la sensibilità di lasciar perdere la volontà di dire qualcosa per liberare la possibilità di far parlare la propria lingua, da sé e di sé. Non c’è altro argomento, qui, che Carlo Carabba: ma non c’è traccia di oggettivazione nella sua intenzione linguistica; quindi - come sempre nella migliore poesia - la poesia dice se stessa, dice la lingua e tutto il dicibile come se fosse lì pronto a farsi vedere da tutti e per tutti. “Come se”: Mario Desiati giustamente parla di questa come di “una poesia che inganna”. Non perché costruisce una finzione, come farebbe la prosa, ma perché può illudere che senza particolare sforzo e lavoro si possa fare poesia, come in certi musei sentiamo dire davanti a un quadro astratto: “questo potevo farlo anche io”.
No, la poesia di Carlo Carabba la può fare solo lui. Se, come faccio spesso, accosto opere poetiche a discorsi sul romanzo, è sempre perché questo impari qualcosa da quelle. La distanza con la quale questa poesia non è fattibile da chiunque è inversamente proporzionale alla vicinanza con la quale ci dice qualcosa di chiunque; e il romanzo dovrebbe avere più spesso questo dono, questo antidoto al veleno di una ipocrisia dilagante. Ci riesce sempre meno.

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— Oct 4, 2011 | Add your feedback
- Touch and splat (14)
- By Alessandro Cascio
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- Ti credevo più romantico (31)
- By Antonio Iovane
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Ti credevo più romantico

Recensione

La trama, per sommi capi.
Un comico televisivo vecchio e arrabbiato minaccia una strage. Mentre cerchiamo di capire il perché del suo gesto spettacolare, ci passa sotto gli occhi la storia italiana degli ultimi quarant’anni, vista dalla televisione. Cioè vista con quello stesso strumento con il qua ... (continue)

La trama, per sommi capi.
Un comico televisivo vecchio e arrabbiato minaccia una strage. Mentre cerchiamo di capire il perché del suo gesto spettacolare, ci passa sotto gli occhi la storia italiana degli ultimi quarant’anni, vista dalla televisione. Cioè vista con quello stesso strumento con il quale anche noi abbiamo visto quella storia. Gerry Bellotto è un personaggio spregevole e non è possibile salvarlo per quanto se ne possa avere pietà. Ma se i suoi occhi sono i nostri, se la sua realtà è la nostra, sarà ben difficile capire in cosa siamo migliori di lui. Buona fortuna.
Fuori l’autore.
Antonio Iovane è stato costretto a fare il giornalista, non potendo (ancora) vivere della propria scrittura. Ha scelto la radio per svolgere questo lavoro, e speriamo che il mestiere non ne rovini troppo le doti letterarie. Mentre lo sentite a Radio Capital, ricordatevi che la sua realtà è un’altra, e migliore di come sembra. Ricordatevene anche se e quando avrete la ventura di conoscerlo.
La recensione in senso stretto.
E’ piuttosto difficile parlare di un romanzo che vuole, tra le altre cose, denunciare l’effetto della televisione sul linguaggio e sulle abitudini dei suoi ossessionati spettatori usando quello stesso linguaggio. E’ stato detto, infatti, che in questo romanzo “la narrazione diventa presto ripetitiva, le battute del comico non fanno mai ridere e il suo atteggiamento di disinteresse verso tutto quello che non sono le gag di Jerry Lewis, risulta scontato. I dialoghi, poi, celano sempre una qualche fastidiosa massima, un capovolgimento della realtà, una visione della vita, che dovrebbe stupire e illuminare, ma, più spesso, non fa che irritare”. Tutto vero: ma tutto questo è esattamente la voluta architettura del romanzo. Come il buon barone di Münchhausen, questo romanzo vuole salire più in alto tenendosi per i capelli; ma per un romanzo i paradossi non sono mai stati un problema. Forse lo sono per i critici e per i recensori.
Iovane non ha paura di giocare pesante, e costruisce un classico bildungsroman - cosa che già di suo, nel XXI secolo, è un bell’atto di coraggio - e affidandosi a questa consolidata struttura narrativa si prova nella specialità romanzesca per eccellenza: scrivere d’altro. Ecco che troviamo qui anche una succinta storia della televisione italiana, e del suo pubblico; anche una storia della misera deriva linguistica del nostro paese; anche una possibile risposta a una domanda vecchia quanto il romanzo di formazione. Come e quando si diventa adulti? Gerry Bellotto ci dà la sua risposta e, cosa piuttosto inquietante, volenti o nolenti la fornisce a tutta la generazione che si rivede con lui nel teleschermo. A voi decidere se vi piace.
Il linguaggio di Iovane è volutamente pirotecnico, a volte frenetico, insomma: “televisivo”. Anche qui il romanzo rischia grosso, perché va bene giocare sulla differenza tra ironia e umorismo, ma farlo appoggiandosi a un personaggio sgradevole può essere fonte di fraintendimento; leggere irritandosi non dovrebbe durare troppo. Tutti siamo migliori di Bellotto, nessuno si sognerebbe di approvarne tutte le mostruisità, ma quando l’identificazione fa capolino, chi si sente abbastanza coerente da voler ancora difenderlo? O da ammettere che non abbiamo mai avuto un desiderio simile a un suo sogno, a una sua impresa, a un po’ della sua vita?
Rimane comunque il gusto di aver letto un’opera terribilmente promettente. Non possiamo sapere se Iovane scriverà sempre così, se quello che abbandonerà sarà un prezzo adeguato per quello che acquisirà, e in cosa le sue pagine saranno ancora riconoscibili. Lasciamo fare al romanzo. Lui, sicuramente, non finirà di stupirci.
Perché dovrei leggerlo.
Perché si pensa e si ride insieme; già sono possibilità rare in un romanzo, quando capitano insieme bisogna approfittarne. Perché i libri che analizzano il “fenomeno” televisione sono di una noia tremenda; un romanzo può permettersi una felice sintesi impossibile per qualunque altra scrittura.

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— Oct 4, 2011 | Add your feedback
- Lettere sulla poesia (83)
- By John Keats
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Lettere sulla poesia

Fuori l’autore.
John Keats (1795 - 1821) è sicuramente tra i pochissimi che ha compreso - in una maniera che coinvolgeva tutto di sé - il potere della parola; è un («il»?) poeta romantico per eccellenza, ed è nel Romanticismo europeo - sublime e feroce officina di geni - che il romanzo moderno racco ... (continue)

Fuori l’autore.
John Keats (1795 - 1821) è sicuramente tra i pochissimi che ha compreso - in una maniera che coinvolgeva tutto di sé - il potere della parola; è un («il»?) poeta romantico per eccellenza, ed è nel Romanticismo europeo - sublime e feroce officina di geni - che il romanzo moderno raccoglie le eredità che partono da Omero, passano per Don Chisciotte, e diventano quello che oggi conosciamo. A Keats la poesia – intesa nel senso più ampio di “forza creatrice del linguaggio” – deve moltissimo.
La recensione in senso stretto.
Un epistolario è sempre una violenza fatta all’autore delle lettere e ai suoi destinatari; diciamolo all’inizio senza ipocrisie. La domanda che come lettori di dobbiamo porre è: come giustifichiamo a noi stessi questa violenza? Curatori ed editori ne hanno di motivi; ma il lettore?
Questo epistolario è - tra le altre cose - un’opera dedicata alla meraviglia come sentimento di conoscenza del mondo, come prima facoltà della sensibilità per comprendere il mondo. Keats è un poeta in ogni suo gesto quotidiano, in ogni sua parola scritta, perché la sua anima non ha modalità diverse di approccio al mondo; egli è sempre in ascolto di tutto, sempre pronto a farsi sconvolgere da qualunque cosa - da una cosa qualunque, quindi. Per lui la poesia non ha nessuno luogo particolare né nessun compito esclusivo: la parola poetica mette in relazione i fenomeni, ma altro non può fare.
Un epistolario può servire a far vedere come, per un poeta, la vita, il lavoro e lo stupore di fronte al mondo sono sempre contemporanei.
Perché dovrei leggerlo.
Perché esistono anche i monumenti di parole, e questo epistolario lo è: un’opera edificata lentamente, e inconsapevolmente, che racconta cosa sono i poeti nel quotidiano,nei rapporti umani, nel parlare di sé e degli altri: degli esseri umani incapaci di indifferenza, a ogni livello.
Perché riesce a far capire ancora a cosa serve una lettera, per quale motivo ci si rivolge a un altro essere umano con parole scritte.

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— May 10, 2011 | Add your feedback

- Diario futile di un signore di mezza età (54)
- By Marcello Marchesi
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Diario futile di un signore di mezza età

C’è stato un tempo in cui la televisione raccoglieva, data la sua “modernità”, molti intellettuali di grande livello per lavorare ai suoi programmi. Marchesi, uno di questi, raccoglie in questo «diario» - in mancanza di migliori generi, allora, evidentemente non si aveva di meglio - qualunque cosa ... (continue)

C’è stato un tempo in cui la televisione raccoglieva, data la sua “modernità”, molti intellettuali di grande livello per lavorare ai suoi programmi. Marchesi, uno di questi, raccoglie in questo «diario» - in mancanza di migliori generi, allora, evidentemente non si aveva di meglio - qualunque cosa piccola, minore, non prevista, che il suo lavoro di scrittore per la televisione lasciava cadere.
Abbiamo qui raccolta una serie di irriverenze, battute, aforismi, ricordi, giochi di parole, poesie, “pun” insomma, che risentono molto della spontaneità del loro autore. Con meno tecnica e più dolore di molti suoi contemporanei - Flaiano, per esempio - Marchesi in queste note toglie coperchi, apre porte, rompe lucchetti, e va vedere il “dietro” di molti fenomeni: poi rimette a posto, educatamente, e lascia che il linguaggio, che poco fa era stato grimaldello, ritorni al suo ordinario lavoro rassicurante.
Se questo libro è un diario, lo è certamente di un linguaggio - e di quel paese che lo parlava - che è ancora il nostro. Esso si mostra in una maniera che spesso la letteratura trascura: quella ironica, obliqua, sur-reale abbastanza da rendersi comprensibile solo a chi abbandona i pregiudizi linguistici, e non solo quelli. Credo che di libri del genere ce ne sia ancora un gran bisogno.

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— May 10, 2011 | Add your feedback
- Rime tempestose (28)
- bufala cosmica
- By M. Ardemagni, A. Berardi, G. Micheloni, …
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Rime tempestose

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Nato negli anni in cui il fenomeno del «pun», del «demenziale» (com’è stato da noi orrendamente ribattezzato il surrealismo versificatorio a volte fatto anche canzone) non era ancora svenduto alla televisione di massa, il gruppo «Bufala Cosmica» girava teatri italiani ed altri spazi più o meno accog ... (continue)

Nato negli anni in cui il fenomeno del «pun», del «demenziale» (com’è stato da noi orrendamente ribattezzato il surrealismo versificatorio a volte fatto anche canzone) non era ancora svenduto alla televisione di massa, il gruppo «Bufala Cosmica» girava teatri italiani ed altri spazi più o meno accoglienti a presentare i suoi readings. Questo condensato del loro lavoro propone, nelle quattro identità così diverse del gruppo (Gianni Micheloni, Antonio Pezzinga, Alessandra Berardi, Marco Ardemagni) un campionario esauriente - ma ahimè sempre troppo breve - delle potenzialità conoscitive di questo particolare «genere».
Sì, considero il «pun» - il gioco linguistico-letterario in versi o in prosa - un genere letterario vero e proprio, che ha anche antenati illustri. Compiti per casa: scopriteveli da soli. A me interessa il fatto che il romanzo sia riuscito a far suo anche questo tipo di creazione letteraria e, a volte, a farne la cifra stilistica di opere davvero interessanti. Basti pensare al lavoro di Campanile, continuamente costruito sui fraintendimenti e le difficoltà celate dietro i luoghi comuni del linguaggio, o agli artifici romanzeschi di Perec. Qui ci sono poesie che hanno, grazie alla forza espressiva del “pun”, la sintetica espressività che solo un gioco linguistico può avere; l’economia di parole non risparmia alcuna difficoltà di comprensione, perché più significati passano in sempre meno materiale linguistico. A voi la sfida.
Questa collana, “Pugni di riso”, era ed è ancora molto avanti. Immagino perché è il resto intorno che s’è fermato.

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— May 10, 2011 | Add your feedback
- La morte di Georg (3)
- By Richard Beer-Hofmann
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La morte di Georg

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La trama, per sommi capi.
La trama di questo romanzo capitale è molto esile: l’improvvisa morte di Georg, brillante giovane medico all’inizio di una vita certamente fortunata e baciata dal successo, spinge l’amico Paul a ripensare completamente la propria esistenza, vuota e votata all’indifferenza v ... (continue)

La trama, per sommi capi.
La trama di questo romanzo capitale è molto esile: l’improvvisa morte di Georg, brillante giovane medico all’inizio di una vita certamente fortunata e baciata dal successo, spinge l’amico Paul a ripensare completamente la propria esistenza, vuota e votata all’indifferenza verso tutto e tutti.
Fuori l’autore.
Richard Beer-Hofmann (1866-1945) vive in pieno gli anni finali dell’Impero asburgico e di quella Vienna nella quale è nato così tanto dell’Europa attuale. Invece di vivere di rendita sulle industrie paterne, si dedica alla scrittura impegnandosi seriamente nel battere strade nuove, insieme agli amici di una vita: Hugo von Hofmannsthal, Hermann Bahr e Arthur Schnitzler, e scusate se è poco. Se dopo di lui c’è stato qualcosa chiamabile «grande romanzo europeo», lo si deve principalmente a questo scrittore che ha raccolto molto molto meno di quanto ha seminato.
La recensione in senso stretto.
Per sorbirsi un intero romanzo scritto in erlebte Rede, bisogna essere o obbligati da qualcuno che ci fa veramente paura o completamente rimbecilliti per l’autore. Eppure Beer-Hofmann ci riesce senza appoggiarsi a nessuna di queste due scuse, perché il suo enorme sforzo riesce qui in un risultato artistico altissimo.
Il romanzo è composto da continui passaggi di immagini - che sono, di volta in volta, idee, pensieri, sogni, meditazioni del protagonista - raramente intervallati da qualche «fatto» che li scatena o che li localizza con precisione nello spazio e nel tempo. Il percorso di «redenzione» e di avvicinamento ad una vita più autentica che fa il protagonista è magistralmente collocato in uno spazio indistinto tra la sua psiche e il mondo esterno, tra i sentimenti e il linguaggio, tra la percezione e i pensieri; in questo modo non si viene né annoiati dal continuo rimuginare del protagonista sulla propria esistenza - perché essa è posta in continuo problematico rapporto con le altre e con il mondo - né frustrati nelle aspettative da un mondo esterno nel quale non succede niente - perché quel poco è sufficiente a sconvolgere il tutto. L’artificiosità del finale - davvero brutto, non c’è che dire - in un certo senso conferma che il fuoco di questo romanzo non sta certo nella trama.
Se la storia o lo stile non vi dicono nulla di nuovo, riflettete sul fatto che Fisher pubblicò questo romanzo nel 1900. Beer-Hofmann è semplicemente il primo in tutta una serie di aspetti stilistici, retorici e linguistici che faranno di lì a poco la storia del romanzo quale lo conosciamo attualmente; sarà il caso di essere generosi con questo esploratore di una landa ancora sconosciuta.
Il libro si trova ancora, su alcuni siti, a poco più di 12 euro, come altri titoli della bellissima collana «Archivio del romanzo» di Guida. Contiene un saggio di Lukacs (in apertura) uno di Rubino (dopo il testo), note del curatore e del traduttore: insomma, un vero esempio di come dovrebbero esser fatti i libri - da parte di un editore, intendo.
Perché dovrei leggerlo.
La storia del romanzo può essere letta in tantissimi modi. Si può, partendo da quello che si ha in casa, spaziare in lungo e in largo nelle opere di un solo autore, oppure frequentare i suoi stessi riferimenti letterari; ci si può muovere in avanti, sperimentando con la lettura quei sentieri che ancora pochi conoscono, oppure tornare indietro per vecchi percorsi che nessuno frequenta più, a cercare le origini di ciò che ancora ci interessa. Possiamo anche, curiosi dei grandi romanzieri come degli oscuri scrittori da loro schiacciati, fermarci sui nomi di contorno, talenti più semplici da vedere perché luminosi solo ogni tanto o anche solo per una volta.
In tutti questi casi sarà comunque difficile non incontrare Richard Beer-Hofmann.

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— May 10, 2011 | Add your feedback
- Viaggio intorno al mondo (7)
- By Adalbert von Chamisso
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Viaggio intorno al mondo

La trama, per sommi capi.
Il testo è un resoconto di viaggio in nave, un diario di bordo di un viaggiatore di inizio Ottocento. Due anni e mezzo per mare - Copenhagen, Stati Uniti, Sud America, isole del Pacifico, Oceano Indiano - da parte di un deraciné europeo, in parte russo, francese e tedesco, ... (continue)

La trama, per sommi capi.
Il testo è un resoconto di viaggio in nave, un diario di bordo di un viaggiatore di inizio Ottocento. Due anni e mezzo per mare - Copenhagen, Stati Uniti, Sud America, isole del Pacifico, Oceano Indiano - da parte di un deraciné europeo, in parte russo, francese e tedesco, alla ricerca sia di una identità personale che di un mondo capace di ospitarla. Ma, da bravo romantico tedesco, von Chamisso non è tanto incline a credere alle illusioni. Ciò che vede davanti a sé è già una fine.
Fuori l’autore.
Adalbert von Chamisso (1781-1838) è forse il più tipico - biograficamente parlando - esponente del romanticismo tedesco. Se non fosse per il fatto di vivere oltre la giovinezza, sarebbe davvero un prototipo del letterato di quegli anni: impegnato nelle scienze, nella vita militare come nella letteratura, cui si dedica in momenti diversi della sua vita, ottiene fama postuma e non per le attività che lo tennero impegnato per la maggior parte della sua vita. Come poeta è ricordato praticamente da tutti i suoi successori tedeschi - cosa notevole anche perché lui era di madrelingua francese; come narratore ha lasciato la Storia straordinaria di Peter Schlemihl, fondamentale romanzo della cultura europea, e queste memorie di viaggio per nave, svolte come botanico di bordo.
La recensione in senso stretto.
Sono rari i casi in cui uno scritto autobiografico può assurgere senza problemi al rango di romanzo, o almeno avere quel potere di conoscenza del mondo tipica del genere letterario romanzesco. tra l’altro von Chamisso c’era riuscito da poco tempo con la stesura dello Schleimihl. Questo Viaggio ne è in un certo senso - com’è evidente - una continuazione, ma libera dalle necessità fantastiche di quel primo romanzo, di cui mantiene però il desiderio di rispondere a un interrogativo centrale: qual è la patria di un uomo europeo? Questa è la domanda che il botanico di bordo di un bragantino in missione scientifica porta con sé di fronte alle innumerevoli esperienze che fa e alle quali assiste, alla ricerca di segni che possano indicargli una possibile risposta; vivendo su di sé la piena crisi illuministica che dal lato quotidiano vede ragione e classificazione infrangersi contro una natura che non si lascia pensare né classificare, e dal lato storico assiste alla dissoluzione del mito della patria - qualunque cosa sia - per avere al suo posto un ente meramente politico assoggettato al capitalismo mercantile.
L’ingenuità del viaggiatore di fronte a spettacoli della natura ora del tutto normali è oggi una prova per il lettore, per vedere fino a che punto è capace di tralasciare quanto di puramente storico e ipocrita va lasciato al suo tempo per preservare i connotati genuinamente romanzeschi di questo libro. La storia della letteratura di viaggio passa anche di qui.
Su questa bellissima collana di Guida ho già detto: un vero esempio di come dovrebbero esser fatti i libri - da parte di un editore, intendo.
Perché dovrei leggerlo.
La domanda riguardo il proprio luogo d’origine è anche un’altra versione della domanda fondante la storia del romanzo: qual è il proprio destino? La letteratura di viaggio comincia così. Non con la cronaca di un ritorno annunciato ed inevitabile, come quello di Ulisse; quella è solo avventura. Il romanzo, il tempo e il viaggio nascono insieme nella forma di una domanda alla quale rispondere. Il romanticismo tedesco - di cui von Chamisso è uno degli esponenti più interessanti - ha tentato questa e molte altre risposte. “I go to prove my soul” (Browning, Paracelsus, Atto I, Scena II).

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— May 10, 2011 | Add your feedback
- Il mago di Oz (126)
- By Salman Rushdie
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Il mago di Oz

E’ un saggio su…
Due brevi saggi sul film del 1939 diretto da Victor Fleming. Al loro interno, però, c’è molto molto di più - malgrado rimangano due ottimi esempi di critica cinematografica.
Recensione.
“Il mago di Oz fece di me uno scrittore”. Oh, questo sì che è interessante. In questo testo Rush ... (continue)

E’ un saggio su…
Due brevi saggi sul film del 1939 diretto da Victor Fleming. Al loro interno, però, c’è molto molto di più - malgrado rimangano due ottimi esempi di critica cinematografica.
Recensione.
“Il mago di Oz fece di me uno scrittore”. Oh, questo sì che è interessante. In questo testo Rushdie fa quello che andrebbe sempre fatto quando si scrive un saggio: usa l’oggetto del saggio per parlare d’altro. Il saggio, quando si avvicina ad avere un merito artistico, dice qualcosa sul suo oggetto, e contemporaneamente mostra qualcos’altro.
Qui abbiamo un romanziere che parla di un film, e lo fa in maniera davvero piacevole. Ci sono gli aneddoti, c’è la critica cinematografica, c’è l’amore per il cinema, e molte altre cose. Tra queste, appunto, lo scopo del saggio: centrare il tema tanto caro a Rushdie dell’esilio, del parlare una lingua per scrivere di un altro mondo che parla altre lingue. Oz è un territorio molto caro a Rushdie: è la casa che ci si fa quando non si può più stare a casa propria. E di questo lui ne sa.
Ecco che il cuore di questo libretto è espressamente romanzesco: qui si parla, obliquamente, attraverso un film, di quello che forse è il più vecchio tema romanzesco, il tema del romanzo per eccellenza: la costruzione del proprio destino. Che questo passi per un paio di scarpette rosse, ovviamente non importa, così come non importa affatto sapere se il film piace al lettore o no – qui si parla anche (e forse soprattutto) di altro.
E’ ovvio quindi che la sua critica cinematografica è molto “critica” e poco “cinematografica”. Gli aspetti del film che vengono esaminati sono tutti narrativi e poco tecnici, ma non credo che importi. Ci sono tanti modi per parlare di romanzi quanti che ne sono per parlare di film; quando s’incontra un libro che fa le due cose contemporaneamente non è il caso di fare i difficili.
La collana “Aperture” di Linea d’Ombra è davvero ricchissima di cose belle; sulle solite bancarelle o nei remainders ben forniti comprate pure a occhi chiusi.
Fuori l’autore.
Salman Rushdie (1947), scrittore e saggista di lingua inglese e di cultura molto più complicata. La storia dei Satanic Verses la sapete sicuramente, quindi l’invito è a scoprirlo anche come saggista e critico letterario.
Perché leggerlo, oltre che per il suo argomento?
E’ un raro esempio di saggio sia letterario che cinematografico - com’è possibile, chiedetelo all’autore. A volte certe cose riescono, ed è proprio il caso di approfittarne e leggerle.
Se non avete visto il film… sbrigatevi.

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